Catalogue 2021
Below, browse the 2021 Rencontres Internationales catalogue, or search the archives of the works presented since 2004. New video clips are routinely posted and the images and text are regularly updated.
Noor ABED, Mark Lotfy
One Night Stand
noor abed , Mark Lotfy
One Night Stand
Doc. expérimental | mov | couleur | 24:0 | Palestine | Egypte | 2019

Directors: Noor Abed, Mark Lotfy Original title: One Night Stand Country: Palestine, Egypt The film is based on the filmmakers’ actual encounter with an unknown European man, one night in a bar in Beirut. It was a fighter on the road to join the Kurdish militia fighting in the war against the Islamic State on the territory of Syria. The conversation was secretly recorded on a cellphone and serves as the script for animated modeled situations and performative reconstructions of that night. The film is also a formal polemic on the apparent authenticity of the documentary and the possibilities of representation of reality by means of simulations and modeled situations.

Noor Abed (b.1988 Jerusalem) is an interdisciplinary artist and filmmaker. She creates multimedia works on the boundary of performance, film and new media. Her practice examines notions of choreography and the imaginary relationship of individuals, creating situations where social possibilities are both rehearsed and performed. Her current research is concerned with the concept of Myth and the form of Magic Realism - and its close relation with colonial and post-colonial discourses. Mark Lotfy (b. 1981 Alexandria) is an experimental filmmaker. He explores the boundary between fictional narratives, documentary film, and media art. His practice questions the everyday, the contingent and the virtual. His current research is concerned with notions of nationalism, fundamentalism, emotionalism and heroism - not only through their ideological and performative mechanisms, but also technological ones. He examines framed structures in which new alienated subjectivities are being produced.

paulo abreu
Doc. expérimental | mov | | 24:0 | Portugal | 2020

L'idée de ce film, tourné entre 2015 et 2016 sur deux îles des Açores, Pico et Faial, est apparue par accident. En revenant sur les images de repérage pour un précédent projet annulé des années auparavant, un autre film s’est révélé. Le pouvoir de la nature et le rôle du hasard dans le processus de création produisent un récit sur l'amitié, le cinéma et l'influence de l'inattendu dans la création artistique.

Paulo Abreu est d’origine portugaise. Réalisateur et directeur de la photographie, il a réalisé aussi bien des films de fiction que des documentaires. Il a remporté plusieurs prix lors de festivals de cinéma. Il a fait ses débuts en tant que réalisateur freelance, avec des films pour la danse, la musique et le théâtre. Caméraman et/ou directeur de la photographie dans un grand nombre de clips musicaux, de documentaires, de films courts et de longs métrages. Vidéaste dans diverses expositions d'art. Réalisateur de films expérimentaux en Super 8 et vidéo, distribués par Lightcone, Paris (France). Lauréat dans plusieurs festivals.

yalda afsah
Documentaire | mov | couleur | 10:0 | Allemagne | 2019

Named after its setting, the French river Vidourle, Yalda Afsah’s film documents a strange and subtly unnerving choreography, capturing a group of young men performing what could be a ritual, a spectacle, a game, or a fight. In their collective movements as well as individual moments of concentration, anticipation and occasional forlornness, the adrenalin-fuelled adolescent protagonists seem to embody the frailty of the human condition awaiting an environmental change, much like an unexpectedly forceful current in a river.

Yalda Afsah?explores how space can be cinematically constructed and the documentary character of her works often veers towards forms of theatricality.?This formal characteristic of?Afsah’s?practice is conceptually mirrored in her documentary portraits of human-animal relationships that reveal an ambivalence between care and control, physical strength and broken will, instinct and?manipulation. Afsah?seeks to question and to dissolve these dichotomies, while carving out a space to reflect on the possibility of an overarching empathy between species.

Özge akarsu
Fiction expérimentale | hdv | couleur | 11:39 | Turquie | 2020

It is April 7th 2020, 8 months has passed since Emine Bulut was murdered by her former husband. There is a letter which is written to her, and to all femicide victims around the world; a letter which questions femininity, how it feels to be a woman in Turkey…

Özge Akarsu was born and raised in Turkey. She currently lives in Belgium where she also studies animation film at Royal Academy of Fine Arts (KASK), in Ghent. Before starting studying animation, she achieved a master's degree in Human Rights Law, specialized in Political Philosophy, in ?stanbul. After three years of doing a PhD research on Spinoza and modernity at University of Antwerp, she got interested in animation and filmmaking which helps her to express thoughts, feelings, ideas, instincts that cannot be explained solely in words.

Eren AKSU, Eren Aksu
Onun Haricinde, Iyiyim
eren aksu , Eren Aksu
Onun Haricinde, Iyiyim
Fiction | mov | couleur | 14:0 | Turquie | Allemagne | 2020

Joining a recent wave of immigration from Turkey to Germany, Asl? is new in Berlin. She auditions for the voice of the audio guide for an archaeological museum, facing her with objects from her home country, including a monumental Zeus Altar. Her encounters during the rest of the day further reveal the absurdity of out of placeness.

Eren Aksu is a director and editor based in Berlin. He was born in ?stanbul and holds a Bachelor of Arts degree in Film&TV from Istanbul Bilgi University, Bachelor of Arts and a Master of Arts Degrees in Arts&Media from Universität der Künste Berlin. He took part in Talents Sarajevo as s director and his films were screened at many international film festivals such as Oberhausen Short Film Festival, Sarajevo Film Festival, Dresden Short Film Festival, Akbank Short Film Festival. His latest film “Other Than That, I’m Fine” won 3sat promotional award in 66. International Short Film Festival Oberhausen.

Selene ALGE
Coming soon
selene alge
Coming soon
Vidéo expérimentale | mp4 | couleur | 10:43 | Brésil | 2019

Coming Soon appropriates 218 intertitles of movie trailers, from the 1930s until 2019. The intertitles are juxtaposed and edited chronologically, in order to keep only the information "coming soon". In about 10 minutes, a wait is created by repeating this cinematic expression, in which it is not known exactly what is being expected - if it is something external to the video or if it is an event in itself. Something is always coming; it never comes and/or it has already arrived.

Selene Alge [1986, São Paulo, Brazil] is a visual artist graduated from Fundação Armando Alvares Penteado - FAAP. From 2016 to 2017, the artist was at residence in Cité Internationale des Arts, in Paris, where she returned in 2019 to continue a research on movie theater memories. In the last years she has participated in exhibitions and film festivals, such as the Mostra do Filme Livre, at Banco do Brasil Cultural Center in São Paulo, Rio de Janeiro and the Federal District; and the Mostra Strangloscope, in Florianópolis.

fabian altenried
Fiction | 4k | couleur | 29:39 | Allemagne | 2020

Thistles blossom in the dead of winter, cow’s eardrums burst, poisoned milk comes out of their udders – in a remote mountain village the world is coming apart. Nature’s intangible attacks hit the Haberer’s farm at its core. In the midst of the inflammatory struggle for the interpretation of the mysterious events, the peasant family fears more and more desperately for their naked survival.

Fabian Altenried, *1987, director, producer, author, studied fine arts in Düsseldorf, philosophy in Berlin. Managing director of Schuldenberg Films. Fabian focusses on films with a political, critical & social approach that seek an unusual, artistic form.

Alzakout AMEL
Purple Sea
alzakout amel
Purple Sea
Documentaire | dcp | couleur | 67:0 | Allemagne | 2020

I see everything,” she says, as if it was a curse. Brilliant sunshine, clear blue skies. The sea is calm, framed by a piece of railing. Buzzing voices. A peaceful moment if it weren’t for the fact that the sea is standing upright, vertical, like a waterfall. A rush of images, twirling, upside down, jolting. People in the boat, in the water, screams, life jackets, emergency whistles. Fluorescent orange, geometrical shapes cast by the sun. There’s no horizon anymore, no sky, no up or down, only deepness and nothing to hold on to. Even Eme’s flow comes to a halt, contracting into the brutal present. She is filming and speaking. To him, to herself, to us, perhaps. Floating legs in sweat pants, jeans, thronged together. A blouse with butterflies, it looks like their wings are flapping in the water. The snake-like belt of a coat, a crumpled-up plastic cup, a pack of cigarettes. Fuck you all! She speaks, she rages, and she films to beat being tired, being cold, the fact that help isn’t coming. To beat dying, just for something to remain.

Amel Alzakout, born 1988 in Syria, is an artist and film maker based in Leipzig. Between 2010 and 2013 she studied journalism at Cairo University, Egypt. In 2017 she participated with other artists in the video installation TRUST US in the 3rd Herbstsalon at the Maxim Gorki Theater Berlin. Between 2017 and 2018 she studied art at Weißensee Art Academy in Berlin, currently she is studying media art at the Academy of visual art (HGB) in Leipzig, Germany. In 2018 she won together with her co-director Khaled Abdulwahed the Film Prize for International Cooperation Germany/Arab World by the Robert Bosch Foundation with the feature length film PURPLE SEA produced by pong film. It’s her first directing. Khaled Abdulwahed, born 1975 in Syria, is an artist, photographer and filmmaker based in Leipzig. Between 1996 and 2000 he studied Fine Arts and Graphic Design at Adham Ismail art school in Damascus, Syria and at Frederick University in Nicosia, Cyprus. Between 2002 and 2008 he exhibited his artworks in the Middle-east and Europe. Between 2011 and 2013 he directed and produced video artworks which were screened in many art spaces, festivals, universities and TV channels over the world. In 2015 he was invited to Berlinale Talents. In 2018 his short film BACKYARD celebrated its world premiere and won the CNAP (National Centre for Visual Arts) award at FID Marseille.

Mauricio ARANGO
mauricio arango
Film expérimental | mov | couleur | 26:0 | Colombie | USA | 2020

"Seafarer" est un film narratif expérimental. Il combine un style d’essai, le field recording, des fragments d'études visuelles, des expériences avec des acteurs et une réflexion romancée sur la production artistique ancrée dans l'expérience personnelle. Un unique monologue accompagne des prises de vue, longues pour la plupart, illustrant des moments quotidiens filmés dans la ville de New York: un coucher de soleil sur le fleuve Hudson, des gens à la plage, un film projeté dans une salle de cinéma, des golfeurs sur un parcours de Chelsea Piers, etc. Les images du montage sont reliées par une voix off répétitive et à la première personne, interprétée par la chanteuse Little Annie, originaire de Miami, qui incarne le personnage d'une réalisatrice anonyme. Ses paroles obsédantes, prononcées avec humour et sérieux, offrent une méditation sur les failles de sa vie d'artiste. Elles abordent une multitude de sujets, dont notre relation ambiguë avec le capital, la relation complexe entre les acteurs et les réalisateurs, l'expérience d'être dans un cinéma, et les périodes où les nouvelles idées se font rares. "Seafarer" met en évidence les tensions entre l'observateur et le créateur, entre ce qui est scénarisé et ce qui est capté par hasard.

Mauricio Arango est né à Bogotá, en Colombie, et vit et travaille à New York (USA). Il est ancien élève de l'Independent Study Program du Whitney Museum of American Art, New York (USA), et a participé à des résidences au Headlands Art Center for the Arts, San Francisco (USA); à la MacDowell Artist Colony, Peterberough (USA) et au Museo El Barrio, New York (USA). Il a obtenu un MFA à l'université du Minnesota, Minneapolis (USA). Ses films ont été projetés dans des festivals d'art et de cinéma, notamment au New Directors/New Films at the Lincoln Film Society, New-York (USA); au Museum of Modern Art, New York (USA); à Kino Der Kunst, Munich (Allemagne); à VideoBrasil, São Paulo (Brésil); au FIDMarseille (France); aux Rencontres Internationales Paris/Berlin (France/Allemagne); et à IndieLisboa, Lisbonne (Portugal). Il a reçu des prix sous la forme de soutien financier de la part d'institutions telles que la Foundation For Contemporary Art, New York (USA); RivieraLab Coproduction Fund, Playa del Carmen (Mexique); Secretary of Culture, Bogota (Colombie); Filmmakers Fund, Rooftop Films, New York (USA); Matt Robert Arts, Londres (Royaume-Uni); Bush Foundation For the Arts, Saint Paul (USA); la Jerome Foundation, New York (USA); le National Fund for the Arts de la National Association of Latino Artists and Communities, San Antonio (USA); et The Minnesota State Arts Board, Minneapolis (USA), entre autres.

Rebecca Jane ARTHUR
Liberty: an ephemeral statute
rebecca jane arthur
Liberty: an ephemeral statute
Doc. expérimental | super8 | couleur | 37:0 | Royaume-Uni | Belgique | 2020

À travers un récit personnel de quête de libération aux États-Unis au début des années 70, Liberté : un statut éphémère se penche sur les désirs d'émancipation, d'émigration et d'éducation de l'après-68. Le film esquisse un portrait de la mère de la cinéaste aujourd'hui de retour en Ecosse, sous le prisme de ses mémoires impressionnistes.

Rebecca Jane Arthur (née en 1984 à Édimbourg) est une artiste visuelle dont la pratique est principalement liée à l’image en mouvement et à l’écriture. Elle a étudié les Beaux-Arts à Sint-Lukas Brussels et à l’Académie des Beaux-Arts de Vienne, puis elle a obtenu son MFA à la Royal Academy of Fine Arts (KASK) de Gand en 2017. Suite à l’invitation d’Ingrid Cogne, Rebecca Jane Arthur a travaillé comme chercheuse pour Six-Formats (financé par FWF-Peek), un projet de recherche axé sur les arts et accueilli par l’Académie des Beaux- Arts de Vienne, sous le format Screening en 2017-18. En 2019-20, elle a développé son travail d’écriture au sein du programme de résidence Conversation #4, une initiative du Centre Vidéo de Bruxelles (CVB) et du GSARA, en partenariat avec le Beursschouwburg. Elle a également participé à SoundImageCulture (SIC). Elle a été artiste résidente à WIELS, Bruxelles, en 2019 et sera résidente à la Cité internationale des arts de Paris en 2021. Parallèlement à ses activités artistiques, Arthur travaille à Bruxelles chez Auguste Orts en tant que coordinateur du projet On & For Production and Distribution (2018-2021). Elle est aussi la co-fondatrice de Elephy, une plateforme de production basée à Bruxelles.

The Power of Flow. The Flow of Power
anna Ådahl
The Power of Flow. The Flow of Power
Vidéo expérimentale | hdv | couleur et n&b | 18:0 | Suède | 2020

À travers une expérience immersive, ce film aborde la façon dont la notion et le terme de "flux" et les "états de flux" ont été monétisés par notre économie actuelle, et l’accélération de notre société de consommation, de production et de performance 24 heures sur 24, 7 jours sur 7. Ce film navigue à travers les différents flux, depuis les origines de cette notion dans les traditions d'inclusion et de nature bouddhistes et taoïstes, en passant par les vaisseaux sanguins informatisés, les chiens fractals créés par Deep Dream, le cosmos, jusqu'aux graphiques des flux de migrants, et à la méditation en pleine conscience véhiculée par les clips de relaxation en ligne et les "sleeptubes", ainsi que leurs forums de discussion permanents. Ces nouveaux modes de relaxation et de pleine conscience jouent un rôle déterminant dans l'activation du flux continu associé à notre système économique actuel et à nos modes de production accélérés, agissant comme des pauses artificielles pour assurer une meilleure endurance corporelle et une meilleure performance. La notion de flux, inhérente à notre système de survie physique par la circulation du sang, de l'oxygène et des nutriments, est désormais détournée par notre système économique. En fin de compte, la notion de flux a été transformée en un outil bio-politique, dont le but est d'optimiser l'efficacité et le potentiel de performance de nos comportements individuels et collectifs.

Anna Ådahl est artiste plasticienne et chercheuse. Elle travaille avec différents supports tels que le film, les installations et la performance. Ses outils de prédilection sont l’assemblage et le montage, où le found footage rencontre des images nouvelles, où les ready-made servent d’accessoires dans des récits spatiaux, et où le corps est utilisé comme outil d'investigation dans les performances mises en scène. Depuis plus de dix ans, la notion de foules et leur aspect politique sont au cœur de sa pratique artistique. Sa recherche fondée sur la pratique des beaux-arts, "Inside the Postdigital Crowds", au Royal College of Art de Londres (Royaume-Uni), porte sur l'esthétique et la politique des conditions numériques dans lesquelles les foules contemporaines sont opérées et gouvernées.

Mattias ÅKESON
mattias Åkeson
Vidéo expérimentale | hdv | | 9:28 | Suède | 2018

Mattias Åkeson se penche sur la relation entre l'individu, le collectif et la société. "Klicker" traite de la relation entre confirmation, contrôle et désirs. L'idée provient d'un article sur la façon dont le TAGteach (utilisation d'un clicker pour dresser les animaux) a été développé comme méthode pédagogique pour être utilisé avec les élèves à l'école. Le clicker est devenu une métaphore intéressante de notre société actuelle. Toutes les relations interpersonnelles, tant professionnelles que privées, sont colorées par le nouveau management public. Une sorte d'esthétique de la vie professionnelle qui se nourrit de salles de réunion, de réunions d’équipe, de bureaux aérés, de directives et d’objectifs à atteindre.

Mattias Åkeson est artiste visuel. Il habite en Suède. Il a étudié à la Bergen Academy of Art and Design, Bergen (Norvège), et a été diplômé en 2001. Aujourd'hui, il partage son temps entre la pratique artistique, l'enseignement, la conception d'expositions et la gestion de projets pour des commissions publiques. Il s'intéresse au modèle scandinave, à l'identité de consommateur de la classe moyenne, et à la relation entre la communauté en tant que collectif et l'individu. Il a réalisé des projets à propos du centre commercial, de la galerie d'art et de l’école maternelle. Il travaille dans différentes disciplines comme le film, l'installation, la sculpture, la photographie et la peinture.

Kasala: The Slaughterhouse of Dreams or the First Human, Bende's Error
sammy baloji
Kasala: The Slaughterhouse of Dreams or the First Human, Bende's Error
Vidéo expérimentale | mp4 | couleur | 31:40 | Congo (RDC) | Belgique | 2019


Sammy Baloji (né en 1978 à Lubumbashi, RD Congo) vit et travaille entre Lubumbashi et Bruxelles. Sammy Baloji est diplômé en Sciences de l’information et de la communication de l’Université de Lubumbashi ainsi que de la Haute École des Arts du Rhin. Il mène depuis septembre 2019 un doctorat de recherche en art à Sint Lucas Antwerpen intitulé « Contemporary Kasala and Lukasa: towards a Reconfiguration of Identity and Geopolitics ». Chevalier des Arts et des Lettres, il a reçu de nombreuses récompenses et distinctions, notamment le Prix Prince Claus (Pays-Bas), le Spiegel Prize des Rencontres africaines de photographie de Bamako et de la Biennale de Dakar et le Rolex Mentor and Protégé Arts Initiative. Pour l’année 2019-2020, il est pensionnaire de l’Académie de France à Rome – Villa Médicis. Depuis 2018, il enseigne chaque été à la Sommerakademie de Salzburg. Sammy Baloji est co-fondateur en 2008 des Rencontres Picha/Biennale de Lubumbashi. Parmi ses expositions monographiques récentes figurent Sammy Baloji, Other Tales, Lund Konsthall et Aarhus Kunsthal (2020), Congo, Fragments d’une histoire, Le Point du Jour, Cherbourg (2019), A Blueprint for Toads and Snakes, Framer Framed, Amsterdam (2018), Sven Augustijnen & Sammy Baloji, Museumcultuur Strombeek (2018), Urban Now: City Life in Congo, Sammy Baloji and Filip de Boeck, The Power Plant, Toronto et WIELS, Bruxelles (2016-2017) et Hunting and Collecting, Mu.ZEE Kunstmuseum aan zee, Ostende (2014). Il a récemment participé à la Biennale de Sydney (2020), la documenta 14 (Cassel/Athènes, 2017), la Biennale de Lyon (2015), la Biennale de Venise (2015), le Festival Photoquai au Musée du Quai Branly (Paris, 2015).

Golden Minutes
saulius baradinskas
Golden Minutes
Fiction | 16mm | couleur | 10:0 | Lituanie | 2019

Poussé à bout par une énorme dette et son divorce imminent, un comptable poétique décide de se suicider, mais est sauvé par une crise cardiaque.

Saulius Baradinskas (né le 19 septembre 1990) est réalisateur de films, de publicités et de vidéoclips. Il est originaire de Vilnius, en Lituanie. Il s’est fait remarquer par la réalisation de vidéoclips dans les pays baltes. Lors de la remise des prix KlipVid en 2018, il a été élu meilleur réalisateur de l'année et a remporté le prix du meilleur vidéoclip pour la réalisation.

Je peux changer mais pas à 100%
amie barouh
Je peux changer mais pas à 100%
Documentaire | mov | couleur | 40:24 | France | 2019

Le film commence par une promesse amoureuse : je peux changer. Une promesse trop souvent entendue, une promesse que l’on sait fausse d’avance. Amie est tombée profondément amoureuse de Bobby, un jeune homme Rom roumain qui vit dans la rue et qui aime par-dessus tout l'héroïne. Ensemble, ils ont vécu entre le parking de la Gare de Lyon et des petits hôtels parisiens une histoire d’amour folle, qui n’a pourtant pas réussi à faire changer Bobby. Car il aime la liberté de la rue, où il a grandi, la seule forme de foyer qu’il connaisse. Amie, jeune femme franco-japonaise élevée dans un milieu d’artistes cosmopolites, a fait de ce chagrin d’amour une chronique déchirante sur leur relation impossible. Je peux changer mais pas à 100% est un récit d’une intimité brutale, hors norme, qui nous invite à découvrir les sous-sols impénétrables et la communauté qui y habite, sans préjugés. Complètement démunie par l’échec de son amour, qui n’a pas été suffisamment fort pour faire changer Bobby, la réalisatrice utilise le cinéma comme seul moyen pour soigner sa blessure. Ou peut-être pour écrire une lettre d’amour déchirante à celui qui ne lit pas mais qui parle toutes les langues. Et nous, nous en sommes les témoins privilégiés.

Amie Barouh est née à Tokyo en 1993. Elle s'installe à Paris en 2010, où elle étudie la peinture à l'école des Beaux-Arts. C'est aussi dans la capitale française qu'elle découvre la culture Rom. Elle fait la rencontre d'une famille et se fait accepter dans la communauté. Parallèlement avec les études des Beaux-Art, elle vit dans un camps de Rom sous le pont de Jointville-Le-Pont et rapidement commence à apprendre le romani et le roumain. Un jour, un des membres de la famille lui demande de filmer un mariage. Depuis, elle utilise la caméra comme moyen d'expression. Je peux changer, mais pas à 100%, c'est le premier film d'Amie.

Amber BEMAK, Minax, Madsen
Two Sons and a River of Blood
amber bemak , Minax, Madsen
Two Sons and a River of Blood
Film expérimental | mov | couleur | 10:23 | USA | Mexique | 2020

A queer woman is pregnant. The self-made family unit of two dykes and a trans man imagine a kind of erotic magic that will allow for procreation based solely on desire. Together they enact a public sex ritual to symbolize their hopefulness for multiplicity, acknowledging their cyborg bodies as technological interventions. When the queer woman miscarries her child, the three begin to build their own mythic understanding of where bodies live when they are not inside us. They create a story to trace movement of the non-body, from a hole, to a river, to a room. Images of an imaginary white room, an ikea-esque torture chamber of stillness, haunt them. As a parallel emerges between the pregnant body and the trans body, the techno-sex act becomes the key and a pyramid becomes the portal to access this other world of non-bodied existence.

Minax works in documentary and hybrid filmmaking formats. Madsen is a recipient of the Samuel Edes Prize for Emerging Artists (2017), the Tribeca Film Institute's All-Access Fellowship (2019), the Sundance Institute's Documentary Production Fund (2019), and the Bay Are Video Coalition’s Media-maker Fellowship (2020). Bemak is a filmmaker, artist, and educator. Her work is based in experimental and documentary film. Her award-winning work has been shown at venues including the Brooklyn Museum’s Elizabeth A. Sackler Center for Feminist Art, Museo Tamayo, and SculptureCenter, as well as Oberhausen, DocLisboa, Ann Arbor, Morelia, and the European Media Art Festival.

Edifice I
gregory bennett
Edifice I
Animation | mp4 | couleur | 8:35 | Nouvelle-Zélande | 2020

"Edifice I" est une animation expérimentale en 3D d’une durée de 8:35 minutes. Cette œuvre s'inscrit dans une pratique artistique qui s’approprie l'animation informatique 3D et le corps numérique pour explorer les thèmes et les tensions autour de la nature et de la culture, de l'utopie et de la dystopie, par la présentation d'écosystèmes numériques complexes. Le terme "édifice" peut désigner à la fois un grand bâtiment imposant et un système complexe de croyances établi de longue date. "Edifice I" est l’œuvre la plus récente d'une série de réalisations de l'artiste, qui imagine des tours du type de celle de Babel tournant à l'infini, dans un vide infini. Des figures humaines uniformes n'apparaissent que par intermittence, précaires, dominées ou piégées par la superstructure parfois instable. La tour évoque parfois une machine en mouvement perpétuel, sans but évident. Bien qu'elle ressemble à une forteresse, elle est présentée comme une structure perméable et conditionnelle, parfois dans un état de flux instable, incarnant la fragilité du désir utopique et l'impermanence de l’activité humaine.

Gregory Bennett est né et habite en Nouvelle-Zélande (Aotearoa en maori). Artiste numérique, il explore les conceptions utopiques et dystopiques à travers des représentations du corps numérique multiplié. Il utilise l'animation 3D dans une pratique créative qui englobe la vidéo, la capture de mouvement, le mapping vidéo et la réalité virtuelle. Ses œuvres ont été exposées à l'international: aux États-Unis, à Hong Kong, en Chine, en Australie et en Europe. Il a notamment exposé "" au BronxArtSpace, New York (USA); à l’édition 2019 des Rencontres internationales Paris/Berlin (France/Allemagne); au 2016 International Symposium on Electronic Art, Hong Kong (Chine); au Supernova Digital Animation Festival, Denver (USA), et au Centre for Contemporary Photography, Melbourne (Australie). Il a été finaliste du 7e Screengrab International Media Arts Award, Townsville (Australie), en 2015; il a été sélectionné pour Narracje 2013, Installations and Interventions in Public Space, Gdansk (Pologne), ainsi que pour l'exposition "Video Contemporary" à la Sydney Contemporary International Art Fair (Australie) [2015]. Son travail a été joint à la série de gravures "Imaginary Prisons " de Giovanni Battista Piranesi pour une exposition à la galerie AALA de Los Angeles (USA) en 2018. Gregory Bennett est titulaire d'un Master de l'Université d'Auckland (Nouvelle-Zélande), et est actuellement chef du département de conception numérique et d'arts visuels à la Auckland University of Technology.

marine bikard
Animation | mp4 | couleur | 4:9 | France | 2020

Un mouvement de caméra comme un balancement de tête, de gauche à droite. Si bien qu’il y a toujours ce qui sort et ce qui entre dans le champ. Dans ce trajet, l’œil caméra croise un papier, du papier peint, et plus loin encore, un miroir dans lequel se reflètent papier-peint et papier.

Marine Bikard est née en 1988 et diplômée de l’ENSBA - École nationale supérieure des beaux-arts de Paris (France) en juillet 2020. Avant et en parallèle de ce cursus artistique, elle a travaillé comme sociologue et poursuit la réalisation d’enquêtes de terrain. Pendant ces cinq années passées à l’ENSBA de Paris, elle a travaillé dans les ateliers de Pascale Martine Tayou, Emmanuelle Huynh, Aurélie Pagès et Jean-Michel Alberola, et a régulièrement participé à des workshops de danse qui ont marqué son parcours, notamment sa rencontre avec la chorégraphe américaine Lisa Nelson. Depuis 2019, elle imagine des rencontres collectives pour explorer par le dessin différentes manières d’être avec ce qui nous entoure. En 2021, elle a été artiste en résidence à l’Embac – École municipale des beaux-arts de Châteauroux (France).

Manuel BILLI
Guardarla negli occhi (La Regarder dans les yeux)
manuel billi
Guardarla negli occhi (La Regarder dans les yeux)
Doc. expérimental | hdv | couleur | 15:0 | Italie | France | 2020

Une journée dans la vie d'une famille. Une histoire de mains: des mains qui agissent, des mains qui assistent, des mains qui dansent jusqu'à la fin de la journée.

Manuel Billi vit et travaille à Paris. Critique cinéma et réalisateur, il est l'auteur de plusieurs essais sur le cinéma contemporain. Depuis 2000, il collabore avec différents magazines de cinéma italiens et français. En 2014, il réalise son premier film court expérimental, "Battre, enlever". Son premier film court de fiction, "Ghosts of Yesterday" (2017) a été présenté en avant-première à la Mostra de Venise (Italie). Par la suite, il a alterné entre fiction ("Enter", 2018, sélectionné dans plus de vingt festivals internationaux ; "Ten Times Love", 2020) et documentaire ("Guardarla negli occhi - La Regarder dans les yeux", sélection officielle 2020 à la Mostra Internazionale del Nuovo Cinema di Pesaro, Italie).

Luces del Desierto
felix blume
Luces del Desierto
Vidéo expérimentale | mov | couleur | 29:50 | France | Mexique | 2020

Luces del Desierto | Lumières du Désert Dans l’obscurité du désert mexicain, d’étranges lumières apparaissent. Les habitants décrivent celles qu’ils ont vues : une flamme, une boule de feu, une ampoule volante, des rayons qui tombent du ciel ou une énergie lumineuse. Une histoire commune, racontée à plusieurs voix, de forme chorale, est dessinée par les expériences individuelles. La rencontre avec ce phénomène lumineux peut être surprenante, dangereuse, voire fatale. La nuit n’est pas si noire qu’elle le semble et le désert est rempli de tous types d’êtres vivants. Le vide appartient à toutes et à tous. Lumières du désert est une invitation à ouvrir grand les yeux dans la pénombre et à écouter les sons cachés dans le noir. Un film d’horreur sonore, dans les ténèbres du désert.

Félix Blume (France,1984) est artiste sonore et ingénieur du son. Il vit actuellement entre le Mexique, le Brésil et la France. Il façonne le son comme une matière pour créer ses pièces sonores, ses vidéos, ses actions ou installations. Son travail, centré sur l’écoute, nous invite à transformer notre perception de l’environnement. Il utilise l’espace public tant comme lieu d’expérimentation que comme lieu de présentation de ses projets, effectués souvent en collaboration avec des groupes de personnes. Il est intéressé par les mythes et l’interprétation contemporaine que l’on peut en faire, par le dialogue entre les humains et le contexte – naturel ou urbain – qu’ils habitent, par ce que les voix nous racontent, au-delà des mots. Ses pièces sonores ont été diffusées par des radios du monde entier. Il a reçu le prix du “Paysage sonore” pour sa pièce vidéo-sonore Curupira, bête des bois (2018) et le prix “Pierre Schaeffer” pour son travail Les Cris de Mexico (2015) au festival Phonurgia Nova Awards. Il a participé à de nombreux festivals et expositions tels que LOOP Barcelona (2015), CCCB Barcelona (2015), Tsonami Arte Sonoro Chile (2015, 2018), Fonoteca Nacional Mexico (2016), Ex Teresa Mexico (2016, 2018), CENTEX Chile (2017), CTM Berlin (2017), Belluard Festival (2018), Arts Santa Monica Barcelona (2018), la Biennale de Thaïlande (2018) et la Berlinale (2019) entre autres.

Pia BOLOGNESI, Bursi Giulio
The Leaks of Venice
pia bolognesi , Bursi Giulio
The Leaks of Venice
Doc. expérimental | dcp | couleur et n&b | 17:0 | Italie | Allemagne | 2020

Un vieux bâtiment de Venise accueille une exposition, un visiteur traverse des pièces vides et découvre un espace architectural fictif qui fonctionne comme un décor de théâtre abandonné. Alors qu'une ville qui se noie lentement vous inonde de sa présence obsessionnelle sur et hors champ, l'imagination ne peut dépasser la réalité. Inspiré par l'œuvre d'Alexander Kluge et sa constellation de réalisations filmiques et vidéo, le cadre métanarratif de cette exploration tente de déconstruire l'expérience subjective et de libérer l'énergie filmique de l’horror vacui de l’écran.

Pia Bolognesi (PhD, née en 1981) est conservatrice indépendante, historienne de l'art et artiste. Elle vit à Berlin. Ayant de l’expérience en arts du spectacle, théorie du cinéma et études visuelles et environnementales, elle a organisé des installations à grande échelle, des expositions et des projets multidisciplinaires pour des institutions telles que la Tate Modern, Londres (Royaume-Uni); le MoMA – Museum of Modern Art, New York (USA); le Centre Pompidou, Paris (France); le FNC – Festival du nouveau cinéma de Montréal (Canada) et la 56e Biennale de Venise (Italie). Ses œuvres et installations ont été présentées, entre autres, au Wiels, Bruxelles (Belgique); au Musée des Beaux-Arts de Montréal (Canada); à la Kyoto University of Art and Design (Japon); à la Tokyo University of the Arts (Japon); à la Deutsche KunstHalle, Berlin (Allemagne) et à la Triennale de Milan (Italie). Giulio Bursi (PhD, né en 1978) est curateur indépendant de films, dramaturge et cinéaste. Il vit à Berlin. Formé en théorie du cinéma, il a été assistant réalisateur de Jean-Marie Straub et Danièle Huillet. Il a réalisé un long métrage documentaire ("J'écoute!", 2007) et différents films courts et installations en collaboration avec des institutions internationales et des festivals de cinéma tels que le Austrian Film Museum, Vienne (Autriche); la 56e Biennale de Venise (Italie); le festival international To Save and Project du MoMA, New York (USA); le Torino Film Festival, Turin (Italie); Il Cinema Ritrovato Bologna, Bologne (Italie); la Berlinale, Berlin (Allemagne); le Festival du nouveau cinéma de Montréal (Canada); GAM – Galleria d’Arte Moderna, Turin (Italie). Pia Bolognesi et Giulio Bursi travaillent ensemble sous le nom d'Atelier Impopulaire depuis 2012. Leurs installations ont été exposées au Centre Pompidou, Paris (France); à la Triennale de Milan (Italie); à la Kunsthaus Bregenz, Bregenz (Autriche); au GAM – Centro Gabriela Mistral, Santiago (Chili); à The Mix Place, Shanghai (Chine); au West Bund Art Space, Shanghai (Chine); à la Power Station of Art Shanghai (Chine); à la Volksbühne Berlin (Allemagne); au ZKM – Zentrum für Kunst und Medien Karlsruhe (Allemagne); à la Tate Modern, Londres (Royaume-Uni); au Gallery Weekend Berlin (Allemagne); au Festival du film de Rotterdam. L'Atelier Impopulaire a développé des projets in situ à l’international, en collaboration avec des artistes comme Aldo Tambellini, Dries Van Noten, Morgan Fisher, Danièle Huillet et Jean-Marie Straub, Peter Tscherkassky, Margaret Honda, Experimental Jetset, Christopher Williams, Alexander Kluge.