"13" es la tercera parte de la "Chrysalide Trilogie", sobre el edificio Fashion Plaza - un increíble edificio industrial, situado en el Mile End, en Montreal. Este edificio es una inspiración constante y un lugar de investigación que provoca la reflexión sobre las estructuras económicas que definen nuestras formas de vida, las repercusiones implicadas en éstas y su impacto sobre el individuo, así como sobre la sociedad. Esto último se traduce a través de una mirada onírica sobre la hegemonía y la eventual decadencia de un imperio. El vídeo de Bernatchez se abre con una vista aérea de un gran espacio industrial. Acompañado de una sobrecogedora banda sonora orquestal, la cámara desciende lentamente a través del suelo de cemento. Luego sigue a través de las infraestructuras del edificio para revelar nuevos espacios - una sala de descarga, un taller de carpintería, y más, debajo de ella. El movimiento de caída constante de la cámara a través del edificio en "13" revela una serie de habitaciones como un estudio de fotografía, una sala llena de tubos de calefacción, y una pequeña oficina que, normalmente, no sería nada especial, de no ser por los escenarios cada vez más extraños que Bernatchez coloca allí. Desde Ronald McDonald sentado en una silla de maquillaje hasta un guardia de seguridad empapado y aparentemente. "13" crea un absurdo collage de narrativas cinematográficas que son a la vez inquietantemente incoherentes y convincentemente inventivas. Es de esta manera que, en su mayor nivel de eficacia, los vídeos de Bernatchez imitan los mundos soñados inconscientes de los espectadores: combinando lo familiar y reconocible con maneras intrigantes de crear un ambiente hipnótico que está a años luz de la realidad.

Patrick Bernatchez vive y trabaja en Montreal. Su interés se centra en la "crónica de una muerte anunciada", a través de la inmutable proyección del tiempo: el de los seres vivos, de los individuos, de las sociedades. Su obra aborda los rasgos de una especie de esquizofrenia social. Estos rasgos se traducen a través de composiciones pictóricas, fotográficas, y cinematográficas, así como instalaciones escultóricas y sonoras. Su obra ha sido expuesta en el Museo de Arte Contemporáneo y de diseño de Hertogenbosch, Holanda; en el Musée d'art contemporain de Montreal, y en l'Usine C, de la misma ciudad; en el Museo Nacional de la Edad Media de París, durante la Nuite Blanche de 2009; en el Bienal de Media Art de Melbourne, Australia.


Tony COKES : shrinking.criticism | Video experimental | dv | color | 0:12:33 | EE.UU | 2009



Una de las ideas principales que unifican la obra reciente de Tony Cokes es la noción de que trabajar con medios distintos es una estrategia que puede permitirle a uno reproducir y cuestionar rasgos sistémicos de la producción cultural bajo el capitalismo global.  Recientemente, Cokes tuvo la oportunidad de colaborar en un proyecto de vídeo-performance que abordaba la crítica de arte. Para conseguir que el estado de prácticas artísticas, su crítica, y su contexto capitalista tuvieran un impacto y resonaran de manera diferente para los espectadores, el artista tuvo que recurrir a un desvío hacia los sonidos intensos del dubstep de Kromestar. “Shrinking.criticism” cita ampliamente un artículo, “La decadencia y caída de la crítica de arte”, del escritor británico Julian Stallabras, que argumenta de manera convincente contra la confluencia del arte, la publicidad, y los negocios que se pueden observar en el ámbito del arte de las dos últimas décadas.

Tony Cokes nace en 1956. Se licenció en el Goddard College, Vermont, y ha participado en la Independent Study Program del Whitney Museum, y ha obtenido un Máster en Bellas Artes en el Virginia Commonwealth University, Richmond. En una serie de vídeos mono-canal e instalaciones producidas desde mediados de los años ‘80, Tony Cokes aborda una investigación a fondo de la identidad y la oposición. Su obra cuestiona cómo el origen determina la construcción de subjetividad (personal, cultural e histórica) y cómo los orígenes, los géneros y la clase social se perciben a través de lo que él denomina los "regímenes de representación de la imagen y del sonido", tal y como han sido establecidos por Hollywood, los medios, y la cultura popular. La estrategia analítica de Coke es de carácter re-contextualizador y re-localizador. Sus críticas se basan en los Estudios Culturales contemporáneos, la teoría posestructuralista, y textos populares; él cita fuentes que van desde Louis Althusser, Malcolm X y Catherine Clement hasta Public Enemy y William Burroughs. Sus obras suelen ser ensamblajes de material de rodaje encontrado, imágenes de películas de Hollywood, comentarios de texto, voces en off, y música popular. Ha recibido becas y subvenciones de la Fundación Rockefeller, la Fundación Guggenheim, el National Endowment for the Arts, el New York State Council for the Arts, y la New York Foundation for the Arts. Las instalaciones de vídeo y multimedia de Coke han sido incluidas en exposiciones en el Museum of Modern Art de Nueva York, el Whitney Museum of American Art, el Guggenheim Museum Soho, y el New York Museum of Contemporary Art en Nueva York; el Institute of Contemporary Art, Boston, y en la Documenta X, Kassel, Alemania. En la actualidad, Coke enseña en la Brown University. Vive en Providence, Rhode Island.


Eric CONVENTS: Office Baroque, a project by Gordon Matta Clark | Documental | 16mm | blanco y negro | 0:44:00 | EE.UU | 1977



Matta-Clark realizó un corte en un edificio comercial de cinco plantas situado frente al Steen, un lugar turístico en Amberes. Tras la muerte de Matta-Clark, poco después, se intentó salvar la obra para un futuro museo de arte contemporáneo, pero el edificio fue demolido. Esta obra incluye una entrevista con el artista. Más allá de una simple documentación de su intervención, los comentarios de Matta-Clark sobre sus obras también proporcionan una mirada única en su proceso creativo.

Gordon Matta-Clark nació en Nueva York en 1943 y falleció en 1978. Estudió literatura francesa en la Sorbona y Arquitectura en la Cornell University. Desde principios de los ‘70, fue miembro fundador del Food Restaurant en el SoHo de Nueva York, un proyecto gestionado por artistas. Matta-Clark ha participado en diversas exposiciones y proyectos colectivos. Su obra ha sido presentada en la Documenta V, Kassel, Alemania, y en exposiciones en San Pablo, Berlín, Zúrich, y la 9ª Bienal de París. Los principales proyectos de Matta-Clark tuvieron lugar en Aachen, París, y Amberes.

Diego del Pozo Barriuso trabaja y vive en Madrid. Ha estudiado en la Facultad de Bellas Artes en Salamanca y en Madrid, y en la Gerrit Rietveld Academie en Amsterdam. Artista y productor cultural, desarrolla proyectos sobre la producción social del cuerpo y de la identidad.

“data.matrix [no1-10]" es una instalación multicanal que incluye secuencias en vídeo del concierto audiovisual de Ikeda "datamatics [ver.2.0]”, en el que usa Pure Data como fuente de sonido e imágenes. Las imágenes combinan representaciones abstractas y miméticas de materia, tiempo y espacio.
Cada proyección corresponde a una de las diez escenas presentadas en el concierto, y está titulada de manera correspondiente. Ikeda ha recompuesto las escenas cuidadosamente, de forma que estén bien sincronizadas unas con otras. Por primera vez puede verse al mismo tiempo todo el contenido de “datamatics [ver.2.0]”, conocido por velocidad de imagen extremadamente rápida y por sus profundidades de bits variables.
“data.matrix [nº1-10]” fue presentada por primera vez en el Museo de Arte Contemporáneo de Tokio (en abril-junio de 2009), ocasión para la que Ikeda recompuso el trabajo para que estuviera sincronizado con otra instalación de gran escala, “data.tron [3 SXGA+ version]”. Desde entonces, la pieza ha sido presentada como parte de Trans-Cool TOKYO: Contemporary Japanese Art, MOT Collection, en el Bangkok Culture and Art Centre en Tailandia (febrero-marzo 2010.

El principal compositor de música electrónica japonés Ryoji Ikeda se centra en las minucias de los ultrasonidos, las frecuencias, y las características esenciales del sonido en sí.  Fascinado por los datos, la luz y el sonido, el artista da forma a la música, el tiempo y el espacio a través de métodos matemáticos y explora estos fenómenos como sensación, deconstruyendo sus propiedades físicas para revelar sus relaciones con la percepción humana.
Ikeda ha adquirido la reputación de ser uno de los pocos artistas que trabajan de forma convincente tanto con los medios visuales como con los sonoros.  Desde 1995 ha mantenido una intensa actividad en el arte sonoro mediante conciertos, instalaciones y grabaciones, integrando sonido, acústica, e imaginería sublime.  Ha sido aclamado por la crítica como uno de los compositores contemporáneos más radicales e innovadores por sus actuaciones, instalaciones sonoras, y publicaciones discográficas.  Sus álbumes “+/-“ (Touch, 1996), “0ºC” (Touch, 1998), “y matrix” (Touch, 2000), fueron pioneros en un mundo minimal de música electrónica, empleando ondas sinusoides, sonidos electrónicos, y ruido blanco.  Usando la informática y la tecnología digital hasta el límite, sus conciertos audiovisuales “datamatics” (2006 - hasta el presente), “C4I” (2004-2007), y “formula” (2000-2006) sugieren una orientación única para nuestros futuros entornos multimedia y culturales.
Su trabajo en proceso, “datamatics”, es un programa a largo plazo de imagen en movimiento, escultura, sonido, y piezas de nuevos medios que usan los datos como su tema y como su material de trabajo para explorar las formas en las que su visión abstracta de la realidad se usa para codificar, comprender, y controlar el mundo.
En verano de 2008, Ikeda produjo una serie de piezas de dominio público a gran escala para Dream Amsterdam, iluminando cuatro espacios culturales y civiles con una luz blanca muy intensa.  En otoño, ese concierto - spectra - fue adaptado par la Noche en Blanco, el festival nocturno de las artes de París.  En esta versión, Ikeda creó una escultura monumental con una retícula de haces de luz blanca y sonidos sinusoides puros al lado de la Tour Montparnasse, el rascacielos más alto de Francia. 
Recientemente, ha tenido exposiciones individuales en el Museo de Arte Contemporáneo de Tokio; el Yamaguchi Centre for Arts and Media; Le Laboratoire, París; Ikon Gallery, Birmingham; Surrey Art Gallery, Vancouver.  Su obra también ha sido expuesta en el Victoria and Albert Museum, Londres; el Australian Centre for Moving Image, Melbourne y el Festival Transmediale deBerlín, entre otros sitios.
La versatilidad del trabajo de investigación de Ikeda queda demostrada en sus colaboraciones con Carsten Nicolai en el proyecto “cyclo”, con el coreógrafo William Forsythe y el Frankfurt Ballet, el artista Hiroshi Sugimoto, el arquitecto Toyo Ito, y el colectivo de artistas Dumb Type, entre otros.
En 2001, Ikeda recibió el premio Golden Nica en el festival Ars Electronica en la categoría de música digital, y fue nominado para el World Technology Award en 2003


Joan LEANDRE : Magic Line | Video | color | 0:25:00 | España | 2010



"¡En el nombre del Kernel! La Línea Mágica" es la tercera instalación de la serie "En el nombre del Kernel", que presenta la práctica crítica de interpretación de medios e ingeniería inversa de Leandre ante un nuevo público. "¡En el nombre del Kernel! " recopila sus últimos vídeos en un ciclo abierto.  Éstos ofrecen al espectador una narrativa compleja en la que puede decodificar los mecanismos de la fascinación con la tecnología de la que habitualmente somos sujetos, mecanismos tales que luego condicionan nuestra percepción del mundo. En este sentido, la obra de Joan Leandre es bastante subversiva.
En esta instalación, el kernel, el núcleo que está en el corazón de la mayoría de los sistemas informáticos, se convierte en el mito alrededor del cual coagula un evento simbólico. La instalación combina la literatura de viaje, la tradición alquimista, la ciencia ficción, el terrorismo y las teorías conspirativas, la programación, el montañismo, el modelado 3-D, la cartografía vía satélite, la alucinaciones y revelaciones. Joan Leandre explora la problemática imaginación de un principio fundamental en la ciencia informática, sin tener en cuenta sus posibles usos, sean militares u oníricos. La imagen en sí, creada a través de la manipulación informática, cambia su estatus. Junto con las imágenes, aparece el poder ciego del Kernel, el kernel en cuyo nombre todo uso tecnológico se hace posible.

Joan Leandre vive y trabaja en Barcelona. Es un intérprete de los medios de comunicación, y miembro de los Archivos OVNI desde 1994. Entre 1994 y 1996 trabajó en una serie de interrupciones mediáticas llamadas "MAP" (Mega Assemble Project), "Fundación Zero", y "Serial Monuments". Entre 1995 y 1997 estuvo involucrado en el proyecto “Oigo Rom”, y, más tarde, en 1998, en Brooklyn, colaboró con los “President Archives”. En 1999, empezó a trabajar de nuevo con software de entretenimiento de masas y empezó los proyectos "Retroyou (RC)" y "Retroyou (nostalG)", y sigue trabajando en las series "Retroyou nostalg2" y el "Black Boot Project". Otros proyectos colectivos incluyen “Velvet Strike” y los “Archivos Babilonia”. Desde principios de los ‘90, Joan Leandre es un intérprete de los media, y un arqueólogo de Internet. Hace excavaciones permanentes y recoge datos. Archivos de numerosos volúmenes de información que han sido "olvidados", por ejemplo, en una web corporativa, o, al contrario, datos que tienen una aparición muy breve antes de pasar a ser confidenciales u obsoletos en términos tecnológicos. Yendo más allá del uso aparente de tal o cual interfaz, él intenta crear un estado de conciencia en relación a lo que las máquinas son capaces de obligarnos a hacer debido a nuestra ignorancia y el poder del condicionamiento ideológico sobre nuestra forma de entender lo real hoy en día debido a las nuevas imágenes. Desde 2006, la obra de Joan Leandre se basa fundamentalmente en el análisis y deconstrucción de juegos, y de software de simulación o de entrenamiento militar. Su obra ha sido expuesta en el festival Sonar, Barcelona, y en la Transmediale, Berlín; en la Whitney Biennial en el Whitney Museum of American Art, Nueva York, en LAboral Centro de Arte Contemporáneo, Gijón, en la Bienal de Moscú, y en ZKM, Karlsruhe.


Anthony MCCALL : You and I, Horizontal (III) | Instalación | EE.UU | 2007


Image courtesy Sean Kelly, New York; Galerie Thomas Zander, Cologne; Galerie Martine Aboucaya, Paris.

“Lo que me interesa de usar una transición cinematográfica tipo "wipe" es que creas dos eventos que son reproducidos al mismo tiempo. Uno de ellos está avanzando, y el otro está retrocediendo, con la proporción entre ambos en cambio constante. Esto resultaba sugerente, ya que yo estaba buscando una manera de mantener dos formas escultóricas opuestas en el mismo espacio tridimensional, para crear el equivalente escultórico de una "acción paralela". Pero era consciente de que cortar de un evento a otro se haría incomprensible: incluso si las paredes estuvieran hechas de luz, no pueden simplemente desaparecer o aparecer de la nada. Luego, también estaba el problema de la velocidad. En el "estar en otra parte" de la imagen en movimiento sobre una pantalla, nuestros ojos y nuestra imaginación no tienen ningún problema con los desplazamientos rápidos de tiempo y espacio. Pero cuando las cosas se mueven deprisa en el espacio real, nuestro cuerpo real reacciona clavándose en un punto - dejando de moverse. Ya que estaba haciendo un objeto escultórico, basado en la noción de un espectador móvil, esto hubiera sido contraproducente. Pero entonces me di cuenta de que si extendía radicalmente la duración del Wipe, podría crear una "acción paralela" en términos escultóricos - en efecto, ralentizando el movimiento hasta el punto en el que los observadores podrían estar seguros de qué iba a cambiar, o al menos del ritmo al que las cosas cambiarían, así que podían moverse por el espacio, al menos en principio, como si estuviesen viendo un objeto de propiedades consistentes.”
Anthony McCall,Adaptado de una entrevista con Graham Ellard y Stephen Johnstone en Bomb Magazine, Nueva York, otoño de 2006.

Anthony McCall nació en St Paul's Cray, Inglaterra, en 1946. Vive y trabaja en Manhattan.McCall es conocido por sus instalaciones de "luz sólida", una serie que él empezó en 1973 con su seminal trabajo "Line Describing a Cone", en el que una forma volumétrica compuesta de luz proyectada evoluciona lentamente en el espacio tridimensional. McCall trabaja en un espacio liminal entre la escultura, el cine y el dibujo, y la importancia histórica de su trabajo ha sido reconocida internacionalmente en exposiciones como "Into the Light: the Projected Image in American Art 1964-77" en el Whitney Museum of American Art (2001-2), “The Expanded Screen: Actions and Installations of the Sixties and Seventies” en el Museum Moderner Kunst, Viena (2003-4), “Beyond Cinema: the Art of Projection” en el Hamburger Bahnhof, Berlín (2006-7), “The Cinema Effect: Illusion, Reality and the Projected Image” en el Hirshhorn Museum, de Washington DC (2008), y “The Geometry of Motion 1920s/1970s”, en el Museum of Modern Art, Nueva York (2008). McCall ha tenido exposiciones individuales en el Centre Pompidou, París, 2004, la Tate Britain, Londres, 2004, el Institut d’Art Contemporain, Villeurbanne, Francia, (2006), Serpentine Gallery, Londres (2007-8), Hangar Bicocca, Milan (2009), y Moderna Museet, Estocolmo (2009), entre otros sitios. El trabajo de McCall está representado en numerosas colecciones, como la Tate, Reino Unido, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, Museum für Moderne Kunst, Frankfurt, Museu d'Art Contemporani de Barcelona, el Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York, SFMoMA, el Centre Georges Pompidou, París, Moderna Museet, Estocolmo y en el Hirshhorn, Washington DC. Recientemente, McCall recibió un gran encargo escultórico para 2012 por el Arts Council y la Cultural Olympiad, para producir su "Projected Column" en el Noroeste de Inglaterra: una columna de vapor sinuosa, giratoria, que se eleva de la superficie del agua hacia el cielo


Francis NARANJO : Los colores de la libertad: Blanco | Video | dv | color | 0:10:26 | España | 2010



"Los colores de la libertad: Blanco" es un trabajo de vídeo realizado en el año 2008, que está basado en un extracto de la entrevista realizada por Francis Naranjo a Juan Manuel Godoy. Ésta se desarrolla de forma encadenada con fundidos al blanco, donde se van sucediendo los comentarios realizados por el entrevistado en relación a su anomalía genética – la carencia de melanina o albinismo. Sus comentarios nos introducen en modelos de reflexión cercanos a pautas de conductas próximas a nuestra contemporaneidad, desde su aversión por los exteriores incluyendo situaciones en las cuales su condición de albino cristaliza una diferencia. Paradójicamente esta entrevista se convierte en una gran metáfora donde la luz, elemento relacionado con el anhelo de libertad, se convierte en el elemento castrador de ella. .

Francis Naranjo es un artista español nacido en Santa María de Guía, en las Islas Canarias, en 1961. Realizó vídeos e instalaciones. Se le consagró una exposición personal en 2006 en Santiago de Chile. También fue presentado en Arco en Madrid. Su trabajo desarrolla problemáticas relativas a la sociedad de la información, altamente tecnológica, en la que estamos controlados o donde controlamos, así como a la globalización y la utilización general de las nuevas tecnologías. Sus obras han sido expuestas, entre otros lugares, en la galería AFA, Santiago de Chile; en el Instituto Cervantes, París; en la Ecoteca, Pescara, Italia; en el Arte Contemporáneo 108, Miami; en el MAC (Museo de Arte Contemporáneo), Santiago de Chile; en la galería Vanguardia, Bilbao; en la Casa de América, Madrid; en el CAAC (Centro Andaluz de Arte Contemporáneo), Sevilla; en el Centro Atlántico de Arte Moderno, Las Palmas de Gran Canaria, España; en el Kunstverein Panitzsch, Leipzig; en la Bienal de Dakar y en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Este trabajo de vídeo estuvo producido, en formato instalación, para la exposición “Libertad, Igualdad, Fraternidad”. Comisariada por Isabel Durán y Bernard Marcadé, -que en este momento se encuentra recorriendo varias comunidades españolas-, con próxima inauguración el 9 de abril, en el CAAM, Las Palmas de Gran Canaria.


Natacha NISIC : Le textile est mort mais les gens vivent encore | Doc. experimental | super16 | color | 0:10:47 | Francia | 2008



La fábrica Desurmond en Tourcoing cerró en 2004. Era la última fábrica de hilados en funcionamiento en esta área. Sus trabajadores se reunieron en una asociación para defender sus derechos y crear una comunidad más allá de la pérdida del empleo. Los hombres y mujeres reprodujeron la cadena de mandos y los gestos de producción de esta fábrica textil. Algunos de ellos han estado trabajando allí en el turno de noche durante 35 años.

Natacha Nisic nació en 1967. Estudió, en principio, en la Escuela Nacional Superior de Arte Decorativa de París, y prosiguió con sus estudios en la Deutsche Film und Fernseh Akademie de Berlín, y en el Femis en París con cursos de escenografía. Ha realizado numerosas exposiciones y películas en las que cuestiona el estatus de la imagen. Para ello, usa diversos soportes: Súper 8, 16 mm, vídeo, fotografía. Sus fotogramas o imágenes en movimiento operan como un sustrato de la memoria, que se extiende entre su valor como evidencia y de su pérdida. Estas obras han sido presentadas en numerosos países: Alemania, España, Japón, Corea, Canadá, Argentina. Sus películas han sido retransmitidas por el Canal ARTE y en el Centre Georges Pompidou de París. Ha sido residente artística en la Villa Kujoyama (2001), y en la Villa Medicis (2007).



Hans OP DE BEECK : Staging Silence | Video | dv | blanco y negro | 0:22:00 | Bélgica | 2009



"Staging Silence" está basada en la ambientación abstracta, arquetípica, que se mantenía en la memoria del artista como denominador común de los muchos espacios públicos similares que ha experimentado. Las propias imágenes del vídeo son a la vez ridículas y serias, exactamente como la ecléctica mezcla de imágenes en nuestras mentes. La decisión de rodar en blanco y negro subraya esta ambigüedad: la calidad "amateur" del vídeo invoca el legado de la comedia "slapstick", así como el molesto suspense y el descarrilamiento latente del cine negro. El título se refiere a la puesta en escena de decorados latentes en los que, en la ausencia de personas, el espectador puede proyectarse a sí mismo como el único protagonista. Las imágenes de la memoria son mezclas desproporcionadas de información concreta y fantasías, materializándose en esta película ante los ojos del espectador a través de un retoque y unas improvisadas manos anónimas. Los brazos aparecen y desaparecen aleatoriamente, manipulando objetos banales, representaciones a escala e iluminación artificial en lugares alienantes y aun así reconocibles. Estos lugares no son ni más ni menos que puestas en escena animadas para cuentos posibles, propuestas visuales evocadoras para el espectador. La película se acompaña de una banda sonora que, inspirada en las propias imágenes, ha sido compuesta e interpretada por el compositor y músico Serge Lacroix.

El artista visual Hans Op de Beeck vive y trabaja en Bruselas, donde ha desarrollado su carrera a través de exposiciones internacionales a lo largo de los últimos diez años. Su obra consiste en esculturas, instalaciones, piezas audiovisuales, fotografía, animaciones, dibujo, pintura y literatura (relatos cortos). Lo que determina el medio por el que se decantará el artista es su búsqueda de la forma más eficaz de presentar el contenido específico de cada pieza. La escala puede variar desde las dimensiones de una pequeña acuarela hasta una instalación grande, tridimensional, de 300 m2. El artista no sólo usa una gran variedad de medios, sino que hace un uso deliberado de una diversidad de formas estéticas, desde un lenguaje visual económico y minimalista hasta unos diseños sobrecargados y exagerados, siempre con el objetivo de articular el contenido del trabajo de la forma más precisa posible. A nivel de contenido, la obra se centra en nuestra laboriosa y problemática relación con el tiempo, el espacio, y entre nosotros mismos. Op de Beeck enseña al espectador lugares inexistentes pero identificables, momentos y personajes que parecen haber sido sacados de la vida cotidiana contemporánea, intentando, por tanto, capturar en sus imágenes lo absurdo de nuestra existencia postmoderna. Los temas clave son la desaparición de las distancias, la desmaterialización del individuo y la abstracción del tiempo, resultado de la globalización y de los cambios en nuestro ámbito vital provocados por los medios, la automatización, y la tecnología. Hans Op de Beeck se refiere a veces a sus obras como "propuestas"; son innegablemente ficticias, construidas y escenificadas, dejando en manos del espectador la opción de  interpretar la obra seriamente, como una especie de realidad paralela, o bien ponerla inmediatamente en perspectiva, como una simple construcción visual. Su obra se alimenta de un marcado interés por la reflexión social y cultural. El artista también cuestiona la difícil relación entre la realidad y la representación, entre lo que queremos creer y lo que realmente vemos, entre lo que es y lo que creamos para nosotros mismos con el fin de sobrellevar más fácilmente nuestra propia insignificancia y ausencia de identidad. El producto visual de esta investigación se materializa a menudo en imágenes adormecidas, molestas, melancólicas y asombrosas.


RYBN : Antidatamining V | Instalación multimedia | Francia | 2010



Desde finales de los años 80, las tecnologías de Minería de Datos han sido usadas para incrementar los beneficios de las actividades comerciales y financieras. Hoy en día, se usan para muchas otras prácticas, como las misiones humanitarias, la investigación, la inteligencia y las agencias de seguridad, etc. Pero su creciente uso ha generado una nueva opacidad, haciéndolas mucho menos legibles. "Antidatamining" es tanto una investigación artística, socioeconómica y geopolítica, como un proceso de arqueología en tiempo real, centrada en los flujos de datos que forman parte de nuestra sociedad contemporánea. "Antidatamining" es un proyecto de investigación basado en la recuperación y el visionado/visualización de datos extraídos de la red. El proyecto se centra en la creación de varias piezas audiovisuales y digitales - principalmente, instalaciones y páginas web - escritas, alimentadas y actualizadas en tiempo real. El objetivo de este proyecto es hacer emerger, a través de la Minería de Datos, varios "fenómenos" de desequilibrio social y económico. ADM busca identificar y visualizar estos fenómenos, intentando establecer una cartografía del desequilibrio global. El proyecto también pretende ofrecer una mirada crítica sobre estas tecnologías, al desviar el uso de herramientas de alta tecnología para la mejora económica y la vigilancia digital. El trabajo está basado exclusivamente en datos recuperables de Internet. Internet, entonces, es comparable a una base de datos, a un "almacén de datos". Los tipos de datos recuperados son tanto geográficos, como ecológicos, sociales, económicos, financieros, o geopolíticos. Los datos se almacenan en una gran base, y son procesados usando algoritmos genéticos de Minería de Datos. Este método permite establecer varias relaciones cruzadas "significativas" - o especialmente importantes.

RYBN es un colectivo artístico multidisciplinar, especializado en producir instalaciones, happenings e interfaces con referencia a los sistemas codificados de representación artística (pintura, arquitectura, contra-culturas) así como a los fenómenos humanos y físicos (geopolítica, socio-economía, percepción sensorial, sistemas cognitivos). Los objetivos de su investigación son: la construcción de una "semántica convergente", a través del acoplamiento, el desvío y la perversión de la escritura y los medios de formalización relacionados con las tecnologías de la comunicación, de la información y de lo sensorial - red, flujo de datos, el olfato, la captación, la vigilancia, lo audiovisual, la interacción, el tiempo real. Desde marzo de 2006, el colectivo RYBN ha emprendido un proyecto basado en la Minería de Datos para crear varias piezas artísticas. Desviadas de sus objetivos originales, las herramientas de Minería de Datos y las tecnologías de Monitorización de Datos son usadas para crear una serie de imágenes de nuestra sociedad, representada a través de sus flujos de datos. Las visualizaciones digitales resultantes están basadas en principios cartográficos, y se actualizan en tiempo real. Su trabajo se ha expuesto en París, en el Centre Pompidou, en Ars Longa, en el Goethe Institut de Dakar; en Creanumerica de Beirut, en Elektra de Montreal, en el Imal de Bruselas. En España ha podido verse en Laboral, Gijón y en Hangar, Barcelona.


Manuel SAIZ : Sic Transit | Video | dv | color | 0:05:00 | España | 2009



"Sic Transit" es un corto en el que varias personas corren hacia la cámara para pronunciar secuencialmente una serie de frases, en un momento álgido de intensidad respiratoria o emocional. El texto sólo se completa con el recitado de todos los participantes, y pasa a formar un relato poético sobre el encuentro de los artistas con el bagaje de siglos de Arte y Cultura. El vídeo ha sido rodado a orillas del río en Roma, con la colaboración de artistas extranjeros residentes en la ciudad..

Manuel Saiz nació en Logroño (La Rioja), España. Es un artista que vive en Londres. Empezó a trabajar como artista en los ’80, en España, creando cuadros, esculturas, fotografía e instalaciones. Desde entonces, ha expuesto su obra regularmente en espacios públicos y galerías por todo el mundo. En 1989 expuso una serie de instalaciones en la Bienal de San Pablo, y en 1990 participó en "Artificial Nature", comisariada por Jeffrey Deitch en la Fundación Deste, en Atenas. Desde 1995 trabaja principalmente en vídeo e instalaciones multimedia. En 1998 se trasladó a Londres, donde produjo "Video Hacking", una obra que recibió una mención de honor en el Festival de Cine de Hamburgo. En 2005 produjo "Specialized Tecnhicians Required: Being Luis Porcar", que fue exhibida en muchas ocasiones y ganó el Primer Premio del Winterthur Kurtzfilm Festival, y una mención de honor en Transmediale 06. Sus instalaciones han sido expuestas en el Intercommunication Center (Tokio), Transmediale (Berlín), Whitechapel Gallery (Londres), y el ICA de la misma ciudad, entre otros sitios. Sus vídeos han sido presentados en el Impakt Festival (Utrecht), EMAF (Osnabruck), el London Film Festival, el Museo Reina Sofía (Madrid), los Rencontres Internationales (París, Madrid, Berlín), VideoFormes (Clermont-Ferrand), World Wide Video Festival (Ámsterdam), entre otros. Ha comisariado proyectos artísticos en la Art Summer University (Tate Modern, Londres), Communicating Vessels (Hara Museum, Tokio), 25hrs (El Raval, Barcelona), o videoDictionary (diversos lugares), en colaboración con artistas multimedia de renombre internacional. El año pasado obtuvo una beca de nueve meses en el Colegio de España en Roma. Ha publicado diversos libros, como "101 Excuses. How Art Legitimizes Itself", en 2006. Su obra audiovisual está distribuida por Montevideo en Ámsterdam, y Vtape, en Toronto. Está representado por la Galería Moriarty (Madrid).


Alexander SCHELLOW : Fragment/ Vienna | Animación | dv | blanco y negro | 0:10:10 | Alemania | 2009



“Fragment” es un documental de animación de una duración aproximada de diez minutos, dividido en seis secuencias. Las tomas reconstruidas y silenciosas de una sala de video-vigilancia en una estación de metro vienesa se alternan sistemáticamente con una pantalla en negro con muestras de sonidos reales, de manera análoga a los momentos correspondientes de las imágenes extraídas. Los ruidos fragmentados, grabados en el mismo sitio, han servido como apuntes sonoros en la fase de esbozar el proyecto, una especie de "partitura" para la reconstrucción. La separación y los elementos visuales y sonoros tienden a activar campos de posible asociación y combinación en la mirada del observador. “Fragment”  indaga en la superficie de las imágenes encontradas, y, de alguna manera, libera una perspectiva arqueológica sobre lo que a veces parecen imágenes surrealistas. Cada una de estas tres partes pasa por un enfoque distinto del análisis óptico, de manera que la observación revela una estructura cada vez más compleja del régimen visual.

Alexander Schellow nació en Berlín en 1974. Estudió Bellas Artes en esa ciudad y en Glasgow, y Filología Clásica y sánscrito también en Berlín. Ha practicado el dibujo desde 1996. Series de dibujos, instalaciones, animaciones. Colaboraciones en el ámbito de la performance/coreografía, la arquitectura, la investigación urbana, la sociología. Desde 1999, participa en  exposiciones individuales y colectivas, sesiones audiovisuales, performances, e imparte conferencias. Entre sus publicaciones destaca  el libro-proyecto “Storyboard”  en Merz/Solitude (Stuttgart) y el DVD “Still lives” editado por Filmarmalade (Londres). Entre sus proyectos más recientes están “Out take Bozen/Bolzano” (para la inauguración de la exposición en el “Museion” - Museo de Arte Moderno y Contemporáneo, Bolzano, 2008), “Miniature” (Con David Weber-Krebs) en deAppel, Ámsterdam 2009 y 2010, “TiranaNorth – trajectories” para la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de Tirana, Albania 2009 y “2481 desaster zone”  (spatial conception) en Theatercombinat, Viena 2009. Entre 2006 y 2007 fue becario de la Akademie Schloss Solitude (Stuttgart). En 2008 recibe la beca Pechstein. El proyecto “Bambiland”  (Theatercombinat, Viena, 2009), para el que Schellow colaboró con el diseño espacial y una serie de animaciones, ganó el premio Nestroy (best Off-Production, 2009). En el 2010 es artista residente en el Zukunftskolleg (Universidad de Constanza, Alemania). Ha impartido prácticas de investigación espacial en la Metropolitan University de Londres, y en el contexto de talleres, como por ejemplo en APT (Advanced Performance Training, Amberes).


Antoine SCHMITT : Facade Life | Instalación multimedia | Francia | 2010



Las instalaciones "Façade Life" son siempre in situ y únicas. Una figura abstracta de luz recorre infinitamente una fachada, una pared, en relación con sus elementos arquitectónicos. La luz se desliza por los bordes, choca con los marcos de las ventanas, rebota de las puertas, atraviesa los espacios libres. Habita los espacios. Algoritmos de vida artificial y ecuaciones de física recrean el comportamiento de un animal abstracto enjaulado: un cuerpo nervioso, pero cautivo. "Façade Life" se basa en el principio artístico según el cual las fachadas existentes se reinterpretan por fuerzas programadas dinámicamente, para postular una dialéctica entre la realidad física y el nivel de realidad paralela.

Antoine Schmitt vive y trabaja en París. Artista visual, ingeniero programador, y diseñador ha desarrollado una práctica artística multidisciplinar singular, centrada en la creación de formas programadas. Sus obras mínimas, abstractas y eficientes abordan cuestiones contemporáneas y atemporales como la condición de ser libre, los sistemas de realidad, y hasta las fuerzas y sus formas. Empleando tecnologías derivadas de la física, la inteligencia y la vida artificial, combinando constricciones y aleatoriedad, Antoine Schmitt produce objetos o situaciones, sistemas físicos, visuales, generativos o interactivos, que cuestionan las modalidades del ser humano libre en un mundo complejo. Schmitt considera la programación como algo que está en el centro mismo de su producción artística, ya que es algo radicalmente nuevo en relación con su dimensión activa. Su obra ha sido presentada en varios festivales internacionales: med@terra (Atenas, 1999), Interférences (Belfort, Francia, 2000), transmediales.01 (Berlín, 2001), festival international de vidéo-danse (París, 2002), Vida 5.0 (Madrid, 2002), machinista (Perm, Rusia, 2003), CYNETArt (Dresde, Alemania, 2004), transmediale.07 (Berlín, Alemania, 2007), en el Musée d'Art Moderne de la Ville de París (1999), en el Sonar en Barcelona (2002, 2004 y 2005), en Ars Electronica (2003), en el Centro de Arte Contemporáneo de Siena (2004), en el Musée d'Art Contemporain de Lyon (1997), en Villete Numérique (París, 2004), en el Slick (también en París, 2006, 2007). Teórico, profesor, miembro de jurados, y editor de la web gratin.org, Antoine Schmitt explora el ámbito de la obra de arte programada.