Catalogue > Liste par artiste

Témoignages d?immigrés de la première génération : hommes et femmes maghrébins dans un regard croisé avec un immigré polonais et un prêtre catholique belge. Vie de l?immigration sous forme de récits personnels.

Premier film de Foued Bellali, Katty De Boeck, Nadia Remy. Réalisation & Montage: Foued Bellali, Katty De Boeck, Nadia Remy Caméra & Son: Yael André, Foued Bellali, Katty De Boeck, Nadia Remy Production: Vox Année: 2004 Durée: 52? Format: mini-DV Aussi disponible sur: beta SP et DVD (bientôt) Soutitres: VO avec soutitres en français. Texte transcription en FR disponible. Soutitres anglais disponibles bientôt (DVD).

Onze ans après le génocide, le film accompagne survivants et bourreaux avant et après les premiers procès populaires Gacaca où ils se retrouvent face à face. Il y a Obede, accusé d?avoir tué des enfants et dont la demande de pardon n?est qu?une stratégie cynique pour être libéré. Il y a Gahutu, qui n?a « aucun remords » et qui face à ses juges, parlent toujours de « serpent » pour parler de ceux qu?on exterminait. Enfin il y a François, obligé de tuer son propre frère pour pouvoir survivre et qui tente aujourd?hui de se réconcilier avec sa belle-s?ur. A travers ces trois histoires, le film tisse un portrait d?une société en guerre contre l?idéologie toujours présente du génocide.

Né en 1978 en Belgique, il poursuit des études de communication puis de réalisation cinéma à l?Insas jusqu?en 2002. Il termine en ce moment le développement de son premier long-métrage de fiction (lauréat du Prix Junior du meilleur scénario Sopadin) et développe un autre long-métrage sur le génocide rwandais.

"De 1870 à 1955 des millions d'Italiens émigrèrent en Argentine. Le 21 décembre 2001, l'Argentine bascule soudain dans le chaos. Dans le contexte des élections de 2003, le film revient sur l'histoire de l'immigration entre ces deux pays, celle d'un rêve brisé. Les souvenirs se mélangent aux aspirations du présent, relatant le voyage de ceux qui ont décidé de faire en sens inverse le chemin de leurs grands-pères..."

Piero Messina, né en Sicile (Caltagirone) en 1981, est en train de terminer sa thèse de Laurea en études cinématographiques à l`université de DAMS Roma Tre (Discipline art musique et spectacle). A 16 ans, il réalise son premier courtmétrage qui lui vaut le prix special du jury à Libere Visione. Successivement, il réalise `Ben Adam` et dix clips comiques `Melies e caramelle`. En 1999 il réalise et produit en amateur avec Fabio Cillia un long métrage `Una vista non basta` projeté au cinéma Politeama à Caltagirone. Succède un documentaire `Due esempi di sviluppo` et le spot publicitaire de l`AVIS (Association Italienne pour le don de sang). A 22 ans, il réalise `Stidda ca curri` avec lequel il remporte le prix du meilleur court métrage au 50ème Taormina film fest, le `Giglio D`Argento`au 55ème Festival de Valdarno, la mention speciale au Festival International de Fano et au Festival de l`Arcipelago (roma), Meilleur image 28° Recontres Internationales Henri Langlois et il est selectionné pour la 12ème Biennale des jeunes artistes de l`Europe et de la méditerranée (bjcem). D'autre part, il a à son actif des compositions musicales, les bandes sonores de ses propres films, et celle du film de Luca Bellino `Mate y moneda` et du court métrage produit par la Fandango `Due Sigarette`. Actuellement, il prépare un court métrage inspiré d'un poème de Cesare Pavese.

L’Empremier live at Beaubassin (1970) est une œuvre vidéo qui prend la forme d’un long métrage pastiche du film Live at Pompeii (1972, 1974) d’Adrian Maben ou? l’on voit le groupe mythique Pink Floyd jouer dans l’amphithéâtre vide de cette fameuse île détruite par l’éruption volcanique du Mont Vésuve. À Beaubassin, les ruines du Fort Beauséjour – situées a? la frontière entre le Nouveau-Brunswick et la Nouvelle-Écosse – servent d’amphithéâtre dans lequel les esprits du passe? (ceux des ancêtres acadien·ne·s, condamne?·e·s ici, en 1755, a? la déportation et a? des années d’errance) sont convoqués comme spectateur·ice·s fantomatiques. Adoptant le décor de l’e?te? 1970, Live at Beaubassin met en scène un·e chansonnie?r·e acadien·ne fictive – Joan Dularge – alors qu’iel approche la décennie tumultueuse des années 1970, pre?occupe?·e par l’actualité? LGBT[Q2IA+] au lendemain des Stonewall riots (28 juin 1969) et motive?·e par sa condition de personne nouvellement trans-out. Lors de séquences documentaires encore tournées a? l’image de Live at Pompeii (version de 1974), on a l’occasion de voir le processus de création de de Joan et son groupe L’Empremier, alors que ses membres – surtout la chanteuse principale – ont le regard tourne? résolument vers le futur, aux prises avec des enjeux d’actualité : « Jouez-vous de la musique acadienne ? » « Est-ce que la langue est un enjeu avec votre producteur anglophone ? » « Est-ce que l'acadiennete? est une forme de queerness ? »

Rémi Belliveau est un·e artiste, musicien·ne et auteurice interdisciplinaire acadien·ne originaire de Belliveau-Village (vallée de Memramcook, Nouveau-Brunswick), un hameau acadien situé sur Mi’kma’ki, le territoire ancestral non cédé du peuple Mi’kmaq. Son travail artistique s’attache à déconstruire et reprogrammer les fondements, les structures et les imaginaires de la culture acadienne à laquelle iel appartient dans le but de cultiver des capacités d’(auto)analyse et de sens critique, notamment en ce qui concerne la relation entre acadienneté et transitude. Récemment, iel a été deux fois en lice au Prix Sobey pour les arts (finaliste Atlantique en 2021, liste préliminaire Atlantique en 2024), lauréat·e du Prix Claudine et Stephen Bronfman (2022), lauréat·e du programme MOMENTA X RBC (2023), lauréat·e des Ateliers Montréalais de la Fonderie Darling (2023-2026), lauréat·e de la bourse Periculum pour le discours sur l’art (2024) et finaliste au Prix en art actuel du Musée national des beaux-arts du Québec (2025) où iel a gagné prix du public.

Bienvenu à Kempinski, Les habitants de ce lieu mystique et animiste nous le présentent. « Aujourd?hui nous disposons d?un centre spatial. Nous mettrons bientôt des fusées ainsi qu?un certain nombre de satellites sur orbite qui nous permettront d?avoir beaucoup plus d?informations sur les autres stations et sur les autres astres. » La vidéo n?a pas de scripte et son scénario est causé par une règle du jeu spécifique.

Neil Beloufa est né en 1985 à Paris. Étudiant en 4e année aux Beaux-Arts (ENSBA) et aux Arts Décoratifs (ENSAD) de Paris, il est actuellement en échange universitaire aux États-Unis.

Dans un Hollywood imaginaire des cow-boys, des membres d’un gang, des militants, des hippies et des adolescentes rebelles élaborent un conte philosophique qui recycle les stéréotypes les plus forts de notre époque. Dans ce monde où documentaire et science- fiction s'entrechoquent, lutte des classes et invasion extra-terrestre cohabitent.

Neil Beloufa (1985, Paris) a étudié à l'Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts (ENSBA) et l'Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs (ENSAD) de Paris, et à Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains. Il a reç̧u plusieurs prix, notamment le Prix Videoforme de Clermont-Ferrand en 2009, le Grand Prix IndieLisboa 2009, le Prix Arte du court métrage et le Prix du Jury au Festival de Oberhausen en 2011. Son travail a été présenté dans de nombreuses expositions solo à Francfort, Los Angeles, Paris et New York, et présenté dans le cadre de nombreuses expositions solo et collectives depuis 2007. Ses films ont été présentés dans des festivals internationaux de vidéo et documentaire. En 2012, il a reçu le talent Prix Audi pour son projet de long métrage TONIGHT AND THE PEOPLE, dont la première a eu lieu au FID Marseille en 2013. Cette même année, il a reçu le prix Meurice pour son prochain projet de film. Il vit à Paris.

El Brujo, qui signifie “ le sorcier “ en espagnol est aussi le nom d’un site archéologique mochica. C’est sur cette plage de la côte péruvienne que l’artiste a tourné une partie de son film : le guérisseur José Levis Picón y rejoue la séquence finale du film de François Truffaut Les Quatre Cent Coups (1959) où le jeune héros Antoine Doinel, interprété par Jean-Pierre Léaud, s’enfuit vers le rivage. Le célèbre acteur français prend lui aussi part à l’oeuvre de Louidgi Beltrame, filmé à la dérive dans les rues de Paris. A travers ces transpositions, l’artiste orchestre une série de déplacements, une migration des personnages, des motifs et des époques : “Antoine Doinel est déplacé dans l’espace et dans le temps, mais aussi dans le langage. En Aymara, langue indienne vernaculaire, le passé se situe devant le locuteur et le futur derrièrere lui. “ Aux lignes géométriques du paysage péruvien fait de pyramides et d’excavations répond la structure du montage filmique composée de travellings et de plans panoramiques sur la musique modulaire et synthétique du morceau Triangle (1979) de Jacno.

Louidgi Beltrame est né en 1971 à Marseille. Il vit et travaille actuellement à Paris. Il a étudié à l’école supérieure d’art et de design à Marseille, au Fresnoy-Studio National des Arts Contemporains et à la Villa Arson de Nice. Dans son travail salué par le prix SAM en 2014, Louidgi Beltrame examine les processus de constitution d’archives et de documentation de l’organisation humaine à travers le 20ème siècle, en utilisant la fiction comme une possible façon d’appréhender l’histoire. Le travail de Louidgi Beltrame se développe autour d’une déconstruction des structures formelles et narratives du cinéma, envisagé comme médium avec sa syntaxe spécifique mais aussi comme force politique qui a influencé le développement du siècle dernier et d’une documentation de l’architecture moderniste et de ses vestiges. Il filme ainsi dans des endroits définis par leur relation paradigmatique à la modernité : Hiroshima, Rio de Janeiro, Brasilia, Chandigarh, Tchernobyl, ou Gunkanjima, île abandonnée au large de Nagasaki, vestige d’une ancienne cité charbonnière. Son travail, récemment exposé au Palais de Tokyo (2016), a été montré au Centre d’art Contemporain de Chelles (2010), au Musée d’art Moderne et Contemporain de Strasbourg (2008), au Pinchuk Art Center de Kiev (2007), à l’Atelier du jeu de Paume (Paris, 2006), au Musée d’art contemporain du Val-de-Marne, (France, 2005), au Centre Georges Pompidou, (Paris, 2005).

Louidgi Beltrame filme en 16 mm un grand banyan situé dans le jardin botanique de Calcutta. Cet arbre, qui a la particularité de s’étendre en rhizome sur plusieurs centaines de mètres, est approché comme une forêt de clones, un espace métaphysique où des histoires refont surface : l’histoire de l’invention et du développement parallèle de la photographie et de la télégraphie dans le contexte de l’Inde colonisée, le rêve de Linné selon Foucault, des réminiscences du cinéma Bengali de Ritwik Ghatak et de Satyajit Ray où réel et fiction se sont rencontrés.

Louidgi Beltrame est né à Marseille en 1971. Il vit et travaille à Paris. Le travail de Louidgi Beltrame se développe autour d’une documentation des modes d’organisation humaine dans l’histoire du 20ème siècle. Il se déplace sur des sites définis par une relation paradigmatique à la modernité : Hiroshima, Rio de Janeiro, Brasilia, Chandigarh, Tchernobyl ou encore la colonie minière de Gunkanjima au large de Nagasaki. Ses films - qui reposent sur l’enregistrement du réel et la constitution d’une archive - font appel à la fiction comme une manière possible d’envisager l’Histoire.

Située au large de Nagasaki au Japon, l?île de Gunkanjima est une colonie minière abandonnée depuis 1974. Objet d?une expérimentation urbaine verticale, extrême, et non planifiée, l?île rassemble aujourd?hui les vestiges archéologiques de l?architecture moderne japonaise. Ces formes vides, filmées comme des sculptures monumentales, sont néanmoins habitées par des histoires stratifiées - celles des conditions de production, des idéologies qui ont motivé ces chantiers et des hommes qui les ont bâti et exploités.

Louidgi Beltrame est un artiste français. Né à Marseille, il vit et travaille actuellement à Paris. Son travail se développe autour de la déconstruction des structures narratives et formelles du cinéma, considéré comme un médium avec sa syntaxe spécifique, mais également comme une force politique qui a influencé les développements du siècle passé, et qui constitue également une documentation de l?architecture moderniste et de ses vestiges. Le travail de Louidgi Beltrame est exposé dans des galeries, des musées et présenté dans des festivals de cinéma en France et à l?étranger, notamment au Musée d?Art Moderne et Contemporain de Strasbourg ; à Paris au Musée du Jeu de Paume, à la Fondation Ricard, au Palais de Tokyo, au centre d?art Le Plateau, au Centre Georges Pompidou. Ses films ont été diffusés au FID Marseille (festival international du documentaire), au festival international du film de Rotterdam, au festival du film de Locarno, à la Fondation Funarte de Rio de Janeiro, à LOOP, Barcelone ; au Japon à la Echigo Tsumari Art Triennal, à Niagata et à l?Hiroshima Art Document.

Deux architectes espéraient construire la cité idéale: Oscar Niemeyer a créé Brasilia en plein mato (savane) brésilien, Le Corbusier s?est rendu en Inde pour y construire Chandigarh. Les deux villes s?élèvent dans le paysage, comme deux mémentos futuristes de béton, témoins de leurs bâtisseurs, les rares habitants qui nous sont donnés à voir semblent rapetissés. Les géométries respectives de Brasilia et Chandigarh construisent le film, tandis que le dialogue s?installe entre les deux cités.Brasilia 2.doc

Louidgi Beltrame, cinéaste, artiste, est né en 1971 à Marseille. Il a présenté son travail à l?Atelier du Jeu de Paume, au Palais de Tokyo ou au Musée André Malraux du Havre ainsi qu?au Festival du Film de Locarno ou au Festival Interntional du Documentaire à Marseille.

A group of Cuban migrants use their mobile phones to record and transmit through social networks intimate moments of their passage through the jungle, gathering more than 100 hours of experiences. Immobilized in a makeshift camp by Cáritas in Panama City, the difficult passage through the Darien Jungle comes to life on their devices. In this migratory limbo, Cuban director Marcel Beltrán films the passing of the hours in the camp and gains access to this shocking archive.

Marcel Beltrán (b. 1985, Moa, Cuba) is a film director and producer currently living and working in São Paulo, Brazil. He is the founder of Mediocielo Films, a consultant for international development projects and a facilitator of sustainability practices within the arts, exploring environmentally and ecologically-focused issues. Beltrán’s work combines image degradation, memory and life experience creating a dialogue between the poetic and political / the intimate and public. Marcel has wrote, directed and produced “La música de las esferas” (2018) premiere at 35 MIFF and "La opción cero" (2020), a feature documentary with world premiere at IDFA, Hot Docs and DOC NYC, receiving, among other awards, Best International Feature Film at Miradasdoc (Spain), FIDBA (Argentina). His previous films were selected in film festivals around the world, such as MoMA Documentary Fortnight (New York), Busan International Short Film Festival, Documenta Madrid, DOK Leipzig, AmDocs (Palm Springs), Malaga, Biarritz, SANFIC (Santiago de Chile), Festival Latino (São Paulo), BIFF (Bogota), Havana Festival, among others.

Une femme queer est enceinte. La famille choisie, composée de deux lesbiennes et d'un homme trans, imagine une sorte de magie érotique qui permettra une procréation fondée uniquement sur le désir. Ensemble, ils mettent en place un rituel sexuel public pour symboliser leur espoir de multiplicité, reconnaissant leurs corps cyborgs comme des interventions technologiques. Lorsque la femme homosexuelle fait une fausse couche, ils commencent tous les trois à construire leur propre idée mythique de l'endroit où vivent les corps lorsqu'ils ne sont pas en nous. Ils créent une histoire pour retracer les mouvements du non-corps, d'un trou à une rivière, puis à une pièce. Les images d'une chambre blanche imaginaire, d’une chambre "ikeaesque" de torture par l’immobilité, les hantent. Comme un parallèle émerge entre le corps enceinte et le corps trans, l'acte techno-sexuel devient la clé, et une pyramide devient le portail pour accéder à cet autre monde d'existence non corporelle.

Angelo Madsen Minax travaille dans le cinéma documentaire et hybride. Il est lauréat du Samuel Edes Prize for Emerging Artists, Chicago (USA) [2017], de la bourse Tribeca Film Institute's All-Access Fellowship, New York (USA) [2019], du Sundance Institute's Documentary Production Fund (USA) [2019] et de la bourse Bay Area Video Coalition’s Media-maker Fellowship, San Francisco (USA) [2020]. Amber Bemak est réalisatrice, artiste et éducatrice. Son travail est basé sur le cinéma expérimental et documentaire. Ses œuvres primées ont été présentées dans des lieux tels que le Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art du Brooklyn Museum, New York (USA); le Museo Tamayo, Mexico (Mexique); et le SculptureCenter, New York (USA); ainsi qu'aux Internationale Kurzfilmtage Oberhausen (Allemagne); à DocLisboa, Lisbonne (Portugal); au Ann Arbor Film Festival (USA); au Festival internacional de cine de Morelia (Mexique); et au European Media Art Festival, Osnabrück (Allemagne).

Borderhole takes place on a mythical border area between Colombia and the United States. We investigate the relationship between North and South America through the lens of the American Dream and the illumination of multiple tensions in and around the border. The piece explores imperialism, globalization through pop music, gender mutation in an international context, and the choreography of women’s bodies in relation to sociopolitical and ecosystems.

Nadia Granados is originally from Bogotá, and currently based in Mexico City. Her work explores the relationships between traditional pornography and violence and is both performative and technological, art and activism, and a mix of cabaret, intervention, and streaming video. In all of her work, she uses her body to detonate, opening up new pathways of action and shift consciences. Among the many awards she has received are the Franklin Furnace Fund, the 3rd Visual Arts Biennial Bogotá Prize, and the FONCA award for Colombia-Mexico artist residencies. Her work has been presented extensively and internationally. Amber Bemak teaches filmmaking at Southern Methodist University in Dallas, Texas, and her creative work is based in experimental and documentary film, as well as performance art. Amber’s work focuses on themes of Buddhist culture, performative explorations of the body in relation to greater political systems, and cross-cultural encounters in the context of globalization. Her feature and short films have played in numerous festivals internationally, and have been seen at venues including the Brooklyn Museum’s Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art, SculptureCenter, and Oberhausen Film Festival. She has taught film theory and practice in India, Nepal, Kenya, Mexico, and the United States.

Une femme queer est enceinte. La famille choisie, composée de deux lesbiennes et d'un homme trans, imagine une sorte de magie érotique qui permettra une procréation fondée uniquement sur le désir. Ensemble, ils mettent en place un rituel sexuel public pour symboliser leur espoir de multiplicité, reconnaissant leurs corps cyborgs comme des interventions technologiques. Lorsque la femme homosexuelle fait une fausse couche, ils commencent tous les trois à construire leur propre idée mythique de l'endroit où vivent les corps lorsqu'ils ne sont pas en nous. Ils créent une histoire pour retracer les mouvements du non-corps, d'un trou à une rivière, puis à une pièce. Les images d'une chambre blanche imaginaire, d’une chambre "ikeaesque" de torture par l’immobilité, les hantent. Comme un parallèle émerge entre le corps enceinte et le corps trans, l'acte techno-sexuel devient la clé, et une pyramide devient le portail pour accéder à cet autre monde d'existence non corporelle.

Angelo Madsen Minax travaille dans le cinéma documentaire et hybride. Il est lauréat du Samuel Edes Prize for Emerging Artists, Chicago (USA) [2017], de la bourse Tribeca Film Institute's All-Access Fellowship, New York (USA) [2019], du Sundance Institute's Documentary Production Fund (USA) [2019] et de la bourse Bay Area Video Coalition’s Media-maker Fellowship, San Francisco (USA) [2020]. Amber Bemak est réalisatrice, artiste et éducatrice. Son travail est basé sur le cinéma expérimental et documentaire. Ses œuvres primées ont été présentées dans des lieux tels que le Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art du Brooklyn Museum, New York (USA); le Museo Tamayo, Mexico (Mexique); et le SculptureCenter, New York (USA); ainsi qu'aux Internationale Kurzfilmtage Oberhausen (Allemagne); à DocLisboa, Lisbonne (Portugal); au Ann Arbor Film Festival (USA); au Festival internacional de cine de Morelia (Mexique); et au European Media Art Festival, Osnabrück (Allemagne).

Borderhole takes place on a mythical border area between Colombia and the United States. We investigate the relationship between North and South America through the lens of the American Dream and the illumination of multiple tensions in and around the border. The piece explores imperialism, globalization through pop music, gender mutation in an international context, and the choreography of women’s bodies in relation to sociopolitical and ecosystems.

Nadia Granados is originally from Bogotá, and currently based in Mexico City. Her work explores the relationships between traditional pornography and violence and is both performative and technological, art and activism, and a mix of cabaret, intervention, and streaming video. In all of her work, she uses her body to detonate, opening up new pathways of action and shift consciences. Among the many awards she has received are the Franklin Furnace Fund, the 3rd Visual Arts Biennial Bogotá Prize, and the FONCA award for Colombia-Mexico artist residencies. Her work has been presented extensively and internationally. Amber Bemak teaches filmmaking at Southern Methodist University in Dallas, Texas, and her creative work is based in experimental and documentary film, as well as performance art. Amber’s work focuses on themes of Buddhist culture, performative explorations of the body in relation to greater political systems, and cross-cultural encounters in the context of globalization. Her feature and short films have played in numerous festivals internationally, and have been seen at venues including the Brooklyn Museum’s Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art, SculptureCenter, and Oberhausen Film Festival. She has taught film theory and practice in India, Nepal, Kenya, Mexico, and the United States.

« Six floors to hell » (52 minutes) est un long-métrage sur les Palestiniens du carrefour de Geha ? un des plus actifs dans la région de Tel-Aviv ? qui vivent dans le parking souterrain d'une galerie marchande abandonnée et qui se faufilent en Israël pour trouver un travail et rapporter un petit salaire à la maison. L'un des résidents du centre commercial s?appelle Jalal ; celui-ci met sur pied cet enfer afin d'économiser assez d'argent pour son mariage, alors que Nisrin, sa fiancée, attend qu?il finisse le toit de leur nouvelle maison à Salem, en Cisjordanie. Dans des conditions inhumaines, les hommes essaient de préserver leur humanité.

Jonathan Ben Efrat a écrit le scénario et a réalisé la mise en scène de « Six floors to hell » (52 minutes) en 2008 et a remporté le prix du meilleur montage au Festival International du Film Docaviv en 2008, ainsi que le Prix RAI3 du Centre Méditerranéen de la Communication Audiovisuelle de Turin (Italie) en 2008. L'artiste a contribué à divers festivals de cinéma.

Dans la pénombre, la main surgit comme un fragment de présence, suspendue entre apparition et effacement. Elle devient un territoire sensible, effleuré par une intimité silencieuse, et se déploie comme un paysage ouvert, un espace d’accueil pour ce qui passe sans jamais vraiment se laisser saisir. La vidéo devient alors un lieu de ralentissement, où le regard croise une présence partielle mais habitée, traversée par un monde en mouvement.

Yosr Ben Messaoud est une artiste visuelle qui travaille entre la France et la Tunisie. Elle poursuit actuellement ses études à l’École des Beaux-Arts de Paris, après avoir obtenu un diplôme en art contemporain et sciences humaines à l’Université de Vincennes. Son travail se compose de vidéos, de photographies, de dessins et d’installations ou encore d’hybridation entre ces différentes formes d’expression. La variété de formes opératoires transmet une esthétique d’ouverture et de flottaison, où l’on est appelé à être un pont, à accueillir l’altérité pour l’émergence d’une nouvelle forme de communion. Dans son travail, elle interroge les enjeux liés au déplacement des récits et à leurs survivances en partant de l’intime, par la mise en place de dispositifs conçus à la fois comme des systèmes d’accueil, des contenus d’expériences et des circuits de narration, qui se peuplent de ce qui les entourent. Les axes se déplacent incessamment, entre le vécu et les faits d’affects, les images récoltées et celles qui survivent, l’intime et la parole collective, pour réfléchir autour de la condition de l'humain, non pas en tant qu’humanité au centre du monde mais comme faisant partie de son ordre sensible, matériel et social

Anonymous soldiers don?t tell your mother - synopsis Anonymous soldiers, l'hymne du "Shtern gang", un groupuscule juif anti-britannique qui opérait dans les années quarante traduit en français avec des fautes d'orthographe. Le texte est narré par les parents de l'artiste, qui ne le connaissent pas, mais tentent de plaire à leur fils. Le récit est interrompu par les corrections d'orthographe, la mère qui veut nourrir son fils, et d'autres sons et rythmes orientaux. Le son est orchestré par des personnages dont le visage est camouflé avec des paysages désertiques sculptés digitalement sur leur visage. "no johnny no" est une danse du ventre virtuelle dans un album de photos de famille. Accompagné par un son franco-arabe rêveur.

Né à Jérusalem A étudié avec Christian Boltonsky à l?Académie des Beaux-Arts, Paris. Diplômé avec mention de la Bezalel Art Academy à Jérusalem. A été récompensé par la fondation Manet-Katz, l´America-Israel fund et la fondation Pollock-Krasner de New York. Installations vidéo et projets en Israel, France, Angleterre, Belgique et Canada. directeur du Département des arts de l?Académie des arts et sciences à Jérusalem.

Images de Tunisie réemploie et recontextualise des archives issues de films d’actualités produits par Les Actualités Françaises dans les années 1940, en les combinant avec de nouvelles images tournées sur les mêmes sites d’architecture vernaculaire des villages berbères du sud de la Tunisie. Ces documentaires en noir et blanc servaient la propagande française dans les colonies d’Afrique du Nord, dont la Tunisie. Younes Ben Slimane explique : "Le titre du film fait référence au documentaire ethnographique de Georges Barrois, Images de Tunisie (1946), qui m’a intrigué par sa capacité à créer des images et à façonner des récits. Je suis retourné sur ces lieux pour les réinterpréter avec un regard personnel, utilisant une caméra portée qui devient comme l'extension du corps." Le film opère comme une contre-ethnographie. Naviguant entre les documents d'archives et les images personnelles, une interaction se développe. Cette interaction devient la clé de voûte du film, le transformant en un commentaire sur l'évolution du cinéma, illustrant sa capacité à redéfinir les récits.

Younès Ben Slimane est un artiste visuel et cinéaste tunisien. Il est diplômé en architecture de l’École Nationale d’Architecture et d’Urbanisme de Tunis avant d’avoir poursuivi des études post-diplôme au Fresnoy – Studio national des arts contemporains (FR). Son travail a été présenté au Mucem à Marseille (FR), à la Biennale de l’Art Africain Contemporain de Dakar (SN), au Musée d’Art Contemporain de Skopje (MK), à l’Institut du Monde Arabe à Paris (FR), au Beirut Art Center (LB), à ETH Zurich – gta exhibitions (CH), à la Biennale d’Architecture de Versailles (FR), sur le musée-bateau Art Explora, ainsi qu’au Wexner Center for the Arts dans l’Ohio (US), à la Zaha Hadid Foundation à Londres (UK) et à la Galeria de Arte Cinemática à Vila do Conde (PT). Ses films ont été sélectionnés dans de nombreux festivals internationaux, notamment le Locarno Film Festival (CH), CPH:DOX (DK), le Black Star Film Festival (US), DokuFest (XK), EXiS Seoul (KR) et Prismatic Ground New York (US), entre autres. Il a reçu plusieurs distinctions, dont le Loop Barcelona Award (2022, ES). Son travail fait partie de collections publiques, notamment celles du Musée d’Art Contemporain de Barcelone (MACBA) Print et de Kadist Paris–San Francisco.

A lone figure digs a grave in the dead of night. With no dialogue – and no sound other than the wind, the crackling of a fire and the scrape of a shovel against dry earth – we are confronted with a dark and mysterious, possibly cursed, universe where every object seems haunted by a meaning we barely sense, but which seem to confirm our anxieties. The head of an old doll, a comb, a lipstick. Relics whose silent language speaks of the end of their former owners. At sea, in the desert. Younes Ben Slimane’s disturbingly beautiful and melancholic imagery is bathed in darkness and in a golden chiaroscuro, lit only by the stars and the lone grave diggers’ headlamps.

Younès Ben Slimane : Artiste et cinéaste tunisien, diplômé du Fresnoy – Studio national des arts contemporains en 2022. Ses films ont été sélectionnés dans des festivals internationaux parmi lesquels Locarno Film Festival, CPH:DOX, DokuFest, Festival dei Popoli. Il a reçu le a remporté le Tanit d'or aux journées cinématographiques de Carthage (2019), le Prix Studio Collector(2021) et le prix Loop Barcelona(2022).Son travail fait partie des collections d’institutions et de musées d’art notamment l’institut d'art contemporain, Villeurbanne/Rhône-Alpes (IAC), France et le Musée d'art contemporain de Barcelone, MACBA - Barcelone, Espagne. Actuellement, Younès Ben Slimane se consacre au développement de son prochain film grâce au programme Focus Script du Festival de Cannes.

"...of once held joy" est la partie finale d'un travail audio appelé "WAKE". Après environ 45 minutes d'une veillée de mort, cette chanson vient célébrer quelque chose qui est vraiment perdu aujourd'hui. Ce travail évoque une guerre et comment la personne qui chante y a disparu. La chanson elle-même est enfouie sous des épaisseurs de bruits et de pourriture qui prennent une ampleur musicale dans la chanson.

MORTALMANIFEST est un projet musical abordant différents aspects du sublime et du divin tout en essayant de donner à la musique plus de valeur que son lien habituel avec le comportement nihiliste. Originaire de la petite mais surprenante scène musicale israélienne, j'ai travaillé avec plusieurs artistes musicaux et j'ai participé à plusieurs spectacles radio. De manière générale, j'ai publié plusieurs titres sur des albums decompilation aux USA et mon travail a été présenté lors de deux festivals au Canada et au Pays de Galles.

The Promise of Meat song- composed and performed By Anat Ben-David with Anna Dennis by vocally improvising fragments from William Golding’s Lord of the Flies. Beginning as a narrative song (using Golding’s descriptive scenes of the jungle), it gradually degenerates into eloquent chaos, the slow tribal thud evoking the atmosphere of ritual sacrifice. The promise of meat video featuring: Anat Ben-David, Anna Dennis and Cinematographer: Lily Grimes, elevates the carnal, visceral and unreasonable beauty of the human psych in the age of Data-centric threat to humanity.

Dr Anat Ben-David explores the freedom of live improvisation combined with traditional methods of musical composition. Anat’s approach to time-based work is founded in composition. Her background in experimental theatre (the school of Visual Theatre, Jerusalem) and as a member of electro–punk band and art collective Chicks On Speed, has led to projects such as Kairos OperaArt (commissioned for the opening of the new wing of Victoria and Albert Museum), where live electronic processing meets classical instrumentation in a fusion of different musical genres. In her doctoral research Oscillation and Disturbance in the OpeRaArt (Kingston University, 2015), artist and musician Anat Ben David coined the term ‘OpeRaArt’ to explain her rearrangements of sound-text into musical compositions. Ben-David recent collaborations include Lina Lapelyte (winner of Venice Golden-Lion prize, 2019), opera singer Anna Dennis, poet Richard Scott, Vocalist Sharon Gal, violinist Angharad Davies and more. Anna Dennis Described by the Times as a “delectable soprano and a serene, ever-sentient presence”, Anna is especially noted for her work in Modern and Baroque repertoire. Previous opera stages include ROH, ENO, La Scala, Göttingen and Aldeburgh. Concert work includes Berlin Philharmonie, Lincoln Center, Royal Albert Hall, Gulbenkian Lisbon, and Sydney Opera House.

Rokh est un portrait métaphorique de la minoterie dans son état actuel comme le “grenier du pays”. Rokh (Le Phoénix - mythologique) est en rapport avec la “Conférence des oiseaux” du poète Farid Ud-Din Attar, avec la quête du mythique Simorgh, qui apparaît dans tant de contes arabes, indiens et persans. Rokh est une tentative de capturer quelque chose de ce moulin en voie de disparition et de mutation. Il fait référence à l’histoire et au l’histoire et le présent d’une terre en mutation à travers une collection de gestes traditionnels, et de l’arrivée du bateau qui importe le grain d’Asie à son d’Asie, le grain est trié, stocké et retravaillé, étudié et dégusté. Mécaniques oniriques et répétitives nous transportent dans une transe hypnotique, visuelle et sonore, en écho à l’histoire de l’humanité à travers les mouvements, les passages et le transit des oiseaux. Le bâtiment est vu comme un nid ou un organisme vivant produisant du grain qui nourrit. Il y a un mouvement éphémère vers la démolition de l’édifice, la chute des gravats, des décombres et de la future reconstruction. Je vois ce projet de film comme une allégorie de la nidification, de l’attente du prochain envol, un voyage onirique dans un immeuble. Un voyage onirique dans un corps de béton révélé par la lumière caressante, la puissance de la chaleur, la visite du soleil du jour à la nuit, un cycle éternel qui insole la pellicule comme une peau marquée au fer.

Yasmina Benabderrahmane est diplômée de l’École Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris en 2009 et du Fresnoy – Studio national des arts contemporains de Tourcoing – en 2015. Elle travaille avec le film et la photographie argentiques de manière expérimentale. Yasmina s’intéresse au fragment et focalise son regard au plus près de la matière, jusqu’à l’invisible. Elle crée des corpus d’images fixes, animées et sonores. Sa pratique à mi-chemin du documentaire du journal-filmé, emprunte plusieurs formes : de la simple image au film, jusqu’à l’installation multimédia. Yasmina reçoit en 2018 le Prix du court-métrage Solveig-Anspach pour son film La renardière. En 2019 on la distingue Révélation Photographie – Lauréate du Prix LE BAL de la Jeune Création avec l’ADAGP. En 2021, elle remporte la commande photographique nationale « Regards du Grand Paris – Année 6 » (CNAP – Ateliers Médicis). Son travail est exposé à l’international et intègre des collections privées et publiques. Yasmina Benabderrahmane est pensionnaire à la Villa Médicis de la promotion 2022-2023, elle y conduit ses recherches pour le projet de film au long-court Carne Vale, lotta lavora come un fascista.

En 2012, Mohamed voit son meilleur ami abattu par une milice armée aux abords de Damas, en Syrie. Le sang se répand dans l’eau du lac et contamine la mémoire. Dix ans plus tard, les reflets des Laurentides rappellent le traumatisme de Mahamed, maintenant réfugié au Québec. Je lui demande s’il souhaite excaver les souvenirs, réparer les peurs en nous isolant quelques jours dans le calme le plus angoissant qui soit pour lui. Il raconte la mort, l’immigration, la colère. Nous nous demandons comment et pourquoi raconter cette histoire.

Samy Benammar est un cinéaste et critique de cinéma résidant entre Marseille et Montréal. Son travail d’écriture et de réalisation, construit autour d'enjeux sociopolitiques hérités de ses origines algériennes et ouvrières, déploie des dispositifs documentaires réflexifs et une approche tactile et expérimentale de l'image. Il a notamment réalisé adieu ugarit (2024), avant seriana (2024), kaua’i’o’o (2023) et peugeot pulmonaire (2021). Ses films sont distribués par Winnipeg Film Group, CFMDC et Vidéographe. Ils ont été présentés dans des festivals tels que le BFI London Festival, les RIDMs, Experiments in Cinema, Windx, le Symposium de Cinémathèque québécoise et le Beijing short film festival. Ses textes peuvent être lus dans différentes revues spécialisées. Il a siégé sur les comités de rédaction de 24 images, Hors-Champ et Panorama-cinéma. Il poursuit actuellement un doctorat en recherche-création sur la photographie coloniale dans la région des Aurès en Algérie.