Programme Paris 2020
14h00 14h15 16h00 16h15 18h00 20h00
samedi

29 fév.
14h00

Projection
Auditorium du Louvre
Rue de Rivoli - 75001 Paris / Métro: Palais-Royal Musée du Louvre, lignes 1 et 7 / Pyramides, ligne 14
Entrée libre dans la limite des places disponibles, réservation recommandée
Pass et accréditation: accès prioritaire sans réservation



"Post société"

Soren Thilo funder: The Watchers of Malheur (TWEET TWEET) | Fiction expérimentale | 4k | couleur | 22:5 | USA / Denmark | 2019 voir plus
Greta alfaro: He Had Got Certain Vibes | Vidéo | hdv | couleur | 2:31 | Royaume-Uni / Spain | 2019 voir plus
Lina selander, Oscar Mangione: Överföringsdiagram nr 2 | Film expérimental | 16mm | couleur | 10:30 | Suède | 2019 voir plus
Christin berg: Stille Ab Hier | Doc. expérimental | 4k | couleur | 11:31 | Allemagne | 2019 voir plus
Katja pratschke, Gusztáv Hámos: Cities (Territories & Occupation) | Doc. expérimental | 4k | couleur et n&b | 29:50 | Allemagne | 2019 voir plus
Stijn demeulenaere, Jan Locus: Murmur | Doc. expérimental | 4k | noir et blanc | 10:21 | Belgique | 2019 voir plus
Soren Thilo funder
The Watchers of Malheur (TWEET TWEET)
Fiction expérimentale | 4k | couleur | 22:5 | USA | 2019

A series of intense political events at a wildlife reserve in Oregon USA are the focus of The Watchers of Malheur (TWEET TWEET). The work combines reportage with speculative fiction, political events with extended periods of waiting, wild nature with a digital sensory apparatus, and filmic construction with virtual transience. Photo-realistic camouflage, a motion capture studio with a horse and a Berlingo car, vast expanses of the American landscape, fetishized optic tech, and a pitiable animated Twitter bird are just a few of the many layers that comprise the transrealistic story of armed combat between ornithologists and militia members on the borders of the Malheur National Wildlife Refuge.


Soren Thilo Funder is a visual artist working primarily with video and installation. His works are mash-ups of popular fictions, cultural tropes and socio-political situations, projections and histories. They are narrative constructions insisting on new meaning forming in the thin membrane negotiating fictions from realities. Invested in written and unwritten histories, the paradoxes of societal engagement and a need for new nonlinear narratives, Thilo Funder proposes spaces for awry temporal, political and recollective encounters. Soren Thilo Funder has an MA from the Royal Danish Academy of Fine Arts and The School of Art and Architecture at the University of Illinois at Chicago. He is currently a Research Fellow at The Art Academy - Department of Contemporary Art, University of Bergen. He has been artist-in-residence at ISCP in New York, Künstlerhaus Bethanien in Berlin, SOMA in Mexico City, Townhouse Gallery in Cairo, Frankfurter Kunstverein in Frankfurt and Platform Garanti in Istanbul. Previous exhibitions include solo presentations at Turku Museum of Art, Museum of Contemporary Art Zagreb, Tranen Contemporary Art Center, Overgaden – Institute for Contemporary Art and Den Frie - Centre for Contemporary Art, Copenhagen, as well as the duo show “Little Lies” with David Claerbout at Yarat Contemporary Art Centre. He was furthermore represented at the 19th Biennale of Sydney, eva International Biennial of Visual Art - “After The Future”, 12th Istanbul Biennial, Manifesta 8 – Parallel Events and 6th International Liverpool Biennial.

Greta alfaro
He Had Got Certain Vibes
Vidéo | hdv | couleur | 2:31 | Royaume-Uni | 2019

One still life of the 20th Century. Poverty, mental health, media and magic. The fragility and drama of the everyday and domesticity.


Greta Alfaro (Spain, 1977) is a visual artist. Her solo exhibitions include Decimocuarta estación (2019) at the Fundación BBVA, Madrid; In Ictu Oculi (2019) at the Flint Institute of Arts, Michigan; El cataclismo nos alcanzará impávidos (2015) and European DarkRoom (2014) at Galería Rosa Santos, Valencia; Still Life with Books (2014) at Artium, Vitoria; In Praise of the Beast (2013) at Hiroshima City Museum of Contemporary Art, Japan; and Invención (2012) at Ex Teresa, Mexico City. Among her other solo site-specific projects are I Will Not Hesitate to React Spiritually (2019), with Roaming Room, and A Very Crafty and Tricky Contrivance (2012), with Genesis Foundation, both in London, and Comedias a honor y gloria (2016) in La Gallera, Valencia. She has taken part in numerous group shows and festivals in venues like the Whitechapel Gallery, Institute of Contemporary Arts and Saatchi Gallery in London; Centro Cultural Banco do Brasil in Brasilia; The Bass Museum of Art in Miami; the Conciergerie in Paris; Künstlerhaus Bethanien in Berlin; La Casa Encendida in Madrid or the International Film Festival Rotterdam.

Lina selander, Oscar Mangione
Överföringsdiagram nr 2
Film expérimental | 16mm | couleur | 10:30 | Suède | 2019

Man sees himself as nature’s interpreter and tamer. But nature does not care about meaning, and its power cannot actually be controlled. It therefore remains silent in the face of man’s increasingly reckless experiment, the catastrophic effects of which will ultimately afflict man himself. The camera follows a panda at Schönbrunner Zoo surrounded by pictures of the Great Wall of China. Silently the panda holds a bamboo brush to paper, makes some marks with ink—pictures—and is rewarded with carrots. How shall we interpret this artistic gesture? The video proceeds to a control room at a never-used nuclear power plant that illustrates yet another despotic panorama, one with the same silence and latent violence. The images are transferred from one context to another, created and recreated in relation to one another. To question what it means is only human, but in the long run probably irrelevant. Text: Lisa Rosendahl


Lina Selander (b. 1973 in Stockholm) lives and works in Stockholm, Sweden. Selander’s films and installations can be read as compositions or thought models, where ideas and conditions are explored and weighed. She examines relationships between memory and perception, photography and film, and language and image. Lina Selander’s solo shows include Kunst Haus Wien; Argos – Centre for Art and Media, Brussels; Iniva, London; Moderna Museet, Stockholm; VOX – Centre de l’image contemporaine, Montréal. She was the Swedish representative at the Venice Biennale 2015. A selection of her group shows include: The Kyiv Biennale 2015; Seoul Media City Biennale 2014; Manifesta 2012 in Belgium. ++++ Oscar Mangione (b. 1971) works with Lina Selander and has participated with her in several exhibitions. From 2006 to 2012 he edited and wrote for the magazine and art project Geist and took part in numerous exhibitions, performances and projects in venues such as the Reykjavík Arts Festival, the Museum of Modern Art in Stockholm and the Venice Biennale.

Christin berg
Stille Ab Hier
Doc. expérimental | 4k | couleur | 11:31 | Allemagne | 2019

From now on silence is a short film in which we observe characters who wander through empty building complexes of a city. They are the survivors of a time that is not separated from their places. Auras and real people blur into a questionable constellation of figures. The venues are office buildings and a disused theatre before its imminent demolition. Obscure moments of encounters and the return of walking and coming alternate. Silence from here observes these sceneries and is thus a contemporary document of a place that no longer exists.


Born in Berlin, Germany. 1982. Christin Berg graduated as Meisterschülerin of film in 2015 of Städelschule. She studied at UCL, Slade fine art media department 2013-2014. 2008 Diplom in Scenography and Set Design from the University of Applied Sciences and Arts Hanover.

Katja pratschke, Gusztáv Hámos
Cities (Territories & Occupation)
Doc. expérimental | 4k | couleur et n&b | 29:50 | Allemagne | 2019

Cities (Territories & Occupation) is about "the city" divided into districts, neighborhoods, zones and domains, marked by inner-city borderlines. The film investigates how cities emerge and change through inclusion and exclusion, migration, decay, destruction, demolition, relocation, displacement. Urban territories, districts are characterized by different social processes, business relationships, power relations, private affairs. We wonder how urban territories are formed and why they change? Who controls the city or how do the inhabitants create free spaces? Who owns the city?


Gusztáv Hámos, born in Budapest, lives in Berlin, is a media artist, curator and author. His oeuvre includes video, film, photography and installation and has been exhibited at Documenta, Biennale Venice, ZKM Karlsruhe, Ludwig Muzeum Budapest. His videos and films have been shown at Tate Modern London, SFMOMA, Videobrasil Sao Paulo, Palais de Tokyo Paris, Ernst Muzeum Budapest and Art Basel Miami. His work is in the Collections of The Museum of Modern Art NY, Centre Georges Pompidou Paris, Múzeum Ludwig Budapest, NBK Berlin and ZKM Karlsruhe. Katja Pratschke, is a media artist, curator and since 2006 has organised photofilm seasons with Gusztáv Hámos with whom she has collaborated since 1998. Her films and installations have been shown at Ludwig Muzeum Budapest, Akademie der Künste Berlin, IndieLisboa and the 63th Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia. She has received various awards and grants: german short film award, travel grant of the Hessische Kulturstiftung, Artist-in-Residence Istanbul, Dhaka, Venice and Kolkata.

Stijn demeulenaere, Jan Locus
Murmur
Doc. expérimental | 4k | noir et blanc | 10:21 | Belgique | 2019

Brussels was built on a swamp. Today, only one tiny part of Brussels is still officially a swamp. Although continually threatened by development the area stayed intact, largely due to being ensnared between two railroad tracks. Further enclosed by high-rise social housing and industrial areas just behind these railroads, the swamp is a mix of damp prairies and patches of bushes and trees. It’s home to a lot of small wildlife such as birds, rodents, bats, amphibians and even ringed snakes. A small green oasis, in the middle of a concrete landscape. Murmur is a collaboration between film maker Jan Locus and sound artist Stijn Demeulenaere. Just before first light, Jan and Stijn recorded the dawn chorus at the swamp. The city drone permeates the sound of the swamp, and a strange mix enfolds between the sound of an awakening nature and a human presence. Urban drone and bird song merge into an (un)familiar murmur presence in the twilight hour of the morning.


JAN LOCUS The long-term projects of photographer and filmmaker Jan Locus study the complexity of worldwide, socio-political issues. He had exhibitions at FOMU Antwerp, Noorderlicht Photo Festival Groningen, Iklectik Art Lab London, De Brakke Grond Amsterdam, and Les Rencontres d’Arles. His photography books include “Mongolia”, “De Bewegende Stad”, and “Devoted.” Jans films have been shown at film festivals including IFFR Rotterdam, DokFest Kassel and International Short Film Festival Oberhausen. He lives and works in Brussels. STIJN DEMEULENAERE Stijn Demeulenaere is sound artist and field recordist. He creates installations, soundscapes, performances, and does sound design for dance and theatre. Stijn researches the relationship between identity, sound and listening. His work was shown at, among others, Concertgebouw Bruges, NIMk (NL), Den Frie (DK), STUK (BE), Kaaitheater (BE), New adventures in Sound Art (CA), and IFFR Rotterdam. His work was nominated for the LOOP Discovery Award, the European Sound Art Award, and it won prizes at the Engine Room International Sound Art Award and the Musica Soundscape Award. He lives and works in Brussels.


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Soren Thilo Funder combine reportage et fiction spéculative, en retraçant l’occupation en 2016 d’une réserve ornithologique de l’Oregon par des milices armées d’extrême droite. Greta Alfaro réalise une nature morte contemporaine, métaphore de la fragilité de la vie quotidienne et de la pauvreté. Lina Selander et Oscar Mangione passent d’un zoo à la salle de commande d’une centrale nucléaire. L’homme considère qu’il est l’interprète et le dompteur de la nature, mais la nature ne se soucie pas des interprétations. Christin Berg traverse des bâtiments berlinois destinés à la destruction. Katja Pratschke et Gusztáv Hámos explorent des villes – Hambourg, Istanbul, Delhi –, qui deviennent lieux d’une exploration de territoires urbains, traversés par différents processus sociaux et relations de pouvoir, soumis au changement par l’inclusion et l’exclusion, les migrations, la destruction, les déplacements. Dans cette anticipation du futur, réalisée dans des villes contemporaines, la question est “à qui appartiennent les villes ?”. Stijn Demeulenaere et Jan Locus observent de nuit la dernière zone naturelle marécageuse de Bruxelles, enclavée entre constructions et voies ferrées. Dans ces marais, le son du biotope se mêle aux premiers signes de l’activité humaine.


samedi

29 fév.
14h15

Forum, artist talk
Auditorium du Louvre
Rue de Rivoli - 75001 Paris / Métro: Palais-Royal Musée du Louvre, lignes 1 et 7 / Pyramides, ligne 14
Entrée libre dans la limite des places disponibles, réservation recommandée
Pass et accréditation: accès prioritaire sans réservation



Focus Driessens & Verstappen

Erwin Driessens et Maria Verstappen présentent leur travail, un état de leur recherche et de leurs questionnement sur les processus numériques autonomes et auto-organisés.

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Au début de leur collaboration, Driessens & Verstappen se sont demandés s'il était possible d'automatiser la production d'art. Cette question apparemment simple est devenue une aventure, lorsqu'ils ont réalisé à quel point il est difficile d'aspirer à un art dans lequel des phénomènes spontanés sont générés systématiquement. Une pratique artistique qui n'est pas entièrement déterminée par les choix subjectifs d'un être humain, mais qui est plutôt créé par des processus opérant de manière autonome. Les processus auto-organisateurs de la nature constituent une source d'inspiration majeure : la dynamique complexe des processus physiques et chimiques et la vie organique qui produit continuellement de nouvelles formes. Ce sont principalement les processus décentralisés, les processus dits ascendants, qui retiennent l'attention. Les formes et les modèles ne sont pas organisés par une autorité centrale, mais par des interactions locales entre de nombreuses composantes décentralisées. Driessens & Verstappen observent ces processus en cours et les enregistrent. Dans d'autres œuvres, les transitions de forme sont créées en temps réel au moyen d'une machine. En plus de travailler avec des processus naturels, ils utilisent l'ordinateur pour programmer des processus numériques qui génèrent des mondes fictifs. Ces programmes expriment les structures internes d'une nature artificielle dans toutes ses variations, avec un haut degré de détail et souvent d'une grande beauté.

Le couple d'artistes Erwin Driessens (1963 Wessem) et Maria Verstappen (1964 Someren), basé à Amsterdam, travaille ensemble depuis 1990. Après leurs études à l'Académie des Beaux-Arts de Maastricht et à la Rijksakademie Amsterdam, ils ont développé ensemble une œuvre à multiples facettes composée de logiciels, de machines et d'objets. Leurs recherches se concentrent sur les possibilités que les algorithmes physiques, chimiques et informatiques peuvent offrir pour le développement de processus de génération d'images. Driessens & Verstappen a participé à de nombreuses expositions, notamment au Stedelijk Museum Amsterdam, au Museum Boijmans van Beuningen Rotterdam, au Centre Pompidou Paris, au Garage Museum Moscou, à l'IVAM Institute Valencia, au Museum Kröller-Müller Arnhem, à la Neue Pinakothek München, aux Abattoirs Toulouse, à Eyebeam New York et à la Science Gallery Dublin. Le couple donne des conférences et des présentations dans des universités, des académies d'art, des festivals et des conférences, e.a. Siggraph Los Angeles, Sonic Acts Amsterdam, Second Iteration Melbourne. En 1999 et 2001, leurs projets de robots chatouilleurs ont remporté le premier prix du VIDA, un concours international pour l'art et la vie artificielle. En 2013, le couple a reçu le prix Witteveen+Bos Art+technologie pour l'ensemble de son œuvre. Les artistes sont représentés par la galerie DAM à Berlin. Des informations sur leur travail sont disponibles à l'adresse suivante : www.driessensverstappen.nl


samedi

29 fév.
16h00

Projection
Auditorium du Louvre
Rue de Rivoli - 75001 Paris / Métro: Palais-Royal Musée du Louvre, lignes 1 et 7 / Pyramides, ligne 14
Entrée libre dans la limite des places disponibles, réservation recommandée
Pass et accréditation: accès prioritaire sans réservation



"Perdu dans l'espace"

Kirstin schmitt: Quítame la sal de encima | Vidéo | hdv | | 3:15 | Cuba / Nepal, Germany | 2019 voir plus
Wasim ghrioui: Military Blanket | Doc. expérimental | hdv | noir et blanc | 3:50 | Allemagne | 2017 voir plus
Victor missud: La forêt de l'espace | Doc. expérimental | hdv | couleur | 30:0 | France | 2019 voir plus
Enea zucchetti: L'azzurro del cielo | Film expérimental | 4k | couleur | 10:49 | Suisse / Italy | 2019 voir plus
Bhaskar Jyoti das, Waribam Dorendra: I Don't Want to Be Born Again for Poem | Doc. expérimental | hdv | couleur | 22:0 | Inde | 2019 voir plus
Sebastian diaz morales: Talk with Dust | Fiction expérimentale | 4k | couleur | 16:0 | Argentine | 2019 voir plus
Kirstin schmitt
Quítame la sal de encima
Vidéo | hdv | | 3:15 | Cuba | 2019

QUÍTAME LA SAL DE ENCIMA (original Spanish title) The video installation QUÍTAME LA SAL DE ENCIMA (englisch TAKE THE SALT OFF ME) takes a part in a group of works with called „MUNDO POR DELANTE - EL FUTURO NO ES NUESTRO“ which contains photographs, objects and video: THE WORLD AHEAD - The future is not ours; tales of anguish and perhaps some hopes... "And the day arrived that Ikú, the Death, after throwing down so many heads, got tired and did not want to knock down one more. So he went to see Olofi, the Creator, at his foam palace, giving him back his scepter of bone and dried flowers, he said: - „Agé Babá Olofi, since you invented the world and things, I am the one who keeps the last rest of your creatures. Even so, nobody thanks me, and to be honest, I?m tired of everyone running away from me, so I entrust that job to someone else.“ And without letting Olofi reply, he climbed to the top of a mountain and there ecstatic by the contemplation of nature, Ikú forgot the world. At first the Creator did not worry too much about the decision of the Death: „It will not be difficult for someone else to take his place," he told himself. But later he understood that he was wrong ... (Patakí - mythical Afrocuban parables of Yoruba origin) ___________SYNOPSIS - QUÍTAME LA SAL DE ENCIMA Blackout in Havana - Life in the eye of the cyclone ... At the first level, the video deals inductively with the effects of global climate change in the microcosm of everyday life. But basically it's a metaphor that seems to be exposed to circumstances that seem to be beyond our control. ___________KEYFACTS about CITA ME LA SAL DE ENCIMA Installation / video / documentary / dystopia / La Habana, Cuba / Spanish with english subtitles / Cuba 2020 / part of the ongoing exhibition project „MUNDO POR DELANTE“ / 2K / color / unpublished / Video is presented in the exhibition as a loop director & camera: Kirstin Schmitt producer: SAILOR´S YARN collective, Maren Schmitt & Kirstin Schmitt


German documentary filmmaker and photographer lives since 2006 in Berlin and Havana. After studying Visual Anthropology, Mesoamerican Studies and filmmaking in Germany and Cuba, she worked 2010-2014 as filmmaking professor in Luanda, Angola. Schmitt's long-term-projects focusing the impact of transition on individuals. Recurrent topics are premonitions and liminal stages. She captures everyday life miniatures, which she understands as confession of how we are dealing with meaning and meaninglessness of life. Characteristics of her work are the use of the environment as manifestations of inner landscapes and intimate encounters with the strength and vulnerability of her protagonists who often seem to have a presentiment of something, yet it still isn't tangible. Her award-winning photographs (1 place Sony Award, 1place IPA Awards, USA, Px3 etc.) and moving-images have been exhibited internationally at art fairs and festivals (Art Basel Miami-Scop art show, Somerset house London, Shanghai International Film Festival, Dok-Leipzig, SIPF-Singapore international photography festival etc.). She had solo- and collective exhibitions in both Americas, Africa Asia and Europa. Her work got published in a variety of international press like TimeLightbox, the guardian, Spiegel, Zeit online, Huffington Post etc.

Wasim ghrioui
Military Blanket
Doc. expérimental | hdv | noir et blanc | 3:50 | Allemagne | 2017

“Military Blanket” is going back to the memory of the day when my father died. It describes the bureaucracy of death, in a military hospital. Growing up is basically we slowly witness people we know dying around us. After my father died and the war started, I lost many people I know, but I chose to talk about the story of my father?s death, because death was still holy back then, death was capable of teaching me, death was the most incredible proof of life.


Wasim Ghrioui (b. 1981 Damascus, Syria) is a multidisciplinary artist working within visual art, writing, music, directing and filmmaking. Between 1998 - 2011 he worked full-time with mosaic art and participated in group and solo exhibitions in Syria, the Arab world and internationally. His current artistic emphasis lies on autobiographical writing, taking the shape of experimental theater as well as filmmaking. Ghrioui lives and works in Berlin since 2013.

Victor missud
La forêt de l'espace
Doc. expérimental | hdv | couleur | 30:0 | France | 2019

Des hommes, envoyés sur la Lune pour la végétaliser, attendent l’arrivée des terriens. Au milieu de la forêt qu’ils ont fait grandir, ils racontent leurs souvenirs de leurs vies sur Terre et le monde dans lequel ils aimeraient pouvoir vivre. Mais qui sont ces hommes ? Sont-ils réels ? Ont-ils été oubliés ?

Originaire de Toulouse, Victor Missud se forme au cinéma à l’université Sorbonne Nouvelle de Paris et à la Escola Superior de Teatro e Cinema de Lisbonne, où il réalise des courts-métrages documentaires expérimentaux autoproduits. Son dernier film, À qui le monde (en production, co­réalisé avec Marina Russo Villani), est lauréat de la bourse Brouillon d’un rêve documentaire de la SCAM, de la Résidence d?écriture de Saint-Quirin et du nouvel Accompagnement aux VFX du CNC.

Enea zucchetti
L'azzurro del cielo
Film expérimental | 4k | couleur | 10:49 | Suisse | 2019

A silent city, mysteriously devoid of inhabitants, is crossed by a man who has come from a faraway country. The anonymised architecture that composes the urban landscape guides the person into an inaccessible space, the city cemetery, which will make him reflect on his own identity.


Enea Zucchetti was born in Lugano in 1996. Since childhood he has developed a strong interest in cinema and visual arts. In 2017 he moved to Milan where, influenced by the language of documentary and photography, he began to experiment with the image through audiovisual projects. Currently his artistic research touches on the themes of architecture, urban planning and contemporary landscape. His first short film, "L?azzurro del cielo", was selected at the 72nd Locarno Festival and other national and international film festivals.

Bhaskar Jyoti das, Waribam Dorendra
I Don't Want to Be Born Again for Poem
Doc. expérimental | hdv | couleur | 22:0 | Inde | 2019

During 1970’s and 80’s there were many revolutionary uprising happening, near and far, all around the world. In this period, amidst this protest and revolutionary uprising, a poet symbolically expresses his feelings to capture the complexity of human existence. Constant financial pressure in his family life is also evident in his words. At one point, words become distorted and absurd. One evening, the poet, Abani Chakravarty disappears and left many confusions.


we are two Directors 1. Bhaskar Jyoti Das, I am currently based in Assam. I’m an independent film maker and Screenplay writer. Recently two of my scripted feature films got Best film award, one, in Los Angeles Indian Film Festivals 2017, “SONAR BORON PAKHI”, another in MAMI 2016, india,”HANDUK” and National Film Award 2016. Last 10 yrs I worked for 3 UCLA projects under a professor from University of California, LA, USA. 2. Waribam Dorendra, studied basic film making in his native state of Assam in India. He explored film making process for some years with a mini DV camera. He has edited few short and long, video and documentaries of his fellow native filmmakers. He has worked with a new media group called Desire Machine Collective from 2007 till 2010 on a project called "periferry" in Guwahati city. He has made many short and long videos and documentaries since the year 2007. He finds cinema as a tool to reflect upon life as well as playful desire.

Sebastian diaz morales
Talk with Dust
Fiction expérimentale | 4k | couleur | 16:0 | Argentine | 2019

The serie Talk with Dust is composed of 8 video works and explores the idea of the fantastic or extraordinary. This fantastic is not the one that interrupts the ordinary course of things but rather that which is at once strange and present, at the same time its contradiction and its confirmation. The protagonist of a last sequence is a dog. Wandering through a semi deserted landscape, it encounters different situations that leads him to question what he sees, understands or knows. The sequence never completes a narrative. It is also fragmented into parts, which seem disconnected from a story. Therefore the script also pictures only fragments of what could be the entire movie or narrative.


Sebastian Diaz Morales (Comodoro Rivadavia, Argentina, 1975) studied both in Argentina and at the Rijksakademie in Amsterdam. Morales’s video work blurs fiction and documentary genres and has been screened extensively at in museum, gallery and festival context and his work has been supported by a number of grants and awards including the Guggenheim Fellowship in 2009. With its spliced footage and stills and jumbled observations, his work follows the tradition of Latin-American narrative film. Morales plays with the structure of narrative within his work, typically documenting and constructing journeys that explore social and political concerns.


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A l’approche d’un cyclone à la Havane, Kirstin Schmitt filme le moment d’une coupure électrique dans le microcosme d’une maison, prémonition d’un monde qui sera un jour hors de contrôle. Wasim Ghrioui évoque la mort de son père et une époque, celle d’avant la guerre, où la mort des proches pouvait encore enseigner quelque chose d’humain. Victor Missud filme des hommes, envoyés sur la Lune pour la végétaliser. Ils attendent l’arrivée des Terriens. Au milieu de la forêt qu’ils ont fait grandir, ils racontent les souvenirs de leur vie sur terrestre et le monde dans lequel ils aimeraient vivre. Enea Zucchetti parcourt une ville silencieuse, traversée par un homme qui découvre le cimetière San Cataldo de Modène, conçue par l’architecte Aldo Rossi comme une ville pour les morts, une ville imaginaire faite de bâtiments sans vie. Bhaskar Jyoti Das et Waribam Dorendra évoquent la vie du poète Abani Chakravarty, qui avait cru à la force des mots lors des soulèvements en Inde des années 70 et 80. Les mots devenus absurdes, le poète a disparu sans laisser de traces, le 12 novembre 1994. Sebastian Diaz Morales interroge le fantastique, celui qui fait irruption dans le réel, et qui semble à la fois le confirmer et le contredire, et questionne les processus mêmes de la perception et de la narration.


samedi

29 fév.
16h15

Forum
Auditorium du Louvre
Rue de Rivoli - 75001 Paris / Métro: Palais-Royal Musée du Louvre, lignes 1 et 7 / Pyramides, ligne 14
Entrée libre dans la limite des places disponibles, réservation recommandée
Pass et accréditation: accès prioritaire sans réservation



Table ronde 2/3

Les Rencontres Internationales invitent des artistes, chercheurs, directeurs de centres d’art et de musées, pour partager leur expérience et leurs réflexions sur les changements en cours et à venir dans leurs domaines, et sur leurs enjeux.
Chaque table ronde sera l'occasion d'envisager les expériences et réflexions liées aux pratiques professionnelles de chaque participant, dans une perspective critique. Il sera question d'allers et retours entre projets récents ou en cours, et de prospectives liées aux questions de production, d'accompagnement des artistes, de présentation des œuvres et d'exposition.
En 2050, nous devrions être sortis de l'ère actuelle et, peut-être, de ses périls annoncés. Quels changements et quelles conséquences cela devrait-il signifier dans le champ d'activité de chaque participant ?
Les discussions seront basées sur l'expérience et le point de vue de chaque intervenant, avec des exemples concrets, laissant une place importante à l'interaction et aux échanges avec le public. Les discussions seront basées sur l'expérience et le point de vue de chaque intervenant, avec des exemples concrets, laissant une place importante à l'interaction et aux échanges avec le public.

Intervenants :

Nuno Rodrigues
- Directeur, Festival Curtas Vila Do Conde, Portugal
Karen Verschooren - Curatrice, STUK - House for Dance, Image and Sound, Belgique
Carly Whitefield - Curatrice, Tate Modern, Royaume-Uni

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samedi

29 fév.
18h00

Séance spéciale
Auditorium du Louvre
Rue de Rivoli - 75001 Paris / Métro: Palais-Royal Musée du Louvre, lignes 1 et 7 / Pyramides, ligne 14
Entrée libre dans la limite des places disponibles, réservation recommandée
Pass et accréditation: accès prioritaire sans réservation



Carte blanche à Mark Lewis

Mark Lewis, en conversation avec Craig Burnett.

Figures in A Landscape (After Lucas Signorelli), 2019 (1 min 45secs)
Snowstorm at Robarts Library, 2015 (10 mins)
Black Mirror at the National Gallery, 2011 (7mins 15secs)
The Moving Image, 2011 (1min 20secs)
Things seen, 2017 (5 mins)
Valley, 2017 (11 mins 20 secs)
Museum, 2018 (10 mins 53secs)
City Part 2, 2019 (11 min 44 secs)

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Les films courts de Mark Lewis s’inspirent de l’histoire et des conventions du cinéma et de la tradition picturale de l’art occidental. Si le cinéma est structuré par la narration, et une photographie ou une peinture par son cadre et sa composition, un film de Mark Lewis est structuré par sa durée, et joue avec l’anticipation d’un événement par le spectateur, ou une composition stable. Lewis présente ses films comme des boucles, révélant de nouvelles informations et compositions au fil du temps, sans qu’il y ait d’événement déterminant ou d’image fixe. Craig Burnett accompagnera Mark Lewis dans une conversation sur une sélection de films de l’artiste, en se concentrant en particulier sur l’influence de la peinture occidentale dans sa pratique filmique.

Craig Burnett est l’auteur de “Jeff Wall” (2005), “Philip Guston : The Studio” (2014 / 2020) et “Bucolic Stop” (poèmes, 2019). Il a écrit des essais sur l’art contemporain, notamment récemment sur Luca Bertolo, Emma Hart, Michael Simpson, John Stezaker et Stephen Waddell, entre autres.

samedi

29 fév.
20h00

Projection + performance
Auditorium du Louvre
Rue de Rivoli - 75001 Paris / Métro: Palais-Royal Musée du Louvre, lignes 1 et 7 / Pyramides, ligne 14
Entrée libre dans la limite des places disponibles, réservation recommandée
Pass et accréditation: accès prioritaire sans réservation



"Étoiles vagues"

Shelly silver: A Tiny Place That is Hard to Touch | Fiction expérimentale | hdv | couleur | 39:40 | Japon / USA | 2019 voir plus
smith: Les Apocalyptiques | Fiction expérimentale | hdv | noir et blanc | 20:0 | France | 2019 voir plus
Mauro santini: Megrez (Vaghe stelle) | Vidéo | 4k | couleur | 7:20 | Italie | 2019 voir plus
Daan couzijn: Blood | Performance | 0 | | 5:0 | Pays-Bas | 0 voir plus
Shelly silver
A Tiny Place That is Hard to Touch
Fiction expérimentale | hdv | couleur | 39:40 | Japon | 2019

In a faceless apartment in Tatekawa, Tokyo, an American woman hires a Japanese woman to translate interviews about Japan’s declining birthrate. The American woman is presumptuous in her knowledge of Japan; the Japanese woman suffers from a self-professed excess of critical distance. They grate, fight, and crash together in love or lust, at which point their story gets hijacked into science fiction territory, as the translator interrupts their work sessions with stories from a world infected with the knowledge of its own demise. This neighborhood has already known devastation, having been wiped out the night of 9 March 1945 by American bombs. The third protagonist is the Tatekawa itself, the canal covered by an elevated highway that runs past the translator’s apartment, which gives the neighborhood its name. Reflecting back the concrete world in distorted patterns of blue, green, or glittering black, the Tatekawa transports a shifting procession of birds, shoes, condoms, crabs, plastic bags, flowers, big fish, little fish, death, life.


Shelly Silver is a New York based artist working with the still and moving image. Her work explores contested territories between public and private, narrative and documentary, and--increasingly in recent years--the watcher and the watched. She has exhibited worldwide, including at the Museum of Modern Art in New York, Tate Modern, Centre Georges Pompidou, the Museum of Contemporary Art in Los Angeles, the Yokohama Museum, the London ICA, and the London, the Singapore, New York, Moscow, and Berlin Film Festivals. Silver has received fellowships and grants from organizations such as the John Simon Guggenheim Foundation, the NEA, NYSCA, NYFA, the Jerome Foundation, the Japan Foundation and Anonymous was a Woman. Her films have been broadcast by BBC/England, PBS/USA, Arte/Germany, France, Planete/Europe, RTE/Ireland, SWR/Germany, and Atenor/Spain, among others, and she has been a fellow at the DAAD Artists Program in Berlin, the Japan/US Artist Program in Tokyo, Cité des Arts in Paris, and at the Lower Manhattan Cultural Council. Silver is Associate Professor and Director of Moving Image, Visual Arts Program, School of the Arts, Columbia University.

smith
Les Apocalyptiques
Fiction expérimentale | hdv | noir et blanc | 20:0 | France | 2019

Paris - temps incertain, temps de la fin. Une cycliste, cavalière d'une possible apocalypse, erre autour de la ville éteinte, déserte, muette - guettant d'hypothétiques survivances. La Samaritaine, cube blanc, désaffecté, semble s’offrir comme un refuge ; mais elle se révèle le théâtre d’univers parallèles où se décide, avec les quatre derniers vivants, le sens de l'effondrement en cours. Les personnages qui y vivent sont en “arrêt de mort”, suspendus entre deux états, traversant les possibles, pris dans une fin du monde sans cesse imminente, et pourtant sans cesse différée, et encore sans cesse recommencée. C’est le bâtiment même qui va incarner de manière vivante cet interstice travaillant toutes les apparitions qui semblent traverser le lieu. Ce sont les modalités fluctuantes de cet espace de la Samaritaine qui vont se déployer, amenant d’oracles SM en chansons nihilistes, de danses de séduction désespérées en rituels de mutation, la révélation claire qu’il n’y aura pas de révélation. Les fins du mondes et les croyances sont défaites. Il n'est plus question de fin du monde, mais de commencements d'autres mondes - par la métamorphose. Apocalypse nous-autres.

SMITH ?http://www.fillesducalvaire.com/artiste/smith/ Le travail de SMITH s’appréhende comme une observation des mues de l’identité humaine. La photographie y côtoie le cinéma, la vidéo, la chorégraphie, le bio-art, la sculpture et l’utilisation des nouvelles technologies, dans une exploration des combinaisons des approches scientifique et philosophique, ouvertes sur les potentiels de la fiction. Après l’obtention d’un Master de Philosophie à la Sorbonne, du diplôme de l’Ecole Nationale Supérieure de Photographie d’Arles, et du Fresnoy - Studio National des Arts Contemporains, SMITH engage l’écriture d’une thèse de doctorat, à l’UQAM (Montréal). Ses travaux furent présentés sous la forme d’expositions personnelles aux Rencontres internationales de la photographie d’Arles, à la galerie les Filles du Calvaire et au Palais de Toyko à Paris, au musée de la Photographie d’Helsinki en Finlande, mais aussi dans de nombreux pays d’Europe (Suisse, Suède, Autriche, Luxembourg, Allemagne, Espagne, Italie...), d’Asie (Chine, Cambodge, Corée du Sud) et d’Amérique Latine (Mexique, Chili, Uruguay) et aux USA. Sa première monographie, «Löyly», est parue aux éditions Filigranes en 2013, suivie de « Saturnium » aux éditions Actes Sud en 2017, et d’un livre d’entretien avec l’historienne de l’art Christine Ollier en 2017 aux éditions André Frère. Paraissent en 2018 puis 2019 deux autres livres de photographie : "Astroblème" (Filigranes) et "Valparaiso" (André Frère). Son premier et son second moyen-métrages, "Spectrographies" et "TRAUM", furent diffusés en festivals et cinémas en Europe. Ses performances artistiques et chorégraphiques furent présentées au Centre Pompidou, au Théâtre de la Cité Internationale avec le soutien de la Fondation Hermès – New Settings, au CND (Pantin), au Musée de la Danse (Rennes) et au CCN de Montpellier. SMITH travaille actuellement à l’élaboration de son nouveau projet-monde "Désidération", avec la Cellule Cosmiel (Lucien Raphmaj, Jean-Philippe Uzan, SMITH) et le studio DIPLOMATES, qui explore les liens entre l’humanité contemporaine et son cosmos originaire : http://www.desideration.space ** Lucien Raphmaj https://lucienraphmaj.wordpress.com/ Lucien Raphmaj, écrivain né d’une œuvre élaborée avec SMITH, a écrit avec lui le scénario de ses films, depuis "Spectrographies" (2015) jusqu’aux "Apocalyptiques" (2019) en passant par leurs projets multidisciplinaires tels que "TRAUM" (film, exposition, textes, vidéos, spectacle de danse). C’est cette écriture à mille voix, fruit d’un travail personnel, mais aussi expérience d’une spectralisation de l’écriture qui se laisse traverser par d’autres voix, qui est celle qu’il mène encore à travers l’univers des « Apocalyptiques ». Il participe, en tant que critique, à la revue culturelle en ligne Diacritik et tient un blog sur la latérature. Son premier ouvrage, "Blandine Volochot", paraît aux éditions Abrüpt en Janvier 2020.

Mauro santini
Megrez (Vaghe stelle)
Vidéo | 4k | couleur | 7:20 | Italie | 2019

“Vaghe stelle” is a seven-chaptered film, conceived as a musical album and composed of seven movements, which can be watched singly (like songs), or in the established order (like a record) or also mixing the films creating new combinations or possible narrations. The ‘songs’ are seven as the principal stars of the Ursa Major. It will be a nocturnal wandering with the starry sky as a reference: an earthly pilgrimage looking for epiphanies or the drift of a hypothetical interstellar trip.


Since 2000, Mauro Santini (Fano, Italy, 1965) has composed a series of video diaries, stories told in the first person about time, memory and the search for oneself. One of these, ‘Da lontano’, won the Italian competition at the 2002 Torino Film Festival. He has participated at the international film festivals of Locarno, Venezia, Oberhausen, Jeonju, Annecy, Rencontres Internationales Paris/Berlin, DocLisboa, Cinémas Différents Paris, Alchemy, Montpellier, Pesaro etc In 2006, he made the feature film Flòr da Baixa and participated in 2008 with different works at “La cité des yeux, une saison italienne”, about Italian avant-garde cinema from 1968 to 2008, which was organized by the Cinémathèque Française in Paris and curated by Nicole Brenez and Federico Rossin.

Daan couzijn
Blood
Performance | 0 | | 5:0 | Pays-Bas | 0


Daan Couzijn (Haarlem, 1994) is a multidisciplinary artist currently based in Amsterdam. After having studied singing at the Conservatory of Music in Rotterdam, he continued his studies at the Institute of Performative Arts in Maastricht where he graduated with a BA in Performance Art. Concluding his education, Couzijn graduated in June 2019 from a Post-Graduate program (Radical Cut-Up department) at the Sandberg Institute in Amsterdam, where he received the title of MA in Fine Art and Design. Couzijn is a creative all-rounder - musically skilled with a very strong eye for visual aesthetics who focuses on authenticity, existentialism and the way external influences (in particular digital influences such as social media) shape us. Often using the richness of the internet and the possibilities of technology as an inspiration for his works, Couzijn believes that every idea, every creation, is a combined effort of everything we've ever witnessed and experienced. Besides working as a professional actor/performance artist, he performs live with his own music under the pseudonym of Cousin. As Cousin, he creates minimalistic, electronic music combined with his own angelic vocals. More recently he also started exhibiting several audio/visual- ánd kinetic installation works, often using video and other digital media as an expressing tool.


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Shelly Silver filme deux femmes, à Tatekawa, un quartier de Tokyo. Une Américaine – présomptueuse quant à sa connaissance du Japon – engage une Japonaise – qui souffre d’un excès de distance critique –, pour traduire des entretiens au sujet du déclin de la natalité au Japon. Elles s’exaspèrent, se battent, puis s’écroulent d’amour ou de désir. Le récit devient science-fiction lorsque la traductrice interrompt leur travail avec des histoires d’un monde infecté par la connaissance de sa propre mort. Le quartier a déjà connu la dévastation en 1945 alors rasé par les bombes américaines. Le troisième protagoniste est Tatekawa, un canal qui donne son nom au quartier et qui reflète le monde dans des motifs déformés. SMITH filme une Apocalypse, sur le point d’être le commencement d’autres mondes. Le bâtiment de La Samaritaine à Paris est un refuge qui devient le théâtre d’univers parallèles et de métamorphoses. Mauro Santini réalise une promenade de nuit, sous la figure de Megrez, la plus faible des étoiles de la constellation de la Grande Ourse, pour un hypothétique voyage stellaire. Daan Couzijn est artiste performeur et chanteur. Il crée de la musique électronique minimaliste combinée avec sa propre voix, et interroge une identité addictive, un état du désir et de l’altérité.