[EXPOSICIÓN]
DEL 23 AL 29 DE MAYO
INAUGURACIÓN EL 23 DE MAYO > 19:00
DEL 24 AL 29 DE MAYO > 12:00 - 21:00
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ENTRADA LIBRE
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"PARADISE"
Olivo BARBIERI /
Jaime DAVIDOVICH & Gordon MATTA-CLARK /
Peter DOWNSBROUGH /
Didier FAUSTINO /
André FORTINO /
Jakob GAUTEL /
Carlos IRIJALBA /
Aglaia KONRAD /
Julien LEVESQUE /
Mateo MATE /
Hans OP DE BEECK /
Txuspo POYO /
Paul ROWLEY & Tim BLUE /
Clement VALLA /
Hemos querido intervenir lo menos posible sobre el lugar, mantener las estructuras instaladas en el espacio para proyectos anteriores, dejar atestadas las viejas oficinas adyacentes, a fin de reflexionar con el lugar, con aquello que genera y acoge, con sus estratos de actividad a lo largo del tiempo. “PARAÍSO” se interesa en lo que estructura un espacio y hace que queramos habitarlo o desocuparlo, o cómo un lugar desarrolla o destruye su carga simbólica, y se impone como espacio de poder o de intimidad. Las obras de la exposición interrogan nuestros modelos de vida y de representación, los patrones que estructuran nuestra mente y nuestra relación con la realidad. Exploran la posibilidad o imposibilidad contemporánea de un espacio común. A partir de espacios y lugares específicos, las imágenes subrayan o rearticulan una dimensión política, y se presentan como otras tantas propuestas críticas que responden a nuestra época y a nuestra historia.
Olivo Barbieri escruta la conformación de espacios urbanos, la vida ideal que presuponen, y la sustitución de la historia por una representación onírica. Jaime Davidovich documenta una performance de Gordon Matta-Clarck, que compró en una subasta pública baldíos diminutos, intersticios entre las construcciones urbanas. Lo trivial se convierte aquí en espacio para la crítica de nuestra sociedad, una apertura creadora en medio de ámbitos destinados al lucro. Carlos Irijabla juega con la variación de escala y con nuestra percepción, y analiza espacios perdidos, en desuso, fuera de las proporciones humanas, devolviéndonos quizá de este modo, paradójicamente, a nuestros espacios de libertad y de vida en común. Txupo Poyo interpreta el edificio que alberga la sede de la ONU en Nueva York como la encarnación arquitectónica de la utopía de Le Corbusier y de una unión entre los pueblos, pero también de las contradicciones y los compromisos inherentes a un lugar semejante, construido durante la guerra fría. Hans Op de Beeck establece un modelo de hospital a imagen de los centros comerciales y de la industria museística, lugares estandarizados que desprenden una apariencia de alienación, un carácter intercambiable. Aglaia Konrad cuestiona el material de una arquitectura, mientras que Peter Downsbrough cuestiona la función de un espacio, el orden y la regulación que impone un sistema social. Clement Valla recopila los errores de las representaciones digitales producidas por Google Earth, y Julien Levesque reconstruye paisajes a partir de Google Street View. Mateo Maté atraviesa su entorno doméstico, creando un paisaje con objetos cotidianos. Por el contrario, Didier Faustino explora los edificios abandonados de un ministerio en Georgia, reminiscencia del poder y de un momento de la historia. Paul Rowley y Tim Blue analizan la existencia de edificios abandonados, vestigios de un siglo caduco. Jacob Gautel enfrenta a la ciudad ideal de los años 60 con su realidad en el presente, a través de la mirada y las palabras de sus habitantes. Utopía social y lógica de producción disfrazadas de esperanza en una vida mejor. André Fortino mide el espacio, confiriéndole toda su dinámica física y práctica. Actualiza sus funciones, las reinterpreta. Su travesía expresa físicamente una fuerza crítica, quebrando la percepción que teníamos de estos espacios antes de que cayesen en la inutilidad y el abandono.
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Olivo BARBIERI : site specific_SHANGHAI 04, LAS VEGAS 05, SEVILLA → (∞) 06 | Video | hdv, 35mm, 35mm | 00:12:45, 00:12:30, 00:13:00 | Italia, China, EE.UU, España | 2004 - 2010
site specific_SHANGHAI 04
«site specific_LAS VEGAS 05». Treinta años después de la publicación del libro de Robert Venturi “Learning from Las Vegas”, ¿qué aspecto tiene hoy en día la ciudad? Las Vegas 1905-2005: un siglo después de su fundación la ciudad más importante del mundo en materia de turismo y de diversión de masas, parece ser impermeable a las numerosas crisis (petrolera, de la electricidad, del agua y del terrorismo) al cuál el mundo actualmente hace frente.
“site specific_SHANGAI 04” es una película sobre el silencio. Silencio con el cuál, desde el derramamiento de sangre de la plaza de Tiananmen (1989), el mundo occidental ha tratrado la historia de los cambio más rápidos, dramáticos y drásticos en el tejido urbano y la arquitectura de un único país visto desde la historia de la humanidad.
«SEVILLA → (∞) 06» es un relato sobre la percepción de Europa desde África.
Olivo Barbieri nació en Carpi, Módena en 1954. Desde 1971 ha desarrollado un gran interés en la fotografía, concentrando sus investigaciones inicialmente en la iluminación artificial en Europa y en las ciudades Orientales. En 1993, 1995 y 1997 participó en la Bienal de Venecia. En 1996 se realiza su primera retrospectiva en el Folkwang Museum de Essen. A mediados de los noventa, adopta una nueva técnica fotográfica, que le permitía mantener sólo ciertas áreas de la imagen enfocadas: los paisajes fotografiados, normalmente desde un helicóptero, se transforman en series de modelos a escala que proporcionan extrañas y sorprendentes visiones: Olivo Barbieri se cuestiona constantemente cuánta realidad existe en nuesyto modo de vida, o simplemente, cuán profundamente nuestra percepción es capaz de comprender aquello que nos rodea. Para las series site specific_ filma cuatro películas: site specific_ROMA 04, site specific_LAS VEGAS 05, site specific_SHANGHAI 04, site specific_BANGKOK 10. En 2005 la película site specific_ROMA 04 es presentada en la exposición Universal Experience at the Museum of Contemporary Art, Chicago; Hayward Gallery, Londres; MART, Trento y Rovereto, comisariada por Francesco Bonami. Su trabajo ha sido mostrado internacionalmente en el Museum of Contemporary Art, Chicago; Hayward Gallery, London; MART, Trento and Rovereto; SFMOMA San Francisco Museum of Modern Art; Triennale di Milano. Los trabajo de Barbieri pertenecen a colecciones tanto públicas como privadas, así como en museos de Europa y Estados Unidos, entre ellos: Museum Folkwang, Essen; CAAC Centro Andaluz de Arte Contemporaneo, Seville; San Francisco Museum of Modern Art; International Center of Photography (ICP), New York; Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Turin; GAM Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea, Turin; Sondra Gilman Collection, New York; Cisneros Fontanals Foundation, Miami.
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Gordon MATTA-CLARK / Jaime DAVIDOVICH : Reality Properties : Fake Estates | Documental exp. | 00:07:00 | EE.UU | 1975
Jaime DAVIDOVICH documenta el proyecto de Gordon Matta-Clark, Fake States, que data de 1973 a 1974, por medio del cuál el artista buscaba revertir nociones de propiedad, bienes y espacios urbanos. Para este proyecto, Gordon MATTA-CLARK procedió a comprar quince lotes compuestos de terrenos minúsculos e inutilizables, puestos en subasta por la ciudad de Nueva-York, y destinados a servir como plataforma para sus intervenciones «anarquitecturales». No obstante, a la muerte del artista en 1978, los terrenos volvieron a ser propiedad de la ciudad. Este material que fue recientemente redescubierto.Filmado por el video artista y pionero en la televisión por cable Jaime Davidovich, quien documenta cómo Matta-Clark visita uno de los sitios en Queens.
Jaime Davidovich es un artista conceptual que trabaja con vídeo e instalaciones, y es también un pionero activista en el potencial de los artistas como programadores de televisión por cable. Davidovich fue miembro fundador de Cable SoHo (1976) y presidente del Artist’s Television Network (1978). Su propio programa por cable, semanal y variado llamado The Live! Show, fue emitido en la televisión por cable de Manhattan desde 1979 hasta 1984. Disfrazado como su alter-ego, Dr. Videovich, Davidovich anfitrión del show, realizaba performance y hacía entrevistas a personalidades del mundo del arte, llamadas de teléfono en directo y una sección a modo de tienda casera en donde vendía su colección de kitsch relacionado con la televisión.
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Peter DOWNSBROUGH : AS] IN Vidéo | Video | 00:03:35 | EE.UU, Bélgica | 2007
El interior de un edificio de oficinas en el Corporate Village de Zaventem, cerca del aeropuerto de Bruselas La presencia humana tan sólo se encuentra fuera, a tarvés de las ventanas, en los coches que pasan cerca del edificio. A través de movimientos fluídos de cámara, travellings y panorámicas, Downsbrough escrutina el ambiente, explorando las posibles relaciones que pueden surgir de él: dentro y fuera, vacío e inhabitable, horizontal y vertical, superficies claras y oscuras. La geometría del espacio, enfatizada por el uso de imágenes en blanco y negro de Downsbrough, determina también la pantalla. En el trabajo de Downsbrough, la manera de mirar el espacio, y de un espacio en particular, es profundamente político. Sus videos y películas señalan los límites, los órdenes y los reglamentos que el sistema social nos impone así como nuestra manera de apropiarnos del espacio, ello nos recuerda que toda “colocación” es al mismo tiempo “ordenación”.
El trabajo de Peter Downsbrough (USA, 1940) – escultura, gráfica, fotografía, video, películas, libros – comenzó con un interés hacia la arquitectura y articuló relaciones complejas entre arquitectura, lenguaje y tipografía. Tan sólo el desnudo esencial permanece: la forma se reduce a líneas, los colores ilimitados. En sus vídeos, se explora movimiento y lenguaje en relación con el tiempo y el espacio: ambos representan y deconstruyen la arquitectura urbana moderna e industrial. Al mismo tiempo, aparece un lenguaje retorcido: insertando e interponiendo bloques de palabras como AND, AS o IN, Downsbrough lleva los vídeos hacia algún tipo de “frase” que funciona simultaneamente como un “sitio” en el que el espectador puede descansar. Downsbrough ha sido expuesto en el Reina Sofía (Madrid), el SMAK (Gante), en el Paleis voor Schone Kunsten/Palais des Beaux-Arts (Bruselass) y el Muzeum Sztuki (Lodz).
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Didier FIUZA FAUSTINO : Exploring Dead Buildings | Video | 00:13:52 | Francia, Georgia | 2010 | Georgian Ministry of Highway Construction, Tbilisi
 Photo credit : courtesy of the artist and Galerie Michel Rein
Didier Faustino realiza una exploración nocturna del edificio abandonado del “Ministerio de Carreteras de la República Soviética de Georgia”, levantado en 1975 por George Chakhava (1923-2007). En este espacio destartalado, dos operarios manipulan un vehículo arcaico fabricado con deshechos encontrados en el edificio. Fijada a este vehículo, una cámara graba la travesía en un plano secuencia, retratando una arquitectura vaciada de su uso.
Didier Faustino, nacido en 1968 en Chennevières-sur-Marne, Francia. Arquitecto de formación (Escuela nacional superior de arquitectura de París-Valle del Sena, ex-Escuela de arquitectura de París-Villemin), es arquitecto, artista y redactor de prensa. Vive y trabaja entre París y Lisboa. En 2002, funda junto a Pascal Mazoyer el Bureu des Mésarchitectures. En 2002 recibió el premio de los “Nuevos álbumes de la joven arquitectura”, y en 2010 el “Premio Dejean de la Academia Francesa de Arquitectura”. Ha participado en varias ediciones (2000, 2003 y 2008) de la Bienal de Arquitectura de Venecia.
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André FORTINO : Hôtel Dieu | Video | 00:45:00 | Francia | 2009
En un hospital en desuso de Marsella, un hombre con una máscara de cerdo explora el espacio abandonado. Su máscara vuelve su rostro tan impasible como el espacio que ocupa, pero el cuerpo está hiperactivo, los gestos son impacientes. Está solo en la imagen. Entra en las salas, recorre los pasillos, parece buscar algo con determinación. Conforme va cansándose, cualquier supuesto móvil de investigación pierde consistencia: no busca ningún objeto, no cuenta nada. Se hace con la medida del espacio y la carga de toda su dinámica física y práctica.
(Extractos de “Art Nosocomial” de David Zerbib, a propósito del vídeo “Hôtel-Dieu”)
Nacido en 1977, André Fortino vive y trabaja en Marsella. Se graduó con honores en 2008, en la Escuela nacional superior de bellas artes. Su trabajo está expuesto en museos y centros de arte en forma de proyecciones, de instalaciones, de performance.
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Jakob GAUTEL : Ville nouvelle? | Documentaire exp. | 00:23:13 | Alemania, Francia | 2010
En 1961, Philippe Bardinet produjo una película encargada por Peugeot, sobre la nueva zona de Les Buis, una ciudad modelo de Valentigney, cerca de Montbéliard, construída para albergar a los miles de nuevos trabajadores y empleados provenientes de Italia, España o Algeria para trabajar en la fábrica de Peugeot en Sochaux. Aunque esta película fue un encargo, se plantea cuestiones sobre la verdadera naturaleza de este tipo de proyectos de viviendas que aún hoy siguen en vigencia: ´”¿Podrán los niños y los padres adaptarse a estas nuevas condiciones? ¿Es simplemente un proyecto de viviendas o una ciudad real?” “ Pero el hombre necesita algo más que comer y dormir. Necesita...Necesita...” Se plantea la posición de la generación más joven, su integración, el papel que desempeña el comercio, todo ello con grandes cualidades cinematográficas. Durante este tiempo la zona ha cambiado mucho. La población ha disminuido, ha aumentado el desempleo, y hay un gran peligro de aislamiento. La Ciudad Ideal de 1961 parace lejana. 50 años después, para el aniversario de la zona, Jakob Gautel ha producido una “película-espejo”, para ser proyectada justo en frente de la película original, oponiendo las imágenes formales con las del presente, mostrando edificos en deterioro, o incluso aquellos que serán demolidos, tiendas cerradas, también, la vida social de la zona, los niños y jóvenes, así como imágenes de espectadores que ven la película en las tres proyecciones públicas que han sido organizadas por los habitantes actuales.
Jakob Gautek, nacido en 1965 en Karlsruhe, Alemania, estudió en París en la Ecole nationale supérieure des Beaux-Arts with Christian Boltanski. Vive y trabaja en París. En su trabajo experimenta con las formas fuera de los espacios artísticos tradicionales: fotografía, vídeo, instalación, proyecciones, libros, posters, acciones, performances, intervenciones... Ha realizado acciones en el marco urbano, intervenciones en ciudades y áreas locales, y ha trabajado en proyectos e intervenciones que intentan redefinir la relación entre artistas y público. También ha trabajado con escenógrafos y coreógrafos y en proyectos con niños. Tuvo una residencia en Villa Medici en Roma. En 2008, fue nominado Chevalier de l’ordre des Arts et des Lettres. Su principal preocupación es la investigación sobre la delgada línea entre realidad y ficción, entre el mundo de las apariencias y aquello que está oculto. Dede 2001, ha enseñado en escuelas de arquitectura, primero en Versalles, y actualmente en la Villette de Paris, en cursos de graduación y post graduado, con ensayos en “Arte, Escenografía y Architectura”. Ha participado en numerosas exposiciones en galerías, museos y centros de arte, así como en bienales internacionales como Rencontres Internationales de la Photographie en Arles, la Maison Européenne de la Photographie en Paris, el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, el Musée Pera, Estambul, Musée Bénaki Athenas, el ZKM Zentrum für Kunst und Medientechnologie, Karlsruhe.
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Carlos IRIJALBA : Unwilling Spectator | Video | 00:05:21 | España, China | 2010
«Unwilling spectator» desglosa mecanismos de tiempo y experiencia relativos apoyado en parámetros como la inercia o el tempo. Se trata de la intervención en uno de los pequeños espacios ajardinados inscritos en las circunvalaciones de autopista. Un espacio mil veces circundado por la estructura que lo define pero, sin embargo nunca abordado. Una localización cuya experiencia es residual o nula.
En primer lugar la intervención consistió en desplazarnos diariamente durante varias semanas a la circunvalación de Laiguangying en el 5th ring highway de Beijing y recorrer dichos espacios entre carreteras estudiando en que modo están construidos para no ser experimentados. La inadecuación de su escala en relación a la propia, así como su disposición, su tempo… Tras esta puesta en dimensión del sujeto frente al lugar, se decidió realizar cierta permutación espacial mediante la instalación de un reducido bosque de bonsáis dentro de la propia circunvalación. Se generaba así una suerte de sinécdoque del lugar en que los tempos radicalmente opuestos de ambos elementos son disueltos y su carácter absoluto queda desactivado hacia una experiencia más relativa.
A través de la presencia y documentación llevadas a cabo durante el mes siguiente, se genera una nueva experiencia de la distancia entre el elemento circunscrito y su anfitrión, imposibles a su vez de experimentar de forma simultánea.
Carlos Irijalba (Pamplona, 1979) se gradúa en 1998 en la Escuela de Arte de Pamplona y obtiene la licenciatura en Bellas Artes en la Universidad del País Vasco en 2003. Finaliza su licenciatura en la Universität der Kunst de Berlin con el artista y profesor Lothar Baumgarten. Obtiene en 2004 el Primer Premio Jóvenes artistas de Navarra, así como la beca de fotografía del Guggenheim Bilbao 2005, a lo que se suma la de Artes Plásticas de la Fundación Marcelino Botín en 2007 o la Beca de residencia en el ISCP de Nueva York. Entre los galardones que ha recibido se encuentran Injuve 2006, Generaciones Caja Madrid 2006 y 2009 con Mención de Honor y Primer Premio de Fotografía Purificación Garcia 2009. Ha expuesto en Centros nacionales e internacionales como el CCCB de Barcelona, Artium, Photo Miami o los Institutos Cervantes de Tokio y Beijing, Roma o Nueva York. En proyectos anteriores, como Switch off all devices o Outside comes first (2006 y 2007) ya había trabajado sobre lo relativo de la construcción de realidad en Occidente. Continúa en Twilight (2008-9) o Unwilling spectator profundizando sobre cierta dislocación de lo real y sus mecanismos en formato de instalación, fotografía y video.
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Aglaia KONRAD : Concrete & Samples I Wotruba Wien | Documental exp. | 00:16:30 | Austria, Bélgica | 2009
“Concrete & Samples | Wotruba Wien” es parte de una serie de películas en 16mm sobre arquitectura escultural. Lo que los edificios y los emplazamientos en todas las películas tienen en común es la idea de ‘arquitectura y escultura’ y un uso muy particular del hormigón que parece apartarse de la forma libre del conjunto a la manera escultórica. En ausencia de una narrativa tradicional, es el propio espacio el que asume el rol protagonista, mientras la cámara propone un relato mediante su recorrido y observación. La iglesia de Fritz Wotruba en Viena parece una pieza ampliada de escultura abstracta, una suerte de remedo tridimensional cubista de 152 bloques de hormigón colocados vertical y horizontalmente, pero asimétricos, en el que los estrechos espacios que surgen entre ellos hacen de ventanas y puertas.
Aglaia Konrad es una artista fotógrafa residente en Bruselas, cuyo trabajo se ha centrado principalmente en el espacio urbano metropolitano. Ha formado parte del consejo investigador en la Jan Van Eyck Academy, en Maastricht, y actualmente da clases en la Hogeschool Sint-Lukas en Bruselas. Ha mostrado su trabajo en exposiciones individuales en Siegen, Antwerp, Génova, Graz, Colonia y Nueva York, entre otras ciudades, así como en muestras colectivas de carácter internacional como la Documenta X (1997), Cities on the Move (1998-1999) y Talking Cities (2006). Su trabajo ha sido documentado en varios catálogos de exposición y publicaciones monográficas como ‘Elasticity’ (2002) e ‘Iconocity’ (2005). Por su último libro, ‘Desert Cities’ (2008), recibió el Infinity Award for for the best photo book 2009 del International Center for Photography de Nueva York.
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Julien LEVESQUE : Street Views Patchwork | Net art | Francia | 2009-2011
A modo de cadáver exquisito, patchworks de imágenes sacadas del software Google Street View recomponen los paisajes de un mundo desde múltiples puntos de vista. Los “Street views patchwork” forman paisajes de geografía y tiempos variados. Ligadas a Internet, estas fotografías existen únicamente en el flujo que las actualiza. Materiales frágiles, estos negativos componen otras tantas maneras posibles de ver el mundo bajo un ojo mecánico y plantean la cuestión del punto de vista y de la estructura de la mirada en la época de Internet.
Julien Levesque vive y trabaja en París. Explora nuestros territorios cotidianos de la Web 2.0. Las prácticas ligadas a blogs, Facebook, Youtube, Myspace y otra redes sociales son el nuevo campo de acción de este “manitas de la red” como se describe a sí mismo. Introduciéndose en estos espacios comunitarios, Julien Levesque aprovecha las herramientas de nuestra cotidianeidad como si se tratase de un inmenso terreno de juego. Un juego a veces absurdo y no desprovisto de cierta ironía en una sociedad presa de mutaciones rápidas y rituales automatizadas.
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Mateo MATÉ : Viajo para conocer mi geografía | Video | 00:07:42 | España | 2010
«Viajo para conocer mi geografía (2001-2009)» es un proyecto en proceso en el que el artista madrileño Mateo Maté reflexiona sobre la existencia individual a partir de una serie de elementos que conforman su entorno doméstico. Un cochecito de juguete recorre, con una cámara en su lomo, el universo íntimo del artista, magnificándolo a su vez en una pantalla. Un autorretrato a través de los objetos cotidianos del artista. Una obra por la que transita un sentimiento de melancolía provocado por las ausencias de aquello que ya ha tenido lugar. “Si consideramos que no disponemos de nada más allá de nuestras sensaciones, son éstas las que debemos explorar como si fueran parajes desconocidos”, dice el artista.Este trabajo fie parte de la instalación presentada en Matadero en 2010.
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Hans OP DE BEECK : The building | Animación digital | color | 00:04:29 | Bélgica | 2007 | Courtesy Galleria Continua, San Gimignano / Beijing / Le Moulin; Galerie Krinzinger, Vienna; Xavier Hufkens, Brussels; Marianne Boesky Gallery, New York; Galerie Ron Mandos, Rotterdam – Amsterdam
“The Building” es una animación digital que propone al espectador un paseo nocturno no lineal en el corazón de un complejo hospitalario concebido por un megalómano. Este hospital presenta la misma arquitectura que los centros comerciales, clubes de fitness, aeropuertos y otros no-lugares, mediocres y desmesurados a la vez. Estos lugares, que han brotado como setas en todo el mundo occidental, son concebidos para recibir a miles de visitadores. Emanan una atmósfera de alienación y son intercambiables. Estos lugares impersonales, como este complejo hospitalario son también teatro de momentos personales esenciales como nacimientos, enfermedades, sufrimientos o muertes.
“The Building” no sigue una línea narrativa estricta, más bien sumerge al espectador en un sueño, una máquina nocturna, con la cámara yendo y viniendo entre un neutral y observador punto de vista, y de la subjetiva posición de un paciente.
Hans Op de Beeck nació en 1969 en Turnhout (Bélgica) y vive en Bruselas. Sus obras han sido presentadas en el Centraal Museum de Utrecht; en el MuHKA de Amberes, en el Museo de Arte Contemporáneo de La Haya, en el Centro de Arte Contemporáneo de Moscú, en el Towada Art Center (Japón), en el Museo de Arte Contemporáneo de Roma, en el ZKM de Karlsruhe ; en los Rencontres Internationales de París; en la Bienal de Nuevos Medios de Comunicación; en el Centro de Imagen Contemporánea de Ginebra; en la Bienal de Shanghai; en el Foro de Arte Contemporáneo de Luxemburgo; en el Palacio de Bellas Artes de Bruselas;en el Project Space de Londres, y en el P.S.1 – MoMA de Nueva York.
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Txuspo POYO : U.N (INVERSE) | Animación | 00:19:00 | España | 2010
«U.N(Inverse)», título que alude tanto a las siglas inglesas de las Naciones Unidas (U.N) como al nombre de los estudios cinematográficos «UNIVERSAL». En ella, Txuspo Poyo interpreta el valor icónico del edificio de las Naciones Unidas en Nueva York, originalmente ideado por Le Corbusier, como proyecto originado por la utopía política de la unión entre las naciones del mundo, como símbolo de la arquitectura contemporánea, y como icono para la industria audiovisual.
Un proyecto que indaga en los mecanismos de complejidad histórica desde caminos de fragmentación como cuestiones de interpretación, narración y ficción que han rodeado a la construcción de las Naciones Unidas, en concreto al complejo arquitectónico de la sede de Nueva York. Los constantes cambios de referentes me ha llevado a la encrucijada desde el idealismo del momento al simbolismo, la arquitectura y el cine, compartiendo protagonismo en un momento de colapso. En términos de arquitectura la descongestión y suspensión planteada por Le Corbusier frente al vaciado ideológico de Wallace (arquitecto de moda en ese momento), el trasfondo del cine en plena era de la guerra fría y como ahora la ONU se rodea de figuras de Hollywood para proyectarse más allá de sus fronteras, así Campanilla de Peter Pan es la nueva embajadora de las Naciones Unidas.
Txuspo Poyo. Licenciado por la Universidad del País Vasco. Continuó sus estudios en Toronto Canadá. 1991 se translada a Nueva York estableciendo residencia entre Brooklyn y Bilbao. En el 2001 la Fundación Marcelino Botín le concede una beca para la residencia en el ISCP (Internation Studio and Curatorial Program) en Nueva York y estudia en CADA (Centro para nuevas tecnologías) en la Universidad de Nueva York. En 2005 la Fundación Bilboarte produce el proyecto Passenger. 2006 la Fundación Arte y Derecho y La Fundación de las Artes de Valencia le conceden una ayuda para realizar el proyecto Delay Glass. Ese mismo año recibe el Gure Arte del País Vasco. En el 2008 recibe el X Premio Internacional de Unión Fenosa.Residencias en la FAAP de Sao Paulo Brasil, Universidad EARTH de Costa Rica, y La Fundacao Sindika Dokolo, Luanda Angola.
Txuspo ha participado en exposiciones como : U.N (Inverse).Museo Artium. Vitoria y Centro de Arte la Panera; II Trienal de Luanda, Angola; Museo de Arte y Diseño Contemporáneo de Costa Rica; Les Recontres Internationales. París/Madrid/Berlin; Incógnitas, Museo Guggenheim. Bilbao; Cine y Casi Cine, Museo de Arte Contemporáneo Reina Sofía, Madrid. Ha participado también en exposiciones en el Museo Artium, Vitoria; CAAC Museo de Sevilla y MARCO de Vigo; Artist Space, Nueva York; Exit Art, Nueva York; Impakt festival, Utrech, Netherland; Kunstforningen, Copenhague, Dinamarca; Uppsala Konstmuseum, Slottet Uppsala-Suecia.
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Paul ROWLEY / Tim BLUE : The Rooms | Film exp. | 01:02:00 | EE.UU, Irlanda | 2010
“The Rooms” vuelve la vista atrás, hacia los vestigios del siglo veinte, vistos a través de los ojos del veintiuno. Ver la película es como deambular por un mundo fantasmal. Te encuentras en lugares desconocidos, como si llegases a un sueño, de repente y sin dirección, aun con precisión lógica aparente. Un teatro actúa por y para sí mismo; un museo archiva su propio contenido; una ciudad intenta duplicar el lenguaje; una embajada interminable rememora la agitación política; un centro de espías abandonado recoge fragmentos de datos históricos y se reprograma a sí mismo. Estas Habitaciones actúan como arquitecturas cuánticas, modelándose y desmoronándose por sí mismas, desafiando cualquier categorización. Con un rico diseño de sonido y formatos diversos, la película es un complejo estudio visual de un mundo abandonado que de algún modo continúa funcionando. Las personas sólo existen a modo de ecos en espacios vacíos. Filmada en Italia, Alemania, España, los Estados Unidos y Corea, las numerosas localizaciones se convierten en los emplazamientos interconectados de un entorno post-humano. Fragmentos dispares se reúnen para formar un conjunto a través de la particular lectura que la película hace del tiempo. Los salarios del esfuerzo humano son igualados y tratados como datos. Las perspectivas del pasado –modernista, máquina, era espacial– son examinadas por un futuro que escapó a la predicción.
“The Rooms” es un proyecto colaborativo de Paul Rowley y Tim Blue realizado con el apoyo de una Beca de Proyectos del Irish Arts Council.
Paul Rowley es cineasta y artista visual. Empezó a hacer cortometrajes experimentales en 1995, y ha expuesto su trabajo internacionalmente desde entonces. Sus películas han recibido numerosos premios a lo largo de los años del Irish Arts Council, New York State Council for the Arts, Irish Film Board, Culture Ireland, el Glen Dimplex Artists’ Award (el premio de arte contemporáneo del Irish Museum of Modern Art’s), el Irish American Arts Awards, y la Golden Spire en el San Francisco International Film Festival. Su trabajo más reciente, el documental Seaview, fue premiado en el Festival de Berlín, nominado a un Irish Film and Television Award y recibió la Mención Especial del Jurado en el DMZ Documentary Festival en Corea.
Tim Blue es un cineasta que además trabaja en otros medios. Sus vídeos se han proyectado en muchos festivales internacionales, incluyendo el Festival de Berlín, Oberhausen, Art Basel, Mix, Rencontres Internationales y Darklight, entre otros. Asentado en Berlín, también compone música para cine y teatro, ha dirigido talleres de vídeo para jóvenes y actuado a lo largo y ancho de Europa con su grupo.
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Clement VALLA : Postcards from Google Earth, Bridges | Net art | EE.UU | 2010
Estas imágenes surrealistas del artista Clement Valla están sacadas de Google Earth. Cuando el visor está en la posición adecuada, el programa muestra deformadas figuras lineales como carreteras y puentes, en su esfuerzo por adaptar un espacio en tres dimensiones a la pantalla de dos dimensiones. Las estructuras debidas a la mano del hombre parecen derretirse en el paisaje, como en una pintura.
Según el propio Valla: “Las imágenes son capturas de pantalla de Google Earth con retoques básicos de color y recortes. Estoy coleccionando estas nuevas tipologías para así conservarlas –como Google Earth mejora sus modelos en 3D, su terreno y sus imágenes de satélite, estas extrañas, surrealistas representaciones de nuestro entorno construido y su relación con el paisaje natural van a desaparecer en favor de imágenes más perfeccionadas. Sin embargo, creo que estas extrañas topografías bidimensionales y tridimensionales nos proporcionan formas fabulosas que son el resultado de procesos algorítmicos y no fruto de una voluntad estética humana. Son artefactos que merece la pena conservar’’.
Clement Valla es un artista y programador interesado en procesos que dan lugar a artefactos desconocidos y a una realidad distorsionada. Valla está interesado en las copias y la repetición, y su trabajo reciente hace uso de diferentes procesos de reproducción –de las “Fábricas de pintura al óleo” chinas a los dibujos del “Turco mecánico” de Amazon. Su trabajo explora las tensiones entre la creación individual y las formas generadas en masa. Actualmente enseña en la Escuela de Diseño de Rhode Island, y vive y trabaja en Brooklyn, Nueva York.
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MAQUETAS.
Hemos querido incluir en la exposición distintas maquetas de arquitectura y de urbanismo, como contrapuntos a las obras presentadas.
Maquetas que no están aquí en tanto obras, sino como momentos concretos de un proceso de creación, etapas intermedias, instantes materializados, intervalos, entre el pensamiento y la realidad.
Se pidió a diferentes organismos de Madrid que contribuyeran a esta presentación.
Se presentan las maquetas de los siguientes estudios de arquitectura:
• Ruiz-Larrea & Asociados S.L : César Ruiz-Larrea Cangas y Antonio Gómez Gutiérrez
• Virai arquitectos: Marta Parra, Juan Manuel Herranz y Stepan Martinovsky
• De Lapuerta + Asensio - Arquitectos
Asociados
Así como las maquetas de los alumnos de la Escuela de Arquitectura de la UPM de Madrid.
• NietoSobejano Arquitectos.
• Así como las maquetas de los alumnos de la Escuela de Arquitectura de la UPM de Madrid (Javier Subira y Guillermo Fernandez Abascal).
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