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| ../_EDIFICIO DE TABACALERA - FUTUR CENTRE NATIONAL DES ARTS VISUELS |
| Entrée
libre. Calle Embajadores, 53 - 28012 Madrid - Metro: Línea
3, Embajadores. |
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DEL
16 DE ABRIL AL 16 DE MAYO
[EXPOSICIÓN]
INAUGURACIÓN
el 16 de abril > 19 h
Del 17 al 25
de abril > 16 h - 21 h
Del
26/04 al 16/05 > 16 h - 20 h
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ENTRADA LIBRE
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"DESPUÉS DEL
FIN / FAUX RACCORDS"
LA TABACALERA
Tabacalera es la antigua fábrica de tabacos de Madrid, un
edificio desocupado desde hace diez años y destinado a convertirse
en el futuro Centro Nacional de las Artes Visuales. Un lugar inmenso
y sorprendente por su historia y su arquitectura, en el cual los
actuales espacios y salas se prestan particularmente bien a la presentación
de obras contemporáneas.
LA EXPOSICIÓN
"Después del fin / Faux raccords" es una búsqueda
sobre las imágenes posibles en nuestra sociedad en la que
la imagen está omnipresente. Este trabajo propone enfoques
críticos y reflexivos, especialmente a través de internet,
así como enfoques estéticos singulares, portadores
de un cuestionamiento esencial de nuestra época: el reciclaje
de signos y de imágenes, sus giros, su puesta en suspenso,
la circulación de datos en internet, el trabajo, la economía,
la utopía. La exposición está jalonada de rupturas,
como falsos empalmes o ajustes que cuestionan nuestra cultura contemporánea
de la imagen.
Patrick BERNATCHEZ: I feel cold today
Video, 16mm | 0:14:00
Canadá | 2007
Basada en las ideas de decadencia, entropía y renacimiento,
"The Chrysalides Trilogy" es una serie de tres vídeos
sin aparente conexión, que priorizan momentos de tensión
ascendente pero que, finalmente, alcanzan una conclusión
narrativa. I Feel Cold Today representa un espacio de oficinas que,
silenciosa y lentamente, va llenándose de nieve que cae.
Aunque no aparezca ningún ser vivo en el vídeo, el
papel abandonado, los libros y el material de oficina son una clave
que nos habla de una previa ocupación humana del espacio,
otorgando a la escena un humor inquietante.
Patrick Bernatchez vive y trabaja en Montreal, Canadá.
Desde hace algunos años, desarrolla un recorrido multiforme,
que se caracteriza por una estética que mezcla lo maravilloso
y lo monstruoso. Explora la fotografía, la instalación
o el vídeo tanto como el dibujo y la pintura, sus medios
predilectos. Los temas del cuerpo, de la mutación, del sexo,
de la muerte y del renacimiento son explorados a través de
una exuberancia y de un lirismo, que conjugan lo fantasmagórico
y las pesadillas. Su interés se sitúa en la "crónica
de una muerte anunciada", a través del desfile inmutable
del tiempo: la de los seres vivos, de los individuos, de las sociedades.
En este sentido, se interesa por los rasgos de una cierta esquizofrenia
social, entre la figuración y la abstracción. Dichos
rasgos son traducidos en composiciones tanto pictóricas como
fotográficas, en películas y en instalaciones escultóricas
y sonoras. Ha expuesto Chrysalides en el Centro de artes actuales
Skol en Montreal (2008) y en la Galería l'Œil de Poisson,
Quebec (2008); Blossom, en la Galería Donald Browne de Montreal
(2007); Mécanique et débordements, en la Galería
de arte de Matane (2004) y la Galería B-312 de Montreal (2004).
Ha participado en exposiciones como: "Rien ne se perd, rien
ne se crée, tout se transforme", en el Museo de Arte
Contemporáneo de Montreal (2008); "Les Intrus"
en el Museo Nacional de Bellas Artes de Quebec (2008); "VALEURS/VALUES/VREDNOSTI",
en la XI Bienal de Artes Visuales de 11º, en Pan?evo, Serbia
(2004); o "Bonheur et simulacres, Manif d'art 2", en Quebec
(2003).
Christophe BRUNO: Non Conservation Laws
Net-art, work in progress
Francia | 2009
La naturaleza está regida por leyes de conservación.
Leyes que describen las cantidades que permanecen idénticas,
antes y después de producirse un acontecimiento en un sistema
cerrado. Por ejemplo, la conservación de la energía.
¿Son estas leyes de conservación pertinentes al considerar
el proceso de producción/distribución/consumo? El
análisis se centra en las obras de arte, pero podría
generalizarse. El primer estudio, presentado aquí, concierne
a los tiempos de consumo y al tiempo de vida de las obras. De ahí
el doble sentido del título: Conservación, también
en el sentido de conservación de obras de arte.
Non Conservation Laws" se presenta en la fase preliminar de
preproducción (y de preconsumo). Uno de los objetivos inmediatos
del mismo, se trata de un proyecto a largo plazo, es relacionar
tiempo de producción y tiempo de consumo. Christophe Bruno
Christophe Bruno vive y trabaja en París. Desde 2001,
sigue una investigación sobre los fenómenos de la
Red y la globalización en el campo del lenguaje. Fue premiado
en 2003 en Ars Electrónica, así como en el Share Festival
de Turín, por su performance "Human Browser", inicialmente
inspirada en las epifanías de James Joyce.
Christophe Bruno recibió también el Premio ARCO del
Foro de contemporáneo de Madrid en 2007 por su instalación
"Fascinum". Su último proyecto, "Logo.Hallucination"
recibió el apoyo de DICREAM en 2006, en el marco de los últimos
Rencontres Paris-Berlin-Madrid. Su trabajo ha sido presentado en
numerosos museos, galerías, festivales y foros de arte contemporáneo:
París (FIAC, Rencontres, Museo de Arte Moderno, Palais de
Tokio, Noches Blancas), Berlín (P0es1s.net y TRansmediale);
Nueva York (Museo de Arte Moderno), Turín, Hong-Kong, Sao
Paulo, Gijón, México, Tirana, Taipei o Dublín.
Claude CLOSKY: Flux
Instalación vídeo
Francia | 2004
"La obra de Claude Closky trata sobre el híperconsumo
de signos y, en particular, de las señales publicitarias.
Entre ellas, incluiremos al vocabulario gráfico de la economía,
por mucho que queramos aceptar que su significado y su capacidad
de representación eficaz de una realidad, desaparecen tras
una amena abstracción. Closky valora las señales tomando
sólo en cuenta la enunciación de significados y su
función devastadora sobre la realidad, haciendo desaparecer
todo mensaje en provecho de un motivo decorativo, en el cual la
infinidad de variaciones no produce más que una reproducción
infatigable de lo mismo.
Flux usa formas heredadas de la abstracción geométrica
modernista (círculo y línea), de una manera simplificada,
reducida a la edulcoración de los logos. Es éste uno
de los motivos característicos de la economía contemporánea,
que consiste en representar los movimientos, materiales e inmateriales,
de las masas. Al extraer esos fluidos de toda intención y
contexto, Closky logra que sus movimientos se conviertan en intransitivos
hasta el absurdo, pero muestra también cómo se erigen
en valor sin que sean cuestionadas las nociones de movilidad, de
adaptabilidad y de flexibilidad. Más allá de la superficie
lisa de esferas y vectores, lo fluido de ésta animación
tranquila, trasciende la violencia de una realidad sabiamente borrada
de unas representaciones siempre positivas: la violencia del borrado
de las causas y consecuencias posibles de esos cambios." François
Piron, Courtesy art-netart.com
Claude Closky es un artista plástico francés, nacido
en París en 1963. Como Pierre Huyghe, Claude Closky es un
antiguo estudiante de la Escuela Nacional Superior de Artes Decorativas
y miembro del colectivo de pintores "Les Frères Ripoulin",
que había trabajado con la figuración libre a principio
de los '80. Su obra actual es muy diferente y cubre casi todos los
ámbitos de las artes plásticas, desde el diseño
y la pintura, hasta internet o la creación de papel para
empapelar, pasando por la fotografía. En 1999, Claude Closky
recibió el Gran Premio Nacional de artes plásticas,
otorgado por el Ministerio de la Cultura francés. Es profesor
en la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes desde 1994.
Tony COKES: Leeds.talk.trailer
Vídeo | 0:04:00
EE.UU | 2008
Este video engloba una serie de anécdotas picantes sobre
las difíciles relaciones entre la crítica de arte
y la creación artística en el Reino Unido y Estados
Unidos entre los años 60 y 70. El vídeo se basa en
un artículo de "Leeds Talk" escrito por Andrew
Perchuk, historiador de arte de Los Angeles. Entre sus personajes
hay figuras célebres como Clement Greenberg, Michael Fried,
Charles Harrison, Rosalind Krauss, Artforum, October, con importantes
cameos de Morris Louis, Lynda Benglis o del fallecido escultor David
Smith, entre otros. El texto de Perchuk se presenta como una sucesión
de palabras en blanco aisladas sobre un fondo negro (quizás
como una cierta evocación de Michael Snow). La música
tecno de la banda sonora funciona como un fuerte contrapunto rítmico
frente a una animación gráfica muy sencilla.
Tony Cokes es un artista postconceptual cuyas obras sitúan
en primer plano la crítica social. Sus vídeos, instalaciones
y obras sonoras recontextualizan los materiales de los que se apropia,
con el fin de reflejarse de manera crítica sobre nuestra
producción como sujetos. Los vídeos y las instalaciones
multimedia de Cokes se han presentado en numerosas instituciones
de prestigio. Sus obras se han proyectado en otros tantos eventos
artísticos: Festival de cortometrajes de Oberhausen (Alemania,
1993, 2005); Festival Internacional de Cine de Rotterdam (Países
Bajos, 2001, 2006); Festival de Cine y Net Art de Seúl (Corea
del Sur, 2005) y en Les Rencontres Internationales Paris-Berlín-Madrid
(2003-2008).
Johanna DOMKE: Cuers
Vídeo | 0:18:05
Alemania | 2008
Cuers se inspira en el "Proceso" de Kafka y en el universo
fílmico de Orson Welles. El espectador es llevado en un viaje
por los espacios públicos en los cuales la gente debe sufrir
una larga espera. El individuo se presenta como un ser singular,
enfrentado a las estructuras del espacio público. El tiempo
y el espacio se disuelven en imágenes caleidoscópicas,
que subrayan con qué dificultad nos integramos en nuestro
ambiente, tanto física como mentalmente.
La práctica artística de Johanna Domke deriva de
observar de cerca las estructuras urbanas y la psicología
de los espacios públicos. Sus películas giran alrededor
de nuestra experiencia de la realidad y la tensión estética
entre lo público y lo privado. Se preocupa por las situaciones
reales, pero alterna entre la documentación y la puesta en
escena de esas situaciones. El posterior proceso técnico
del material reduce estas situaciones a fenómenos aislados,
que se mueven en la frontera entre el documental y la ficción
no narrativa. Tras estudiar en la Academia de Arte y Diseño
Muthesius en Kiel, Johanna Domke continuó sus estudios en
la Academia Real de Arte de Copenhage y la Academia de Arte de Malmö,
en Suecia, donde obtuvo su Máster en 2004. En 2003 recibió
el Premio ZKM International Media Art Award, el Premio de la Audiencia,
por su obra para un sólo canal "Let the wind blow"
y el Premio Brockmann de la Stadtgalerie de Kiel. En 2004 obtuvo
la beca Edstranska para graduados. Desde entonces, Domke ha expuesto
su trabajo en prestigiosas instituciones de arte, como el Casino
Luxemburgo, Göteborg Konstmuseum, el museo KIASMA de Arte Contemporáneo
en Helsinki y en festivales internacionales de cine, como el de
Oberhausen, el Festival de Cine de Locarno, la Videonale en el Bonner
Kunstmuseum y el VIPER de Basilea.
Niklas GOLDBACH: Dawn
Vídeo | 0:01:12
Alemania | 2008
"Dawn" fue filmada en el sótano del Palais de Tokio
en París. El Palais fue construido con destino a la Exposición
Universal de 1937. Aunque la fachada clásica de los años
'30 todavía se conserva, el interior pasó por toda
serie de modificaciones. En 2001, el edificio fue reconstruido por
completo. El vídeo muestra a unas sesenta personas inmóviles,
acostadas sobre sacos de dormir en el citado sótano, mientras
que una bola de espejos, como las de las discotecas, gira lentamente.
Niklas Goldbach nació en Witten (Alemania) en 1973. Estudió
fotografía en la Universidad de Bielefeld (Alemania) y artes
mediáticas y experimentales en la Universidad de las Artes
de Berlín, donde obtuvo su diploma en 2004, con la mención
de honor. En 2005, se especializó siguiendo el programa Integrated
Media Arts, del Master of Fine Arts del Hunter Collage, de la City
University de Nueva York. Todo ello, antes de proseguir sus estudios
en el tercer ciclo de la Universidad de las Artes de Berlín,
donde obtuvo su diploma de "Meisterschüler". Desde
2001, su obra se ha expuesto en museos y festivales de diversos
países: PAN (Pallazzo delle Arti), Nápoles, (2008);
XXV Festival de Cine y Vídeo de Kassel, Alemania (2008);
Festival Internacional de Cortos de Oberhausen, (2008); "Pavillon
07", en el Palais de Tokyo, París (2008); 58 Berlinale
(Berlin International Film Festival), (2008), entre otros.
JODI: GEOGOO
Net-art, instalación
Países Bajos | 2008
JODI explora nuestra representación del mundo en la era de
Internet y de Google. Servicios como Google Maps han cambiado radicalmente
nuestra percepción del espacio, al transformar la Tierra
en una inmensa superficie comercial. Al enfrentar las construcciones
geométricas de esos útiles en línea con la
realidad e, inversamente, superponiendo sus líneas de lecturas
y balizas, el lugar se transforma en punto de partida de una deriva
simbólica y misteriosa, en una red de asociaciones amplificadoras
y deconstructivistas que atraviesan la ciudad, con el espacio de
las redes y los datos. En GEOGOO, todo es susceptible de construir
un sentido, eso depende sólo de la capacidad del espectador
de desarmar y reconstruir. Y si no se puede reconfigurar, es suficiente
con contemplarlo, porque es sencillamente hermoso.
JoDi está formado por dos artistas, el holandés
Joan Hemmskerk y el belga Dirk Paesmans. Comenzaron con la fotografía
y el vídeo, y a mediados de los '90 fueron los primeros en
crear obras en línea. Exploran y subvierten las convenciones
de Internet, los programas informáticos y los videojuegos.
La obra de JoDi ha sido presentada en numerosas exposiciones internacionales
y festivales. Han obtenido el Premio Webby Award en la categoría
de Arte (UCSOB). Sus últimas exposiciones individuales incluyen:
INSTALL.EXE en Eyebeam, Nueva York, que se ha llevado como exposición
itinerante a Basilea y al BuroFriedrich de Berlín; y Computing
101B, en el FACT Centre de Liverpool, Reino Unido. Su obra se ha
expuesto en el Centro de Arte Contemporáneo de Glasgow y
en la Documenta X de Kassel, Alemania, entre otros lugares.
Thomas KÖNER: La Barca
Vídeo | 0:06:40
Alemania | 2009
"En una barca ella navega a través de las tierras del
pasado.
La proa de la barca brilla y el reflejo riela a popa iluminando
su pasaje invisible.
Llama a los espíritus de esta hora, y es así como
llegamos a oír su voz."
Thomas Köner nació en 1965. Artista multidisciplinar,
trabaja con instalaciones audiovisuales, sonido, vídeo, fotografía,
net art y performances en vivo. Sus obras pertenecen a las colecciones
de numerosos y prestigiosos museos. Entre los premios recibidos,
cabe citar: el Golden Nica, en Ars Electronica en 2004, el Premio
Transmediale en 2005 y el Golden Tiger Club, en el Festival de Cine
de Róterdam, en 2005.
Joan LEANDRE: In the Name of Kernel Series - Lonely Record
Sessions
Instalación video | 0:20:00
España | 2009
"Era un día muy luminoso con lento y tranquilo atardecer
en el valle, en el que se podía escuchar el propio latido
del corazón, respirar profundamente. Entonces habría
deseado que hubiera alguien allí, o al menos un rumor lejano
que pudiera hacerle entrar en calor". Era la crisis del yo,
un shock impuesto por nuestra biología (ahora que las cosas
han perdido su sentido común, la contemplación nos
mantiene unidos). El cambio de tiempo nos conduce a una guía
desposeída, al vacío espacial de habitaciones muertas.
Cuatro puntos de soledad y un estrecho corredor que deberíamos
tratar de encontrar cueste lo que cueste.
Joan Leandre nació en 1968. Vive y trabaja en Barcelona.
Traductor de medios de comunicación, miembro de los Archivos
OVNI desde 1994. Entre 1994 y 1996 ha trabajado en una serie de
interferencias mediáticas MAP (Mega Assemble Project), Fundación
Zero y Serial Monuments. Entre 1995 y 1997 trabajó en el
proyecto Oigo Rom. En 1999 volvió a trabajar en programas
de entretenimiento de masas y comenzó los proyectos Retroyou
(RC) y Retroyou (NostalG) y la larga serie, aún en curso,
Retroyou Nostalg2 y el Proyecto Black Boot.
Thomas LEON: High latency
Instalación vídeo | 0:12:00
Francia | 2008
Es una película sobre el tiempo y la experiencia de la obra.
La forma y la estructura del vídeo, la utilización
de medios digitales y del sonido infunden una tensión emocional
en un ambiente que carece de ella. Al ejecutar un travelling hacia
adelante, la cámara avanza por un paisaje nevado. El vídeo,
dividido en dos partes iguales, se articula sobre el centro, alrededor
del balanceo del eje de la cámara en dirección al
suelo. A partir de ese instante, la imagen pasa de la representación
de un espacio a una abstracción rítmica. Cuando la
cámara se vuelve a levantar, hemos vuelto al principio. Acompañan
al vídeo dos movimientos sonoros sucesivos, correspondientes
a ambas partes del mismo.
Thomas Leon nació en Dijon, Francia, en 1981. Actualmente
vive y trabaja en París. Sus obras giran, principalmente,
en torno al soporte en vídeo, bajo la forma de instalaciones
complejas y condensadas, en las fronteras de la narración.
Su obra se ha podido ver en las siguientes exposiciones: "Les
enfants du sabbat 07", en Creux de l'Enfer, Centro de Arte
Contemporáneo de Thiers (Francia), en 2006; "Multipolaire",
en la Halle 14 de Leipzig (Alemania), en 2006; "Filterbox"
en Glassbox (París), en 2006; "Le syndrome de Broadway",
en el Centro de Arte del Parque Saint-Léger en Pougues-les-Eaux
(Francia), en 2007; "Science et fiction" en la Manufactura
General, en 2008.
Antoni MUNTADAS: Stuttgart (for H.H.)
Instalación vídeo | dv | 0:09:11
EE.UU | 2006
"Stuttgart (for H.H.) presenta el logo de una empresa conocida,
simbolizando así un cierto standard de sofisticación
comercial, reconocible en todos los lugares del mundo y particularmente
portador de significado en el contexto alemán. Este logo
corona un espacio arquitectónico indefinido y gira lentamente
sobre su eje como si fuera un ojo fantástico o un radar que
lo vigila todo a su alrededor. La cámara que captura la imagen
se ha detenido y permanece en un estado de vigilancia dando lugar
a un loop aparentemente sin fin, una coreografía reiterativa
que nos permite ver de cerca a este símbolo, con una calidad
visual deliberadamente mala - típica del metraje CCTV. Por
ende, el logo comercial remplaza el edificio conmemorativo en su
rol de signo urbano y como punto referente para la memoria individual,
transformándose en el depósito de una forma de identidad
colectiva vinculada a los valores económicos y jerárquicos."
Valentín Roma
Examinando los medios de comunicación como un instrumento
de socialización y normalización, los vídeos
e instalaciones internacionalmente reconocidos de Antonio Muntadas
investigan los mensajes contradictorios proyectados por la prensa,
las transmisiones, la arquitectura y el lenguaje. A través
de su trabajo, Muntadas recontextualiza las imágenes para
provocar al espectador, para que re-piense el significado de los
mensajes, creando una brecha en la corriente de informaciones, uniformemente
construida, construída por los publicitarios para ser consumida
totalmente, sin ser analizada por el público. En Political
Advertisement (montada junto a Marshall Reese), Muntadas nos muestra
una tierra de manipulaciones, la tierra de la política en
la televisión. Su lectura se concentra en al mundo del arte
y presenta entrevistas que revelan las estructuras entretejidas
que delimitan cómo el arte comunica; cómo está
hecho, cómo es comprado y vendido.
Charly NIJENSOHN: Dead Forest - Amazonia (Storm)
Vídeo | dv |
0:04:38
Argentina / Brasil | 2009
Hace treinta años, el gobierno brasilero autorizó
la construcción del dique de Balbina, en el corazón
de la región amazónica, para poder proveer de energía
a la ciudad de Manaos. El resultado fue la creación del lago
artificial más grande de América del Sur, que inundó
una parte sustancial de la selva amazónica y obligó
a las tribus Waimiri y Atroari a abandonar sus tierras ancestrales.
Seres humanos perdidos en la inmensidad del horizonte, probando
la dureza de la naturaleza implacable, son una imagen del enfrentamiento
entre la condición humana y el universo indiferente.
Charly Nijensohn, nacido en Buenos Aires en 1966, vive y trabaja
en Berlín. Es fotógrafo y videoartista autodidacta.
Para poder mostrar las tensiones de la existencia humana en el universo,
escogió paisajes desolados y perdidos, como puesta en escena
poética de sus imágenes. En 1997 recibió la
beca de la fundación Antorchas para realizar "An Act
of Intensity" en el desierto de Atacama, y en 2001 una beca
del Banff Center for the Arts (Canadá), para trabajar con
un material grabado por él en el Polo Sur. Recibió
el Premio Konex Platino en 2002. Se instaló en Berlín
ese mismo año y representó a Argentina en la 50. Bienal
de Venecia, en 2003. En 2006, viajó al Polo Norte invitado
por el museo Uppernavik, para filmar "Beyond the end - The
polar Project" en Groenlandia. Posteriormente viajó
a Bolivia para filmar "The Wreck of Men" en las salinas
de Uyuni, en 2008. Nijensohn ha participado en diversas exposiciones
y bienales de arte, como la Bienal de Singapur en 2008, la Trienal
de Arte Contemporáneo de Praga en 2008, la Bienal del Fin
del Mundo en Usuhaia (Argentina) en 2007 y la Bienale de Valencia
en 2001.
Michael Takeo MAGRUDER: Data_plex (economy)
Net art, Instalación multimedia
Reino Unido | 2009
La serie de obras Data_plex utiliza la alimentación de datos
en vivo tomadas de situaciones de la vida real para generar geometría
tridimensional y texturas en tiempo real, creando mundos virtuales
que refractan en el mundo real un serie de fuerzas volátiles
y eternamente cambiantes.
Data_plex (economía): reflexiona sobre lo impredecible del
mercado global y las instituciones capitalistas que lo componen.
La obra se genera desde los datos en directo de un único
mercado, el más citado de los índices bursátiles:
el Dow Jones Industrial Average (DJI), recopilado a partir del precio
de las acciones de treinta de las mayores compañías
norteamericanas. Una estructura Java y VRML (Virtual Reality Modelling
Language) traduce este flujo de información en un paisaje
ciudadano metafórico, basado en la estética posmoderna
de los rascacielos y las cuadrículas urbanas. Estructuras
fantasmas del pasado reciente cambian junto a las manifestaciones
de las alzas y caídas históricos - la suerte de los
mercados expresada en colores y formas. Los elementos del mundo
virtual retroceden y fluyen con un ritmo errático. Grandes
volúmenes de capital cambian durante a lo largo del día
y al acabar, el mundo duerme anticipando la campana de apertura
del día siguiente.
Michael Takeo Magruder nació en 1974 en Estados Unidos.
Estudió Biología en la Universidad de Virginia. Ejerce
su actividad en el área de nuevos medios y de medios tecnológicos.
Actualmente ejerce como investigador en el departamento de nuevas
tecnologías y visualización del King's College, en
la Universidad de Londres, donde trabaja en la captación
del movimiento, los espacios inmersivos y los ambientes virtuales.
Su obra artística se ha presentado en más de 175 exposiciones
en 30 países: Instituto de Arte Courtauld de Londres; Centro
Georges Pompidou o en el Museo Metropolitano de Fotografía
de Tokio, entre otros. Su obra se ha presentado, también,
en festivales internacionales de nuevos medios como Cybersonica,
CYNETart, FILE, Filmwinter, SeNef, Siggraph en Split, VAD y WRO.
Ha recibido el apoyo de la Fundación Esmée Fairbairn,
del Art Council England, del National Endowment for the Arts en
Estados Unidos y de numerosos museos públicos en el Reino
Unido y el extranjero. Magruder es asimismo conocido por la creación
de obras en línea, con la realización de piezas para
webs de net art, como Turbulence.org o Soundtoys.net
Erik MOSKOWITZ, Amanda TRAGER: Cloud Cuckoo Land
Vídeo | 0:16:27
EE.UU | 2008
Cloud Cuckoo Land es una colaboración entre Erik Moskowitz
y Amanda Trager. El título está sacado de la obra
de Aristófanes "Los pájaros". En el siglo
IV antes de Cristo, la noción de utopía estaba ya
de moda, pero también era cuestionada. El relato habla del
traslado de una familia a una comunidad contemporánea. El
personaje central, Bianca, después de haber fantaseado durante
años sobre la mejor manera de educar a sus hijos además
de la idea fija y romántica sobre el "mejor" modo
de vida, se ve enfrentada a su propia intolerancia y a su incapacidad
para integrarse en la comunidad. El relato del vídeo, que
explota los medios cinematográficos clásicos como
el campo-contracampo, está destinado a la exposición
y a las galerías o museos, tanto como a los espacios cinematográficos.
Cloud Cuckoo Land critica los postulados clásicos sobre cómo
diferenciar espacio público y espacio privado.
Erik Moskowitz y Amanda Trager viven y trabajan entre Nueva York
y Canadá. Erik Moskowitz utiliza la relación entre
el cine y el espacio de la galería como punto de partida
para la instalación y las películas. Amanda Trager,
por su parte, fusiona pintura, escultura e instalaciones en relatos
de prosa autobiográficos. Más recientemente, Moskowitz
ha destacado por sus músicas e instalaciones de vídeo
basadas en fuentes literarias. Su trabajo se ha expuesto en el Momenta
Art, de Nueva York (2008); Freight and Volume, Nueva York (2006);
Holiday, Nueva York (2005); Le Sous Salon, de París (2005);
la "Exposition 5-31 Janvier 2009", en la Escuela Superior
de Bellas Artes de Cherbourg, Francia (2009); "Melodrama",
en la Galería Sara Meltzer de Nueva York (2008); Impakt,
Holanda(2007) y Antimatter, Canadá (2007 y 2006), entre otros.
El trabajo de Amanda Trager se ha podido ver en Momenta Art de Nueva
York (en 2001 y 2008), el Sous Salon de París (2005), la
Galería Clifford-Smith de Boston (1998), la Galería
Annika Sundvik de Nueva York (1996); en la "Exposition 5-31
Janvier 2009", de la Escuela Superior de Bellas Artes de Cherbourg,
Francia (2009); Tina B.-The Prague Contemporary Art Festival (2008);
el Open House en el Museo de Brooklyn (2004); el NextNext Visual
Art program en la Academia de Música de Brooklyn (2004);
la Galería White Box de Nueva York (1998) y la Galería
Feature (1996).
Josh MÜLLER: La construction du ciel
Instalación vídeo | 0:05:40
Alemania | 2001
La Construction du ciel puede interpretarse como una serie de imágenes
fijas. A pesar de algunas panorámicas, muy lentas, la impresión
que domina es la de calma e inmovilidad. Al principio vemos algunos
aviones en la pista de un aeropuerto, ocultos por una espesa niebla.
El edificio del aeropuerto desaparece también en la niebla.
Cuando la imagen se aclara, el paisaje se asemeja e un campo de
trigo. La cámara toma la torre y los aviones desde diferentes
ángulos. En un recorrido lento, llega hasta la pista. No
sucede nada más. El escenario permanece como una superficie
blanda para nuestras propias ensoñaciones. Sin embargo, sucede
algo en la banda sonora: un sonido electrónico, que podría
ser interpretado como el ruido abstracto de un motor, arroja un
zumbido a las imágenes, que cambian mínimamente con
las diferentes tomas de la cámara. El sonido complementa
lo que se muestra, en el sentido de que sugiere que ahí,
donde las imágenes muestran pasividad, existen diferencias
de percepción, auténticas y graduales - tanto en su
intensidad como en los mensajes que transmiten. (P. Grzonka)
Josh Müller nació en Alemania en 1973. Vive y trabaja
en Viena. Obtuvo una licenciatura por la Universidad de las Artes
Aplicadas. Su obra se ha presentado en galerías de arte y
exposiciones de todo el mundo: "this is what we did",
en el Palais Liechtenstein, de Feldkirch (2009);"multiplexed",
en la Event Gallery de Londres (2008); "collection", en
la Colección Fotográfica del Museo de la Universidad
de Alicante (2008); "I will", en el Kunsthalle Exnergasse
de Viena (2008); "A Matter of Fact", en Nest &DCR,
de La Haya (2007); "grounded", Event Gallery, Londres
(2007); "extension turn", en la Embajada austríaca
de Tokio (2005); "Living and working in Vienna", Nueva
York (2004); "Airplaines", FAD's Art Space, Tokio (2003);
"cutting the edge", en el Kunstbüro y la Feria Arco
de Madrid (2001).
Francis NARANJO: …agosto 2007…
Vídeo | 0:18:00
España | 2008
Este vídeo es el resultado de la colaboración entre
tres artistas de tres disciplinas creativas: imagen, por Francis
Naranjo; música, por José Manuel López López;
y texto, por Dionisio Cañas. "…Agosto 2007…"
es un encuentro de información visual, acústica y
poética, tres elementos que son combinados en una pantalla.
Los recursos narrativos de la imagen, de la música y de la
poesía son sincronizados por la emoción artística
y existencial. Las tres temporalidades son como un laberinto que
deja solo al espectador, sumergido por una pantalla blanca que no
es un fin sino un principio.
Francis Naranjo es un artista español nacido en Santa
María de Guía, en las Islas Canarias, en 1961. Realiza
vídeos e instalaciones. Ha realizado una exposición
personal en 2006, en Santiago de Chile. También fue presentado
en Arco de Madrid. Su trabajo desarrolla problemáticas relativas
a la sociedad de la información, altamente tecnológica,
en la que estamos controlados o donde controlamos, así como
a la globalización y a la utilización general de las
nuevas tecnologías. Sus obras han sido expuestas, entre otros
espacios, en la galería AFA de Santiago de Chile; en el Instituto
Cervantes de París; en la Ecoteca, Pescara, Italia; en Arte
Contemporáneo 108, Miami; en el MAC (Museo de Arte Contemporáneo),
Santiago de Chile; en la galería Vanguardia, Bilbao; en la
Casa de América, Madrid; en el CAAC (Centro Andaluz de Arte
Contemporáneo), Sevilla; en el Centro Atlántico de
Arte Moderno, Las Palmas de Gran Canaria, España; en el Kunstverein
Panitzsch, Leipzig; en la Bienal de Dakar y en el Círculo
de Bellas Artes de Madrid.
Benjamin NUEL: L'Hôtel
Game, Instalación multimedia
Francia | 2008
L'Hôtel es un videojuego, construido sobre la idea del FPS,
First Person Shooter, donde las armas han cedido el lugar a una
ausencia de hostilidad. Como un observador distante, el jugador
descubre entonces a los protagonistas de esta experiencia vídeo-lúdica,
con ocupaciones insólitas. Un terrorista toca el ukelele,
más allá otro dibuja en el espacio con el humo de
su cigarrillo. En un salón tan sólo alterado por el
sordo rumor de la chimenea, y tras una puerta vidriada, tres terroristas
juegan a las cartas. Una música acompaña constantemente
este extraño vagar. Guardando su mirada irónica y
en coherencia con sus vídeos anteriores, Benjamin Nuel nos
sitúa en l'Hôtel frente a una situación rocambolesca:
terroristas aterrorizados por el aburrimiento. El jugador asiste
impasible a sus conversaciones, descubre sus gestos, desvela tranquilamente
sus estrategias ocultas. Héroes desprovistos de sus objetivos
esperando un conflicto inexistente. (M. Balzerani).
Nacido en 1981, Benjamín Nuel, se diplomó en 2005
con la felicitación del jurado en el Arts Déco de
Estrasburgo y, en 2008, en el de Fresnoy, con mención. Fue
galardonado con una beca de la región Rhône Alpes,
por la película La fin du monde. Benjamin Nuel ha desarrollado
su trabajo artístico en el campo del vídeo y el cine.
Sus obras se han proyectado en el Festival de Locarno, el Festival
Nouveau Cinéma de Montreal o el Museo de Arte Moderno de
Saint-Etienne. Su reflexión se orienta hoy hacia formas de
narración no lineales, al utilizar la animación en
3D en tiempo real y los códigos de los videojuegos. L'Hôtel
es una obra digital. Inspirada en la mecánica y la estética
de los videojuegos de guerra, trabaja con la fascinación
de la curiosidad y la frustración en un universo anti-espectacular.
Nos asaltan, como en el resto de su producción artística,
preguntas sobre la utopía y la supervivencia, un cierto gusto
por la deriva y la voluntad de ocupar las rendijas, las zonas de
fricción entre los códigos y los géneros.
Hans OP DE BEECK: Celebration
Instalación vídeo | dv | 0:04:38
Bélgica | 2008
Con un áspero desierto como decorado, con rocas y cactus
al fondo, se celebra una boda o algún tipo de celebración.
Hace un calor insoportable.
La cámara está montada en un trípode. La escena
es un cuadro viviente en el cual no cambia ni la vista ni la imagen
de la estructura. El vídeo ofrece al espectador una vista
frontal de una mesa larga, adornada para una fiesta, con siente
camareros y dos chefs alineados en uniformes blancos e inmaculados.
Junto a la mesa, a la derecha, dos jóvenes camareras están
de pie con bandejas de vidrio y aperitivos.
Un viento suave arruga el mantel y las ropas. Los camareros y chefs
son muy diferentes en cuanto a apariencia y edad, jóvenes
y viejos, gordos y flacos. Todos posan sin moverse, mirando fijamente
en dirección al espectador. Frente a ellos, se despliega
un bodegón barroco con bandejas, vajilla y cubertería
de plata. Todo, desde la comida hasta las flores está ordenado
perfectamente. A la izquierda, en primer plano un anciano corpulento
vestido de traje está durmiendo la siesta sentado en una
silla.
El vídeo no tiene una línea narrativa evidente. El
calor, la comida podrida y la decoración nos revelan ya el
vacío que va quedando tras la fiesta corroyendo, así,
lo que debería ser un momento memorable. La escena de la
fiesta parece torpe y estúpida en comparación con
el paisaje imponente, sin tiempo, del fondo.
La imagen de chefs y camareros, comida, calor y paisaje contiene
en sí misma, también, el vacío y la tragedia
del fracaso de una fiesta, mostrando de qué forma podemos
mostrar nuestra propia mortalidad con este tipo de rituales.
Hans Op de Beeck nació en Turnhout (Bélgica) en 1969.
Hoy vive y trabaja en Bruselas.
Artista visual multidisciplinario, construye y pone en escena personajes
y situaciones en lugares ficticios, contemporáneos y urbanos,
que parecen al espectador extremamente familiares. Eso incluye lugares
solitarios propicios para reflexionar y, a la vez, espacios oscuros
de todo el mundo, poblados por personajes inciertos que nos dicen
cosas sobre la manera en que vivimos. El trabajo de Hans Op de Beeck
se ha exhibido en numerosas galerías y festivales: "Extensions
(part 2)", en la Galería Krinzinger de Shanghai (2008);
"Location (6)", en Westergasfabriek (Holland Festival),
de Ámsterdam (2008); "Extensions", Centraal Museum,
de Utrecht y la Galería Continua de San Gimignano, Italia
(2007); "Drawings", en la Galería Les Filles du
Calvaire de París (2006) y "In their minds... ",
en la Galería Nicole Klagsbrun, de Nueva York (2005), entre
otros.
Diego DEL POZO BARRIUSO: El topo y la anguila
Animación | dv | 0:05:02
España | 2007
"El topo y la anguila" es una película sobre el
intercambio, el trabajo efectivo y las relaciones entre la economía
y el afecto. Cuenta la historia de sendos grupos de clandestinos,
que han creado una economía diferente durante un período
de guerra. Los individuos que pertenecen a estos dos grupos eligen
vivir una existencia precaria, en el contexto de una economía
supuestamente abundante. Es, también, la historia de dos
grupos de personas anónimas que pertenecen a diferentes clases
y niveles de producción. Buscan acciones subjetivas por medio
de la liberación de la cadena de intercambios afectivos.
Diego Del Pozo Barriuso nació en Valladolid en 1974. Vive
y trabaja en Madrid. Estudió en las facultades de Bellas
Artes de Salamanca y Madrid, y también en la Gerrit Rietveld
Academie de Ámsterdam. Su obra se basa en su interés
por el afecto, el amor y el deseo, y por la forma en que dichas
emociones, asociadas a la experiencia subjetiva y privada, están
condicionadas por nuestro ambiente social, por el poder y por los
métodos de producción. Su trabajo se basa, asimismo,
en la idea de que los individuos interiorizan los mecanismos de
control social. Utilizando diferentes técnicas y medios -dibujo,
instalaciones, vídeo- nos enfrenta a una realidad en la cual
nuestros deseos, que creemos personales y privados, se revelan como
construcciones que incitan al consumo o al control social. Trabaja
asimismo con el grupo C.A.S.I.T.A. Su trabajo forma parte, entre
otras, de las colecciones del MUSAC de León y de DA2 en el
Centro de Arte Contemporáneo de Salamanca. Sus obras se han
proyectado en varias galerías y manifestaciones de arte contemporáneo,
como en "Sin Prometeo...", del Centro Cultural Montehermoso,
en Vitoria (2007); "La imagen más deseada", en
el Centro de Arte Contemporáneo de Salamanca (2006); "Horizonte
trascendente", Liquidación Espacio de Arte Total de
Madrid (2003); "Cuatro amantes, Cuatro inversiones", Centro
de Arte Joven de Madrid (2003). Ha participado asimismo en numerosas
exposiciones colectivas como: "Project (OR)", MAMA, Róterdam,
(2008); "Heterotopías", Oktogon of HFBK, Dresde
(2007); "Destino futuro" en el Real Jardín Botánico,
Madrid (2007) o "Terraplane blues" en La Casa Encendida
de Madrid (2006).
Noëlle PUJOL, Ludovic BUREL: Rien n'a été
fait
Documental | dv | 0:39:00
Francia | 2007
Neo-establecidos, nos hemos infiltrado clandestinamente en una fábrica.
Como en una base militar, una prisión o una caja fuerte con
sus puertas cerradas, nosotros habíamos estado durante muchos
años encerrados. De esta profundidad de campo temporal resulta
el efecto de sedimentación de materiales de la película
(una mezcla de Super 8, 16mm, Hi8, VHS y DV). En este cementerio
de máquinas -un museo imaginario donde apenas sobreviven
las fotografías de "nuestros ancestros, los robots"-
nos hemos ido transformando de manera progresiva en arqueólogos
amateurs o, según una cierta ciencia-ficción documentalista,
como supervivientes de la fábrica (Versión Solaris
más que El planeta de los simios.
Noëlle Pujol nació en 1972 en Saint-Girons, Francia.
Obtuvo un diploma de la Escuela Normal Superior de Bellas Artes
de París, y del Estudio Nacional de Artes Contemporáneas
Le Fresnoy, en Tourcoing, Francia. Su trabajo artístico explora
los ámbitos del cine documental y de la instalación
de vídeo. Sus obras se han exhibido en: Festival Internacional
de Cine Documental (FID) de Marsella; Festival Internacional de
Cine de Belfort, Francia; Doc11 de Milan; Festival Internacional
de Locarno. En 2008, realizó dos exposiciones personales
en la Galería del Triángulo de Rennes y en el ERBA
de Valencia. La obra de Noëlle Pujol se ha presentado en las
exposiciones del grupo Variations, en la Galería Les Filles
du Calvaire (París, 2007); en el pabellón francés
de la Exposición Universal de Aichi, (Japón, 2005);
"Ficcions documentals", en CaixaForum, Fundacio la Caixa,
de Barcelona (2004; "Sportivement vôtre", en Domaine
départemental de Chamarande (Francia, 2004); "From a
global world", en la Galería Ludovic de Wavrin, París,
(2003). Prepara actualmente su primer largometraje: Elles étaient
une fois monmon. (http://noellepujol.free.fr). Ludovic Burel nació
en Lille en 1968. Artista, profesor, editor, vive y trabaja en Grenoble.
De 2000 a 2005, codirigió la dirección artística
de la revista de cultura política "Multitudes".
En 2006, cofundó las ediciones it: (readit.fr). Además,
ha participado en la organización de una serie de eventos
ligados a la práctica del sonido y del vídeo en internet,
en el Centro Nacional de Arte Contemporáneo de Grenoble.
En 2008, ha participado en las exposiciones y manifestaciones siguientes:
"Ultramoderno", en el Centro de Arte Passerelle, en Brest;
"Valeurs croisées", en la Bienal de Arte Contemporáneo
de Rennes; "Carte Blanche à Noëlle Pujol &
Ludovic Burel", en la Universidad de París VIII, Saint-Denis;
el 19 Festival Internacional del Cartel y del Grafismo de Chaumont,
etc.
RYBN: Antidatamining III: WWSE
Net-art, Instalación multimedia
Francia | 2009
"Antidatamining" es un proyecto de investigación
en línea, basado en la recuperación de datos bursátiles
y financieros, así como de otros índices socioeconómicos.
Estos datos son archivados, clasificados y luego tratados mediante
cálculos algorítmicos propios del Data Mining. Los
datos se visualizan mediante escritos audiovisuales, y posteriormente
son alimentados y actualizados en tiempo real. El objetivo del proyecto
es predecir y mostrar los desequilibrios socioeconómicos,
e intentar establecer una cartografía general del desequilibrio.
RYbN es un colectivo artístico pluridisciplinario afincado
en París que se especializa en la realización de instalaciones,
performances e interfaces que hacen referencia tanto a los sistemas
codificados de la representación artística (pintura,
arquitectura, contra-cultura) como a los fenómenos humanos
y físicos (geopolítica, socio-economía, percepción
sensorial, sistemas cognitivos). Su obra ha sido expuesta en Skopie,
(Macedonia), en el Laboral de Gijón, en la Escuela de Diseño
Elisava de Barcelona, en los Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid,
el Teatro Kiasma de Helsinki, el Village Sonique (en el Parque de
la Villette, París), en ISEA06 (San José, EEUU), en
la Transmediale 06 (Berlín) y la Villette Numérique
04 de París).
Manuel SAIZ: Buffer
Vídeo| hdv |
0:03:00
España | 2008
El término "buffer" (tapón) se emplea en
informática para definir un espacio de memoria en el cual
la información es almacenada en espera de un proceso o de
una transferencia. El "buffer" recibe la información
de manera desorganizada y abrupta y la redistribuye en paquetes
bien ordenados, aptos para ser fácilmente manipulados. La
película describe el funcionamiento de un dispositivo arquitectónico
que ejecuta metafóricamente esa misma función, ordenando
seres humanos como simples datos por intermedio del desplazamiento
físico en el espacio. Ese mecanismo se refiere a situaciones
de la vida cotidiana en las que los habitantes de las grandes ciudades
interactúan con los servicios públicos. La escultura
representada muestra la estructura de base de esas situaciones.
Manuel Saiz es un artista visual que reside en Londres. Desde
mediados de los '80, ha expuesto sus esculturas, fotografías
y vídeos en galerías de arte y museos de todo el mundo.
Desde 1995, trabaja principalmente con el vídeo y las instalaciones
vídeo. Sus creaciones fueron presentadas en varios festivales
de cine, de arte y de vídeo, en particular en: Impakt de
Utrecht; VideoLisboa; Videoex en Zurích; International Kurz
Film Fest, de Hamburgo y la Transmediale en Berlin. Sus vídeoinstalaciones
se han mostrado en diversas galerías y espacios públicos.
Entre sus recientes exposiciones destacan: "Parallel Universes"
en la Galería Moriarty de Madrid; "Nominal Politics"
en el Espacio T1+2 de Londres, así como la exposición
colectiva "East End Academy", en la Whitechapel de Londres
o "Save the Day", en el Kunstbüro de Viena. Su cortometraje
"Being Luis Porcar" recibió el primer premio en
los Internationale Kurzfilmtage de Winterthur.
Avelino SALA: Arde lo que será (fuego camina conmigo)
Vídeo | dv | 0:01:36
España | 2006
Afirma Deleuze que la sociedad actual no teme al vacío, ni
a la penuria, ni a la escasez. Sólo teme a una cosa, el diluvio
derramado sobre la tierra: "Este es el drama. Encontramos algo
que se derrumba y no sabemos qué es. No responde a ningún
código, sino que huye por debajo de ellos". En este
sentido, el último proyecto de Avelino Sala está vinculado
a la presencia de la espectacularidad en la sociedad actual del
bienestar. Y para ello se sirve de una imagen que representa un
juego nocturnal donde un grupo de personas juega con un balón
inflamado. Un símbolo de la participación del artista,
no sólo en la sociedad, sino ante ella misma. Un grado ardiente
donde el fuego se convierte en una manera de escapar de lo accesorio
y de la limitación, sabiendo que es un juego peligroso porque
se han de cumplir ciertas reglas propias de la actividad del artista.
Como corresponde a la trayectoria de Avelino Sala en su work in
progress, vincula dos espacios de la multiplicidad, tanto por su
labor como productor, como por el planteamiento de una reflexión
acerca del vacío encontrado en el seno de nuestra sociedad.
Es la confabulación del tiempo que precisa de un cuerpo que
linda con la locura propia del capitalismo. Una proyección
de la necesidad de investigar día a día qué
se propone el artista en su vida. Esta asociación de la vida
y el arte corresponde a vislumbrar el juego y el fuego, es la aproximación
a las figuras que golpean un balón que arde, una metáfora
del espacio y el tiempo haciéndose presentes, paradójicamente,
al irse consumiendo. ¿Qué otra cosa señala
ese fuego presente cuando lo que queda es el humo? ¿En qué
deviene juego? Ante todo, como riesgo
Avelino Sala vive y trabaja en Gijón y Madrid. Estudia
en la Brighton University en Reino Unido. Funda y dirige la revista
Sublime, arte+cultura contemporáneo. Co-funda el espacio
de Arte independiente Subliminal Projects en Gijón. Colabora
con varias revistas y organizaciones en la difusión del Arte
actual. Exposiciones individuales: Galería MCO, Oporto, Portugal
(2006); Galería Raquel Ponce, Madrid (2006); Galería
Vostell, Berlín (2005); Espacio de arte contemporáneo,
Salamanca (2005); Salón Internacional de fotografía,
Gijón (2004); Galería Mario Sequeira, Braga (Portugal,
2003); Galería Sicart, Barcelona (2003), entre otros.
Alexander SCHELLOW: Still Lives
Animación | 0:03:36
Alemania / Reino Unido | 2007
"Still Lives" supone una tentativa de "retrabajar"
y reutilizar la memoria. El ejercicio no estriba en concentrarse
en esas experiencias cotidianas que atraen nuestra atención
sino, más bien, a la inversa. Se trata de trabajar sobre
la percepción involuntaria, aquello a lo que no habíamos
prestado atención, pero que sin embargo está grabado
en la memoria: un grupo de personas en el tren, una persona tras
una ventana, una escalera vacía. Alexander Schellow construye
una serie de treinta imágenes de 3 segundos, de un trayecto
del metro de Londres, unidas a modo de secuencia. Tres segundos
corresponden a la percepción del presente por la mente humana,
la unidad de memoria más pequeña, a partir de la cual
se definen el pasado y el futuro. La película reconstruye
ese momento, consensado al máximo.
Nacido en 1974 en Hannover, Alemania, Alexandre Schellow estudia
artes visuales en la Universidad de Artes de Berlín y en
la Escuela de Arte de Glasgow. Ha expuesto recientemente en Steirischer
Herbst, en Graz, una instalación de vídeo, y en el
Kunstmuseum de Stuttgart, con una exposición en solitario;
en el Centro Pompidou, con un curso impartido sobre live-mapping;
en la Bienal de Tesalónica, en la Galeria Ute Parduhn, en
el Kunstsammlungen Zwickau o en el Storefront for Art and Architecture
de Nueva York. Entre sus publicaciones se incluyen, aparte de los
catálogos del Kunstmuseum de Stuttgart y Kunstsammlungen
Zwickau, su libro-proyecto Storyboard y el DVD Still Lives en Londres,
así como sus contribuciones para Domus o Lichtungen. Entre
2007 y 2008 colabora en una performance teatral con David Weber-Krebs,
en Ámsterdam. Entre 2006 y 2007 fue residente de la Academia
Scloss Solitude en Stuttgart y en Pechstein. Vive en Berlín
y da clases en la Metropolitan University de Londres.
Corinna SCHNITT: About a world / Von einer Welt
Vídeo, 35mm |
0:09:34
Alemania | 2007
En "Von Einer Welt" ("Sobre un mundo"), el mundo
es un paisaje alpino idílico, formado por bosques y praderas.
Un hombre atraviesa a grandes zancadas el paisaje, en solitario.
En la escena siguiente, está de pie sobre una pradera, rodeado
por una docena de mujeres desnudas, acostadas sobre la hierba. Todas
están envueltas en sábanas. El hombre se acerca a
las mujeres una a una, a veces tiernamente y a veces de forma más
agresiva. Sus tentativas de entrar en contacto con ellas son, sin
embargo, vanas y no se produce ningún tipo de reacción.
Las mujeres parecen formar parte de la naturaleza, como si vinieran
de "otro mundo". Con sus dispositivos de puesta en escena
minimalistas, el artista abre un debate sobre las formas de la afasia
entre los sexos, entre el cuerpo y el intelecto, entre lo emocional
y lo racional, entre la naturaleza y la cultura, entre uno y otro
mundo.
Corinna Schnitt nació en Duisburg, Alemania. Estudió
arte y cine en la Universidad de Comunicación Visual de Offenbach,
y en la Academia de Arte de Düsseldorf.
AXEL STOCKBURGER: Goldfarmer
Vídeo sur moniteur
| 0:13:00
Austria | 2008
"Goldfarmer" pone de manifiesto la transformación
económica y cultural contemporánea a través
de la entrevista con alguien llamado "Goldfarmer", el
jugador más conocido de un juego online que genera ganancias
al jugar. El jugador se presenta de manera anónima mostrando
sobre su cara al avatar digital que utiliza en el juego. El fenómeno
goldfarming, que se ha convertido en una forma de trabajo -especialmente
en los países asiáticos-, es utilizado como modelo
de compromiso en la transformación de los límites
entre trabajo y juego, que parece predominar actualmente en los
paradigmas económicos de todas las áreas de la vida.
Licenciado por la Universidad de Artes Aplicadas de Viena y Londres,
Axel Stockburger es un artista y teórico que vive y trabaja
entre dichas ciudades. Sus obras e instalaciones se han expuesto
en todo el mundo. Entre los proyectos que ha comenzado, se encuentra
la cadena de televisión artística e independiente
TIV en Viena, en 1998. Ha colaborado, igualmente, entre 2002 y 2004
con el grupo artístico londinense, D-Fuse. Trabaja actualmente
en el departamento de artes visuales y digitales de la Academia
de las Artes de Viena.
Günter STÖGER: Exoearth
Instalación vídeo | 0:31:51
Austria | 2007
Lentamente a lo largo de la pantalla, se deslizan una serie de estructuras,
basadas en lo que queda de una antigua instalación militar,
en las salinas de Utah. Aparecen como plantadas sobre la planicie
de un espacio simulado. El plano horizontal divide el cuadro en
dos espacios iguales y funciona como un conector entre lentas sobreimpresiones.
Un estímulo bajo y contínuo provoca una cierta inestabilidad
en la percepción y se pone en evidencia una transformación
en símbolos, de los patrones iniciales.
Günter Stöger, artista y cineasta nacido en 1970, estudió
cine e ingeniería de sonido. En los últimos años
está ocupado sobre todo en la investigación de la
percepción, que descoloca tanto al espectador como al objeto
de observación, en diferentes escenarios, donde no resultan
obvias las referencias comunes, y los elementos que ayudan a la
percepción se encuentran, a menudo, ausentes.
UBERMORGEN.COM: Black n White: P’retty Ugly
Net art, installation
Austria | 2009
"Nuestra intención es trabajar exclusivamente con el
pixel como idea y como material bruto. El pixel es nuestra pintura,
nuestra madera o nuestra piedra, el lenguaje HTML nuestro pincel
o nuestro destornillador y el navegador es, a la vez, el lienzo
y el museo.
Partimos de objetos artísticos conceptuales ya conocidos
de Judd, Lewitt, Graham, Haacke, Irwin, etc., para conseguir remakes
digitales que nos sirven de reglas visuales."
Ubermorgen es un dúo artístico creado en Viena,
Austria, por Lizvlx y Hans Bernhard, uno de los fundadores de etoy.
Tras Übermorgen encontramos una de las identidades más
controvertida e iconoclasta de la vanguardia del tecno-arte europeo
contemporáneo. Sus circuitos abiertos de arte conceptual,
dibujos, arte digital, pintura con píxeles, instalaciones
de ordenadores, net art, escultura y activismo digital (pirateo
de medios), transforma su marca en una obra híbrida de arte
colectivo. Su obra se ha mostrado numerosas veces en Ars Electrónica,
en la Transmediale y en Viper. Han expuesto, además, en el
Museo de Arte Contemporáneo de Tokio, C3 Budapest, SFMoMa,
Arco Madrid, Kunsthaus (Graz), Kunstlerhause (Viena), iMAL (Bruselas),
Art Fair (Basilea), PAN I Palazzo delle Arti (Nápoles), Bienal
de Sídney, Transmediale 08 (Berlín), New Museum/Rhizome
(Nueva York), en la Bienal del Fin del Mundo (Ushuaia, Argentina),
la Laboral (Gijón), Moca (Taipéi), el NTT ICC (Tokio)
o en Ars Electronica (Linz). Übermorgen ha obtenido el premio
Arco-Beep en 2008.
Lawrence WEINER: Turning Some Pages
Vídeo | 0:05:00
EE.UU | 2007
"Turning Some Pages" fue producido conjuntamente con una
edición limitada de la revista del mismo nombre del Howard
Smith Paper Group, un fabricante británico de papel. El hecho
de leer un libro da forma a la estructura de este diseño
en movimiento. Arreglos abstractos de formas e imágenes se
intercalan con enigmáticos aforismos. Hay flechas para indicarnos
cuándo girar la página.
Lawrence Weiner nació en el Bronx, en Nueva York, en 1942.
Actualmente vive y trabaja en dicha ciudad. Personaje clave del
arte conceptual, Lawrence Weiner exploró durante mucho tiempo
el lenguaje y los procesos de creación artística.
En sus recientes obras digitales, Weiner usa dibujos animados y
epigramas que interactúan en un lenguaje simbólico.
Esos sistemas visuales y lingüísticos toman, a fin de
cuentas, un sentido narrativo provocador.
Ha recibido numerosas premios y becas, y sus obras se han expuesto
en todo el mundo. |
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