Programme Berlin 2020
14h00 15h00 17h00 19h00 20h30 22h00
samedi

29 août
14h00

Exposition + en direct en ligne
Haus der Kulturen der Welt
John-Foster-Dulles Allee 10, 10557 Berlin / Métro: lignes S5, S7, S9, S75, station: Hauptbahnhof
Exposition de 14h à 20h. Entrée libre à la HKW (sans inscripton)
Pour respecter les mesures sanitaires de distanciation, vous devez apporter vos propres écouteurs pour regarder les œuvres présentées sur moniteur. En cas d'oubli, des écouteurs vous seront fournis sur place au comptoir d'accueil.
Live streaming en accès libre (sans inscription)

"Sensing Bodies"

Christoph oertli: Sensing Bodies | Doc. expérimental | 4k | couleur | 48:0 | Suisse | 2019 voir plus
Christoph oertli
Sensing Bodies
Doc. expérimental | 4k | couleur | 48:0 | Suisse | 2019

Le film traite de l‘utilisation de nos corps dans un environnement parfaitement structuré et construit. Le film se penche sur une société hautement organisée et explore les questions de l'expérience corporelle active par rapport à l'état statique de l‘expérience virtuelle. A quelle distance de la nature l‘homme peut-il vivre?

1962* Winterthur/Switzerland, lives and works in Basel/Switzerland. education ZHdK Zürich, Graphic design; Swiss Television Zürich, stage design; FHNW Basel, audiovisual design. from 1995: videotapes, video installations, documentary videos, video for dance and theater. Works 1995-97 on cruise-ships around the world, lives 1998-2000 in Montréal/Canada and 2002-07 in Paris, 2008-16 in Brussels. 2000-02 lecturer for video Fachhochschule Vorarlberg/Austria. from 2004 guest lecturer HSLU Lucerne/Switzerland.


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Christoph Oertli observe l‘utilisation de nos corps dans un environnement parfaitement structuré et construit. Le film se penche sur une société hautement organisée et explore les questions de l‘expérience corporelle active par rapport à l‘état statique de l‘expérience virtuelle, et de la distance à la nature à laquelle l’homme peut vivre.


samedi

29 août
15h00

Exposition + en direct en ligne
Haus der Kulturen der Welt
John-Foster-Dulles Allee 10, 10557 Berlin / Métro: lignes S5, S7, S9, S75, station: Hauptbahnhof
Exposition de 14h à 20h. Entrée libre à la HKW (sans inscripton)
Pour respecter les mesures sanitaires de distanciation, vous devez apporter vos propres écouteurs pour regarder les œuvres présentées sur moniteur. En cas d'oubli, des écouteurs vous seront fournis sur place au comptoir d'accueil.
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"La menace fantôme"

Matti harju: Elä naura rakasta | Doc. expérimental | hdv | couleur | 7:10 | Finlande | 2019 voir plus
Walid siti: The Troubled Bear and the Palace | Doc. expérimental | hdv | couleur | 10:53 | Iraq | 2019 voir plus
Roy samaha: Sun Rave | Vidéo | hdv | couleur | 11:0 | Liban | 2018 voir plus
Anya tsyrlina, Sid Iandovka: Horizõn | Film expérimental | 35mm | couleur | 7:0 | Suisse / USA | 2019 voir plus
Ana María gÓmez lÓpez: Cosmos and Paleontology | Doc. expérimental | 4k | couleur et n&b | 13:20 | Pays-Bas / Colombia | 2019 voir plus
Graeme arnfield: The Phantom Menace | Vidéo | 4k | couleur et n&b | 36:32 | Royaume-Uni | 2019 voir plus
Matti harju
Elä naura rakasta
Doc. expérimental | hdv | couleur | 7:10 | Finlande | 2019

Connections, directions and boundaries blurred and reorganized. Bitten cake, flames, vodafone, compression, concrete and unassuming round shapes.


Matti Harju (b. 1978, Finland) has screened at the Rotterdam, Locarno, Torino, BFI London, Edinburgh, AFI FEST Los Angeles and Clermont-Ferrand festivals and elsewhere. He studied at National Film and Television School, UK and Academy of Fine Arts in Finland.

Walid siti
The Troubled Bear and the Palace
Doc. expérimental | hdv | couleur | 10:53 | Iraq | 2019

The Troubled Bear and the Palace. 11 minuets. Walid Siti 2019. At the 7,000 ft peak of the Gara mountains in Kurdistan of Iraq, the remains of Saddam's palace, built in 1989, still stand. 29 years later, in March of 2018, two caged bears were escorted by a group of local media and Kurdish women forces to be ceremoniously freed at the helipad adjacent to the palace. Having lived dependently and in captivity throughout its life, the bears struggled to survive in the wild. One vanished whilst the other was at the mercy of the personnel that guard the telecommunication towers erected at the palace. The surreal juxtaposition of the stressed bear and the dilapidated palace, set amongst the magnificent mountains, encapsulates the tragedy of the people of this land throughout history, from the time of Gilgamesh to the present.


Walid Siti (b. 1954, Duhok, Kurdistan-Iraq). After graduating in 1976 from the Institute of Fine arts in Baghdad, Siti left Iraq to continue his arts education in Ljubljana, Slovenia before seeking political asylum in the UK in 1984 where he now lives and works. The work of Walid Siti traverses a complex terrain of memory and loss, in a world, which for him has been a place of constant change. The narrative of Siti’s experience, of a life lived far from but still deeply emotionally connected to the place of one’s birth, is one he shares with many exiles.

Roy samaha
Sun Rave
Vidéo | hdv | couleur | 11:0 | Liban | 2018

This video explores childhood anecdotes heard around an apartment, which until 1989, when a major solar storm erupted, had been inhabited by a strange couple. Some suspected them of being undercover agents while others said they were just some new age sorcerers. The work addresses the relationship between layers of history, outstanding events in nature and ancient cyphering of language; how the cycles of the Sun’s unpredictable release of energetic flares affect the magnetic fields of the earth and influence radio transmissions, communication and reason on a mass scale.


Roy Samaha is a Lebanese artist, living and working in Beirut. He explores the boundaries of filmic language, perception of reality and the memory of personal objects.

Anya tsyrlina, Sid Iandovka
Horizõn
Film expérimental | 35mm | couleur | 7:0 | Suisse | 2019

"An unremarkable random 70’s newsreel from the artists’ hometown in the Soviet Siberia forms the substrate for a relentless exploration of the representational and narratological technics: without ever collapsing into a ‘story’ or abstraction, horizõn recants the relationship between analog and digital, surface and reference, sense and experience, past and present" (Thomas Zummer)


Ana María gÓmez lÓpez
Cosmos and Paleontology
Doc. expérimental | 4k | couleur et n&b | 13:20 | Pays-Bas | 2019

Before the 1957 launch of Sputnik, Ivan Efremov, a Soviet paleontologist and science fiction writer, had already written about humans traveling through interstellar space and recovering fossils in galaxies thousands of light years away. Cosmos and Paleontology interweaves this farseeing prose with archival and present-day material of persons, objects, and locations related to Efremov, such as the Paleontological Institute in Moscow, where he penned several short stories and novels. Cosmos and Paleontology explores Efremov’s ideas of deep space and deep time, combining prehistoric skeletons with cosmonaut relics, footage of dinosaur excavations in the Gobi Desert with Soviet cinematic adaptations of future space travel. At its core, Cosmos and Paleontology is a journey with a man who envisioned ancient Earth and the far reaches of the universe alike, defying the known limits of primordial life and death both in this planet and beyond.


Ana María Gómez López (b. 1981, CO/US) creates short films and durational works based on critical research in history of science. She has participated in exhibitions at the Rijksmuseum Boerhaave, Fonds d’art contemporain Genève, Universiteitsmuseum Utrecht, and the deCordova Sculpture Park and Museum, among other institutions. Ana María was a former resident at the Rijksakademie van Beeldende Kunsten (2017-2018) and completed her MFA at the Yale University School of Art.

Graeme arnfield
The Phantom Menace
Vidéo | 4k | couleur et n&b | 36:32 | Royaume-Uni | 2019

Welcome to the age of cosmic radiation! In 2021 the Sun fell to its lowest point of activity since the birth of science. Its magnetic waves that once shield the Earth dramatically weakened. During this solar lull powerful intergalactic cosmic rays penetrated our atmosphere. Originating eons ago from the explosive remnants of dead stars these silent, invisible and highly charged particles were only noticed in their affect - in what they did to our bodies and to the technologies we thought we could rely upon. Compiling stories from the recent past of interaction with cosmic radiation at ever descending altitudes, “The Phantom Menace” is a techno driven stroboscopic climate fiction film written in conversation with various Amazon warehouse workers. Initially inspired by the proposed plans for the U.S government to install their fragile predictive supercomputers deep underground in order to protect them from these upcoming ancient alien invaders, the film uses once costly low-resolution scientific visualizations produced on these supercomputers to speculate on the role of image labour in the subterranean near future. Planes crashing, computers malfunctioning and elections going haywire - these were just the prequel to the future.


Graeme Arnfield (b. 1991, UK) is an artist filmmaker & curator living in London, raised in Cheshire, UK. Producing sensory essay films from found often viscerally embodied networked imagery his films use methods of investigative storytelling to explore issues of circulation, spectatorship and history. Research topics have included: the politics of digital networks, the material distribution of ecological matter such as peat and asbestos and the adaptive circulation of global and local histories. His work has been presented worldwide including Berlinale Forum Expanded, International Film Festival Rotterdam, Courtisane Festival, Berwick Film & Media Arts Festival, Sonic Acts Festival, European Media Arts Festival, Transmediale, IMPAKT Festival, Kasseler Dokfest, Plastik Festival, Internationale Kurzfilmtage Winterthur, LUX, Institute of Contemporary Arts (ICA), Berlinische Gallerie, Signal Gallery, Whitechapel Gallery and on Vdrome. He graduated with a Masters in Experimental Cinema at Kingston University and recently completed a film with FLAMIN.


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Matti Harju réorganise ce qui nous est familier en autant de connections, directions et limites brouillées. Sur les hauteurs de montagnes au Kurdistan, Walid Siti filme la remise en liberté d’ours, à proximité d’un site où Saddam Hussein avait fait construire un palais. La juxtaposition d’animaux sauvages remis en liberté avec ce bâtiment abandonné résume la tragédie des habitants de cette région, depuis Gilgamesh jusqu’à nos jours. Roy Samaha revient sur une anecdote entendue dans son enfance : après l’installation d’un étrange couple britannique, l’homme et la femme furent accusés tour à tour d’être des agents infiltrés, ou des spirites pratiquant des rites étranges. Lors d’une tempête solaire, ils disparurent, peut-être affectés par les modifications du champ magnétique terrestre. Anya Tsyrlina et Sid Iandovka reprennent des films d’actualité tournés dans les années 70 en Sibérie, dans leur ville natale. Ce réagencement devient le substrat d’une exploration implacable du passé et des mécanismes de la narration. Graeme Arnfield préfigure le futur. Les ondes magnétiques ne protègent plus la terre, les rayons cosmiques transpercent l’atmosphère, déséquilibrant nos corps et la technologie sensée nous protéger. Cette fiction stroboscopique et techno incorpore des fragments de conversations d’employés d’Amazon, et de documents du gouvernement américain qui a eu pour projet d’enterrer de super ordinateurs afin de les protéger contre tout risque d’invasion.


samedi

29 août
17h00

Exposition + en direct en ligne
Haus der Kulturen der Welt
John-Foster-Dulles Allee 10, 10557 Berlin / Métro: lignes S5, S7, S9, S75, station: Hauptbahnhof
Exposition de 14h à 20h. Entrée libre à la HKW (sans inscripton)
Pour respecter les mesures sanitaires de distanciation, vous devez apporter vos propres écouteurs pour regarder les œuvres présentées sur moniteur. En cas d'oubli, des écouteurs vous seront fournis sur place au comptoir d'accueil.
Live streaming en accès libre (sans inscription)

"Deep Fake"

Filip markiewicz: Fake Fiction | Fiction expérimentale | hdv | couleur | 26:7 | Suisse | 2018 voir plus
Alan segal: Key, Washer, Coin | Doc. expérimental | 4k | couleur | 15:0 | Argentine | 2018 voir plus
Roswitha schuller, Markus Hanakam: The Emblematic Cabinet | Doc. expérimental | 4k | couleur | 11:39 | USA | 2019 voir plus
Zachary epcar: Billy | Fiction expérimentale | 16mm | couleur | 8:3 | USA | 2019 voir plus
Warren neidich, Assistant Director Ashiq Khondker: Pizzagate - From Rumor To Delusion | Vidéo | hdv | couleur | 20:20 | Allemagne | 2017 voir plus
Émilie brout, Maxime Marion: b0mb | Vidéo | hdv | couleur | 9:58 | France | 2018 voir plus
Filip markiewicz
Fake Fiction
Fiction expérimentale | hdv | couleur | 26:7 | Suisse | 2018

Fake Fiction is initially a theater play that became a film produced in 2017 by the Theater Basel. Filip Markiewicz wrote the dialogues in reference to the events that happened during the period of time, the terror attacks, the European mirgant crisis and the rise of populist movements and fake news...


Luxembourgeois d’origine polonaise, Filip Markiewicz (né en 1980) est un artiste multidisciplinaire qui s’ex- prime à travers différents médiums, dont le dessin, la vidéo et l’installation. Toujours en quête d’explications à nos vies quotidiennes, il explore l’omnipré- sence des images et met en perspective le message qu’elles véhiculent. Il soumet l’actualité à une approche critique et politique et, partant, souligne la vacuité de notre monde en surproduction visuelle où l’information devient la réalité plutôt que l’inverse. En 2015, Markiewicz a représenté le Grand-Duché de Luxembourg à la 56e Biennale de Venise avec Paradiso Lussemburgo.

Alan segal
Key, Washer, Coin
Doc. expérimental | 4k | couleur | 15:0 | Argentine | 2018

“Key, washer, coin” is a video piece that combines techniques from the reenactment, animation, music, and other fields to ruminates towards language and capitalist exchange. The formal and semantic languages of advertisements are dissected, breaking the marketing model down to its component parts, highlighting the complex capitalist infrastructure that fuels our economic reality. Advertisement shorts, graphic design pieces, marketing texts are rarely mistaken for art. That is due to a congenital wound: those forms cannot cover up their commercial nature, the evident and immediate presence of the money. The invisible hand of these disciplines is the labor of scientists, formal semantic researchers, cryptographers and engineers. By learning from these disciplines is it possible to create an original flowchart of resources; simultaneously critical, persuasive and disillusioning outcomes/pieces are expected.


Alan Segal is a Buenos Aires-based artist whose work has been shown nationally and internationally. Segal’s video work has been presented at film festivals such as the New York Film Festival, Viennale, Rencontres Internationales Paris/Berlin and, Mar del Plata International Film Festival. Among his recent group exhibitions are include Praising the surface at the Hesell Museum of Art (New York, USA), To push an ism at MAMBA (Buenos Aires Museum of Modern Art, Argentina), The Kitchen (New York, USA), A word is a shadow that falls on a lot of things at Ausstellungsraum Klingental (Basel, Switzerland), Desarticulaciones at Blau Projects (São Paulo, Brazil) and Variaciones sobre lo no mismo at MACBA (Buenos Aires Museum of Contemporary Art, Argentina). He also shows his work in international biennials; Visual Resonances at the BIENALSUR (the South America contemporary Art Biennial) and Draft Systems at The WRO Biennale (Wroclaw, Poland). As a film editor, Segal teamed up Gastón Solnicki for the films Kékszakállú (Argentina/Uruguay, 2016) and Introduzione all ‘Oscuro (Argentina/Austria, 2018). For his work in this film, he won the FIPRESCI award for the Best Editing at the Venice Film Festival. Segal studied at ENERC (Argentine National Film School), Skowhegan School of Painting and Sculpture (USA) and, UTDT Program for Artists (Argentina). He received his MFA from Bard College (USA).

Roswitha schuller, Markus Hanakam
The Emblematic Cabinet
Doc. expérimental | 4k | couleur | 11:39 | USA | 2019

More recently, the artist duo has looked at the artistic practice of the emblem. This is to consider an emblem as a variety of being a symbol, a trick, or a figure of thought. By so doing, Hanakam & Schuller rely on their profound examination of the formal language of everyday objects, liberating these from their context or their supposedly mysterious meanings. Inspired by the “Building Duke” research, Hanakam & Schuller worked on Duke University’s (Durham, NC) variety of architectural forms during their stay in spring 2019. In other words, the idea is to develop a short film featuring both physical architectural details of the campus buildings, and also virtually twisting these by means of a playful range of emblems.


Markus Hanakam (1979) and Roswitha Schuller (1984) both studied at the Universtiy of Applied Arts in Vienna. Since 2004 they collaborate as duo, their work is shown at Museums and Festivals in an international context, including Rencontres Internationales at Haus der Kulturen der Welt, Berlin and Palais de Tokyo, Paris, Eyebeam Center for Art and Technology, New York, , SIGGRAPH 2012 Los Angeles, ISEA 2011, Istanbul, 4th Moscow International Biennale for Contemporary Art 2011 among others. Recently they have been visiting artists at Duke University, Durham, NC. The artefacts made by the two artists who live in Vienna are often shape-shifters, changing their exterior forms and reappearing in different contexts. As artists and researchers they are engaged in restructuring the visual art rulebook and building up idiosyncratic systemic orders and new visions of the world in their videos and objects. In the process they reflect and make ironic various historical and contemporary artistic strategies as well as their means of expression. They work primarily in the realm of video, interactive computer applications and applied forms of art.

Zachary epcar
Billy
Fiction expérimentale | 16mm | couleur | 8:3 | USA | 2019

The reenactment of a scene from a primetime soap opens this domestic psychodrama, an anxious look into the horrors of interior decoration and the boundless entanglement of things.


Zachary Epcar (b. San Francisco) is a filmmaker whose work has screened at the New York Film Festival, Toronto International Film Festival, International Film Festival Rotterdam, Museum of Contemporary Art Chicago, Pacific Film Archive, Ann Arbor Film Festival, Rencontres Internationales, Onion City, Images Festival, and elsewhere.

Warren neidich, Assistant Director Ashiq Khondker
Pizzagate - From Rumor To Delusion
Vidéo | hdv | couleur | 20:20 | Allemagne | 2017

We have now entered into a new era some have called the post-truth society characterized by a deluge of fictive mediated stories dubbed Fake News. One of these stories, Pizzagate concerns the conspiracy theory, circulated at the end of the Trump-Clinton presidential election, that accused Hillary Clinton and other members of her Democratic election committee of running a childhood sex ring in the basement of Comet Ping Pong pizza restaurant. As preposterous as this is, many people believed it and the story went viral. My PIZZAGATE: FROM RUMOR TO DELUSION as an experimental documentary which uses non-linear video editing techniques to collage extracted You Tube clips with real video taped footage collected on site at the Comet Ping Pong pizzeria investigates the conditions of our now planetary network existence to understand this event and its implications. I utilize the story of the delusional behavior of James Welch who drove up from North Carolina, shotgun in hand, to free the girls as an example of a generalized societal condition addicted to social media. I speculate that we have transitioned from Guy Debord’s Society of the Spectacle to what I am calling The Society of the Neuron in the Attention Economy.


- Theorist, film maker, composer and installation artist, Warren Neidich, who works between Los Angeles and Berlin, brings to any discussion platform a unique interdisciplinary position that he calls “trans-thinking”. The model explores the way cognition is mediated and acted upon by co-extensive cultural inputs consisting of an evolving socio-cultural-political milieu wherein various unequally distributed and contested discursive fields gather and entangle themselves with the plastic brain. The result being what Gilles Deleuze referred to as the image of thought. His works of art have been exhibited internationally including the Ludwig Museum, Cologne, The Whitney Museum, New York City, PS1 MOMA, Long Island City, The ICA London, LACMA, Los Angeles and many others. His one-person exhibition, Rumor to Delusion, premiered at the Zuecca Project Space, during the Venice Biennale, 2019. He is founder and director of the Saas-Fee Summer Institute of Art and is a recipient of the Vilem Flusser Theory Award, Transmediale, AHRB/ACE Arts and Science Research Fellowship, Bristol and The Fulbright Scholarship. Additionally he was former tutor in the departments of visual art, computer science and cultural studies at Goldsmith College London as well as recently serving at Professor of Art at the Weissensee Kunsthochschule, Berlin.

Émilie brout, Maxime Marion
b0mb
Vidéo | hdv | couleur | 9:58 | France | 2018

b0mb est une vidéo générative en ligne, différente à chaque visionnage et accessible via un site web dédié. Avec un rythme intense, elle présente un montage de plusieurs centaines d’images de toute nature présentes sur internet, défilant sur une bande son musicale où l’on entend la voix de Gregory Corso lisant son poème Bomb (1958). Déclaration d’amour à la plus terrible des technologies et métaphore de la nature autodestructrice de l’homme, le poème comporte une grande diversité de champs lexicaux lui conférant une dimension presque universelle. Figure de la Beat Generation, Corso cherche à produire ici une poésie où les phrases seraient absentes de perspective, construisant son texte via une juxtaposition de mots-clés les uns "contre" les autres. A partir du poème, les artistes ont alors effectué un travail de réduction d’écriture, de filtrage et d’interprétation, pour traduire son contenu en requêtes pour moteur de recherche tel que Google Image. Chaque image visible dans b0mb provient donc automatiquement du résultat d’une de ces requêtes, sélectionnée selon des algorithmes de popularité, et s’affiche de manière synchronisée avec le texte énoncé, par un montage au chemin de fer prédéfini. Si la durée et le son restent fixes, les images sont renouvelées à chaque visionnage, évoluant peu à peu dans le temps, au fil de l’actualité. La pièce se comporte telle un protocole automatique en ligne, puisant dans son environnement des visuels pour les donner à voir sous un autre jour le temps d’un instant. De par la grande diversité de sujets abordés dans le poème et la nature hétérogène des images (photographies amateur, publicités, cliparts, presse, différences de définition...), l’œuvre donne donc à voir une sorte d’instantané de la culture visuelle d’Internet. Par un enchaînement effréné d’images indifféremment anodines, belles ou terribles, elles rendent aussi compte de la violence qui peut s’en dégager.

Nés en 1984 et 1982 en France, Émilie Brout & Maxime Marion vivent et travaillent à Paris. Après des études à l’ENSA Nancy et l’ESA Aix-en-Provence, ils ont intégré deux ans le laboratoire de recherche EnsadLab de l’Ecole Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris, où a débuté leur collaboration. Leur travail a été lauréat du prix de la fondation François Schneider, Wattwiller et du prix du public Sciences Po pour l’art contemporain, Paris. Il a été soutenu par la Fondation des Artistes, la SCAM et le CNC, et fait notamment partie des collections des FRAC Ile-de-France, Aquitaine et Poitou-Charentes, de la CDAC Seine-Saint-Denis et de collections privées internationales (Alain Servais et de Goldschmidt, Bruxelles ; Plancius Collection, Amsterdam, Jonathon Carroll, Londres...). Il a été présenté en France et à l’étranger : MAC VAL, Vitry-sur-Seine ; Cité de la céramique, Sèvres ; IAC Villeurbanne ; Palais de Tokyo, Paris ; FRAC Haute-Normandie, Rouen ; Base sous-marine de Bordeaux ; 5th Moscow Biennale for Young Art ; Museum of Modern and Contemporary Art, Rijeka ; Carroll/Fletcher, Londres ; OCAT Shenzhen ; Daegu Art Museum ; Kunstraum LLC, New York ; Redline Contemporary Art Center, Denver... Ils ont récemment bénéficié d’expositions personnelles à la Chaufferie, Strasbourg (2019), à la galerie 22,48 m², Paris (2019), à la Villa du Parc, Annemasse (2018), au Pori Art Museum, Pori, Finlande (2018) et à la galerie Steve Turner, Los Angeles, Etats-Unis (2017). Ils seront également résidents en 2020 à la Kunsthal Gent en Belgique en 2020.


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Filip Markiewicz soumet l’actualité à une approche critique et politique et, partant, souligne la vacuité de notre monde en surproduction visuelle, où l’information devient la réalité, plutôt que l’inverse. Sous forme de dialogues, il fait référence aux événements de 2017 : attaques terroristes, crise migratoire, mouvements populistes et fake news. Alan Segal dissèque la forme et la sémantique du langage des publicités, réduisant les modèles marketing en divers éléments, mettant à nu l’infrastructure capitaliste qui nourrit la réalité économique. Roswitha Schuller et Markus Hanakam lisent les détails architecturaux des bâtiments de la Duke University en en prenant les emblèmes comme autant de figures de pensées. Zachary Epcar reconstitue une scène d’un soap opera domestique. Il plonge un regard anxieux dans la décoration d’intérieur et dans l’enchevêtrement sans fin des choses. Warren Neidich examine la société post vérité dans laquelle nous sommes entrés. De la société du spectacle de Guy Debord, nous sommes passés à la société du neurone dans une ère de l’économie de l’attention. Lors du Pizzagate, pendant les dernières élections présidentielles aux Etats-Unis, Hillary Clinton et des membres du parti démocrate s’étaient vus accusés d’entretenir un réseau pédophile, avec pour centre d’activité la pizzeria Comet Ping Pong à Washington. Suivant une théorie de la conspiration, de la rumeur au délire, un homme y débarqua avec un fusil d’assaut, et y déclencha une fusillade. Émilie Brout et Maxime Marion ont repris le poème de Gregory Corso, « Bomb », écrit en 1958, ode ironique à la bombe atomique. Chaque mot du poème envoie une requête sur Google image, produisant ainsi à chaque fois une nouvelle œuvre, montage de plusieurs centaines d’images de toute nature présentes sur internet.


samedi

29 août
19h00

Présentation performance
+ en direct en ligne

Haus der Kulturen der Welt | Terrasse
John-Foster-Dulles Allee 10, 10557 Berlin / Métro: lignes S5, S7, S9, S75, station: Hauptbahnhof
Entrée libre à la HKW, réservation obligatoire. En cas de mauvais temps, la séance en plein air sera annulée, et sera diffusée uniquement en direct en ligne
Live streaming en accès libre (sans inscription)



Ubermorgen, "Anticyclical"

Ubermogen: Anticyclical [an-tee-sahy-kli-kuh l] | offline and online presentaiton | 00:45:00 | Austria, Switzerland | 2020

UBERMORGEN sera en action pour montrer des réflexions et lancer des mots sur les idées et les pratiques des "organismes en réseau", de la "conservation des machines", des "paysages hybrides" et des "identités multiples".
L'une des questions clés de notre époque est de ne pas se conformer ou suivre les cycles dominants et d'aller dans des directions opposées (ou sur d'autres vecteurs) à celle de l'état global d'un système. L'examen de la philosophie et des stratégies pratiques d'hybridation et de stratégies anticycliques nous permet d'observer alors que le monde est en panique, et d'agir et de perturber le monde alors qu'il est apparemment calme.
Exemples contemporains :
1) UNINVITED, un "organisme en réseau" hybride en ligne, dans les nuages, sur le plan physique et mécatronique
2) "The Next Biennial Should be Curated by a Machine" pour la Biennale de Liverpool et le Whitney Museum of American Art
3) "Lundshawftan", paysages hybrides dont l'auteur est une identité multiple appelée "Lund Shaw".

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UBERMORGEN est un duo d'artistes fondé en 1995 à Vienne par lizvlx & Hans Bernhard. Pionniers du Net.Art et hackers des médias, ils ont été largement reconnus pour leurs recherches radicales sur les données et la matière. En 2000, ils ont atteint un public de 500 millions de personnes avec leur projet d'action en ligne "Vote-Auction" et en 2005, ils ont lancé leur série de hacks conceptuels EKMRZ Trilogy - Google Will Eat Itself, Amazon Noir, The Sound of eBay.


samedi

29 août
20h30

Projection en plein air
+ en direct en ligne

Haus der Kulturen der Welt | Terrasse
John-Foster-Dulles Allee 10, 10557 Berlin / Métro: lignes S5, S7, S9, S75, station: Hauptbahnhof
Entrée libre à la HKW, réservation obligatoire. En cas de mauvais temps, la séance en plein air sera annulée, et sera diffusée uniquement en direct en ligne
Live streaming en accès libre (sans inscription)



"Ce qui sort du sol"

flatform: Quello che verrà è solo una promessa | Vidéo | 4k | couleur | 22:0 | Italie / The Netherlands, New Zealand | 2019 voir plus
Christian barani: Lac Assal | Doc. expérimental | hdv | couleur | 15:12 | Djibouti | 2019 voir plus
Laura kraning, Blue Kraning: Las Breas | Doc. expérimental | 4k | couleur | 12:20 | USA | 2019 voir plus
Andrés davila: Sour Lake | Doc. expérimental | hdv | couleur | 14:40 | Colombie / Equateur | 2019 voir plus
Rosa barba: Aggregate States of Matters | Doc. expérimental | 4k | couleur | 21:22 | 0 | 2019 voir plus
flatform
Quello che verrà è solo una promessa
Vidéo | 4k | couleur | 22:0 | Italie | 2019

In the course of a long, slow take over Funafuti, both drought and floods appear in a constant uninterrupted rhythm. The state of flux between both type of events is reflected in the places and actions of the inhabitants making the island's extremes seem familiar: the air is riven with anticipation and surprise. The island of Funafuti, in the archipelago of Tuvalu, for some years now has become the stage for a unique phenomenon. Due to the unnatural warming of the sea, saltwater seeps into the subsoil bubbling up through the porous terrain provoking floods which put the future of life on this island at risk.


Flatform is a collective artist acting since 2006 and based in Milan and Berlin. Films by Flatform have been featured in several film festivals such as International Film Festival in Cannes, IFFR in Rotterdam, Venice Int’l Film Festival, IFFT in Toronto, Kurzfilmtage in Oberhausen, LOOP in Barcelona, Festival du Nouveau Cinema in Montreal, IFF in Melbourne, International Doc Film Festival in Jihlava among others. Works by Flatform have been shown in many museums and institutions including Hirshhorn Museum in Washington, Wexner Center for the Arts in Columbus, Centre Pompidou in Paris, MSU-Museum of Contemporary Art in Zagreb, MAXXI Museum in Rome, Haus der Kulturen der Welt in Berlin, Garage Museum of Contemporary Art in Moscow, Museu da Imagem e do Som in San Paolo. Selected Awards: Nashville Intl Film Festival, 2016; Go Shorts in Nijmegen, 2016; Jihlava Intl Doc Film Festival, 2015; 25FPS Zagreb, 2009; Screen Festival Oslo,2008

Christian barani
Lac Assal
Doc. expérimental | hdv | couleur | 15:12 | Djibouti | 2019

Dans la vallée du rift de Djibouti, dans le noir des roches volcaniques, des hommes attendent. Dans ce désert, quelques années auparavant, la production du sel organisait la vie. Depuis la concurrence a vaincu. Au bord du lac Assal, des résistants partent à la recherche de concrétions de sel en espérant les vendre aux quelques touristes qui viendraient contempler le bleu du lac.

Christian Barani est né en 1959, vit à Paris. Il construit une pratique qui associe le champ du documentaire à celui des Arts Visuels. Sa recherche se fonde sur un dispositif performatif qui engage un corps/caméra marchant dans l’espace. Il définit une règle du jeu qui compose avec le hasard et l’improvisation et génère des images sans à priori. Il filme là où les violences politiques et sociales oppressent, dressant un portrait au fil des temps des vaincus.

Laura kraning, Blue Kraning
Las Breas
Doc. expérimental | 4k | couleur | 12:20 | USA | 2019

LAS BREAS is an observational portrait of three tar pits, of which there are only six in the entire world. Situated in three distinct landscapes in Southern California – urban Los Angeles, the oil fields of the San Joaquin Valley, and Carpinteria Beach, LAS BREAS investigates the spaces between archiving the pre-historic and the contemporary industrial landscape. While skeletons of extinct megafauna and vintage animatronic beasts are on display in the heart of Hollywood, the sticky remains of ancient microscopic organisms seep to the surface of both land and sea. Of the earth, yet primordial and impenetrable, the bubbling tar that rises from the depths speaks of past extinction and human exploitation of the earth’s limited resources.


Laura Kraning’s moving image work has screened widely at international film festivals, museums, and galleries, such as the New York Film Festival’s Views from the Avant-Garde and Projections, International Film Festival Rotterdam, Edinburgh Film Festival, London Film Festival, Visions du Réel, MoMA’s Doc Fortnight, Art Toronto, Centre Pompidou, National Gallery of Art, and REDCAT Theater, among others. Her work has received awards at the 2010, 2015, and 2016 Ann Arbor Film Festival, 2016 Athens International Film Festival, and the 2018 Rencontres Internationales Sciences & Cinémas Film Festival. Blue Kraning’s documentary and narrative films have screened internationally at festivals and venues such as International Film Festival Rotterdam, Helsinki International Film Festival, Shanghai International Film Festival, Image Forum Festival, Ann Arbor Film Festival, Denver Film Festival, Nashville Film Festival, Festival du Nouveau Cinema, Los Angeles Filmforum, and the Walker Art Center. He has won numerous awards such as the IFP/Blockbuster Film Development Fund, The Morrow-Hues Screenwriting Award (finalist) and his television writing has garnered two Emmy Awards.

Andrés davila
Sour Lake
Doc. expérimental | hdv | couleur | 14:40 | Colombie | 2019

Inspiré du nom donné par la Texaco à un petit village d’Amazonie, Sour Lake explore les confluences, rencontres et déplacements géographiques, sociaux et imaginaires qui se sont noués depuis le XVIe siècle entre la forêt équatorienne et les Andes colombiennes.

Andrés Dávila est un réalisateur colombien. Il a obtenu en 2013 un master en cinéma et études audiovisuelles à l’Université Sorbonne Nouvelle. Il vit actuellement en Equateur.

Rosa barba
Aggregate States of Matters
Doc. expérimental | 4k | couleur | 21:22 | 0 | 2019

L’état des lieux met en évidence la relation ambiguë entre l’homme et la nature. Pour son nouveau film en 35 mm tourné au Pérou, Rosa Barba a travaillé avec des communautés qui sont touchées par la fonte d’un glacier et les temps géologiques qui sont mis à nu. Barba montre la lente disparition du glacier et la perception de ce fait au sein de la population Quechua des Andes. Tout en explorant les différents mythes locaux, elle souligne la possibilité de traduire les connaissances anciennes dans le temps présent.

Rosa Barba est née en 1972 en Italie, vit et travaille à Berlin. Elle a fait ses études à l'Académie des arts et médias de Cologne et à la Rijksakademie van Beeldende Kunsten à Amsterdam. Le travail de Barba est représenté dans de nombreuses collections internationales telles que la Collezione MAXXI Arte à Rome en Italie, la Collezione FRAC Piemonte à Vercelli en Italie, le Hamburger Bahnhof à Berlin, la Collection Lemaître à Londres, le musée d'art moderne Louisiana à Humlebæk au Danemark, le Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto à Rovereto, le Museo Centro de Arte Reina Sofía à Madrid, la Kunsthaus à Zurich, le MACBA à Barcelone, le Mambo à Bologne, le Sammlung zeitgenössischer Kunst der Bundesrepublik Deutschland en Allemagne, et Jumex à Mexico. Elle a participé à des expositions collectives, notamment au MASS MoCA aux États-Unis, à l'Akademie der Künste à Berlin, au Kunstmuseum du Liechtenstein à Vaduz, à la Cinémathèque Française à Paris, au WIELS à Bruxelles, au Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia à Madrid, au Swiss Institute à New York, à la 8e Biennale d'art contemporain de Berlin, à la Triennale internationale en arts des nouveaux médias 2014 à Pékin en Chine, à la 19e Biennale de Sidney, à la Biennale internationale d'art contemporain de Carthagène en Colombie, à la Biennale 2010 de Liverpool, aux 52e et 53e Biennales de Venise, à la 2e Biennale d'art contemporain de Thessalonique et à la Biennale de l'image en mouvement à Genève.


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Flatform filme l’île de Funafuti, dans l’archipel du Tuvalu. Le réchauffement de l’océan provoque un phénomène d’infiltration et de remontée des eaux salées. Dans la vallée du rift de Djibouti, Christian Barani filme les roches volcaniques, le désert de sel, et les hommes qui attendent. Dans des paysages industriels contemporains, dans le sud de la Californie, Laura et Blue Kraning filment trois des six puits naturels de goudron existant au monde. Le goudron bouillonnant qui remonte à la surface témoigne des restes d’un monde préhistorique, des extinctions et de l’exploitation humaine de la terre, aux ressources limitées. Andrés Davila explore Sour Lake, village enfoui dans la jungle amazonienne. Le nom a été donné par la Texaco dans les années 60, inspiré par le nom d’une ville pétrolière du Texas. Depuis le XVIe siècle, début des expéditions des conquistadores espagnols à la recherche de l’Eldorado, ces zones entre la forêt équatorienne et les Andes colombiennes sont le lieu de nombreuses problématiques économiques, écologiques, politiques et territoriales. Rosa Barba filme la lente disparition d’un glacier dans les Andes péruviennes. La population Quechua est directement affectée, et les époques géologiques sont mises à nu. En explorant les différents mythes locaux, Rosa Barba souligne la possibilité de traduire les connaissances anciennes dans le temps présent.


samedi

29 août
22h00

Projection en plein air
+ en direct en ligne

Haus der Kulturen der Welt | Terrasse
John-Foster-Dulles Allee 10, 10557 Berlin / Métro: lignes S5, S7, S9, S75, station: Hauptbahnhof
Entrée libre à la HKW, réservation obligatoire. En cas de mauvais temps, la séance en plein air sera annulée, et sera diffusée uniquement en direct en ligne
Live streaming en accès libre (sans inscription)



"Étoiles vagues"

Shelly silver: A Tiny Place That is Hard to Touch | Fiction expérimentale | hdv | couleur | 39:40 | Japon / USA | 2019 voir plus
smith: Les Apocalyptiques | Fiction expérimentale | hdv | noir et blanc | 20:0 | France | 2019 voir plus
Mauro santini: Megrez (Vaghe stelle) | Vidéo | 4k | couleur | 7:20 | Italie | 2019 voir plus
Daan couzijn: Blood | Performance | 0 | | 5:0 | Pays-Bas | 0 voir plus
Shelly silver
A Tiny Place That is Hard to Touch
Fiction expérimentale | hdv | couleur | 39:40 | Japon | 2019

In a faceless apartment in Tatekawa, Tokyo, an American woman hires a Japanese woman to translate interviews about Japan’s declining birthrate. The American woman is presumptuous in her knowledge of Japan; the Japanese woman suffers from a self-professed excess of critical distance. They grate, fight, and crash together in love or lust, at which point their story gets hijacked into science fiction territory, as the translator interrupts their work sessions with stories from a world infected with the knowledge of its own demise. This neighborhood has already known devastation, having been wiped out the night of 9 March 1945 by American bombs. The third protagonist is the Tatekawa itself, the canal covered by an elevated highway that runs past the translator’s apartment, which gives the neighborhood its name. Reflecting back the concrete world in distorted patterns of blue, green, or glittering black, the Tatekawa transports a shifting procession of birds, shoes, condoms, crabs, plastic bags, flowers, big fish, little fish, death, life.


Shelly Silver is a New York based artist working with the still and moving image. Her work explores contested territories between public and private, narrative and documentary, and--increasingly in recent years--the watcher and the watched. She has exhibited worldwide, including at the Museum of Modern Art in New York, Tate Modern, Centre Georges Pompidou, the Museum of Contemporary Art in Los Angeles, the Yokohama Museum, the London ICA, and the London, the Singapore, New York, Moscow, and Berlin Film Festivals. Silver has received fellowships and grants from organizations such as the John Simon Guggenheim Foundation, the NEA, NYSCA, NYFA, the Jerome Foundation, the Japan Foundation and Anonymous was a Woman. Her films have been broadcast by BBC/England, PBS/USA, Arte/Germany, France, Planete/Europe, RTE/Ireland, SWR/Germany, and Atenor/Spain, among others, and she has been a fellow at the DAAD Artists Program in Berlin, the Japan/US Artist Program in Tokyo, Cité des Arts in Paris, and at the Lower Manhattan Cultural Council. Silver is Associate Professor and Director of Moving Image, Visual Arts Program, School of the Arts, Columbia University.

smith
Les Apocalyptiques
Fiction expérimentale | hdv | noir et blanc | 20:0 | France | 2019

Paris - temps incertain, temps de la fin. Une cycliste, cavalière d'une possible apocalypse, erre autour de la ville éteinte, déserte, muette - guettant d'hypothétiques survivances. La Samaritaine, cube blanc, désaffecté, semble s’offrir comme un refuge ; mais elle se révèle le théâtre d’univers parallèles où se décide, avec les quatre derniers vivants, le sens de l'effondrement en cours. Les personnages qui y vivent sont en “arrêt de mort”, suspendus entre deux états, traversant les possibles, pris dans une fin du monde sans cesse imminente, et pourtant sans cesse différée, et encore sans cesse recommencée. C’est le bâtiment même qui va incarner de manière vivante cet interstice travaillant toutes les apparitions qui semblent traverser le lieu. Ce sont les modalités fluctuantes de cet espace de la Samaritaine qui vont se déployer, amenant d’oracles SM en chansons nihilistes, de danses de séduction désespérées en rituels de mutation, la révélation claire qu’il n’y aura pas de révélation. Les fins du mondes et les croyances sont défaites. Il n'est plus question de fin du monde, mais de commencements d'autres mondes - par la métamorphose. Apocalypse nous-autres.

SMITH ?http://www.fillesducalvaire.com/artiste/smith/ Le travail de SMITH s’appréhende comme une observation des mues de l’identité humaine. La photographie y côtoie le cinéma, la vidéo, la chorégraphie, le bio-art, la sculpture et l’utilisation des nouvelles technologies, dans une exploration des combinaisons des approches scientifique et philosophique, ouvertes sur les potentiels de la fiction. Après l’obtention d’un Master de Philosophie à la Sorbonne, du diplôme de l’Ecole Nationale Supérieure de Photographie d’Arles, et du Fresnoy - Studio National des Arts Contemporains, SMITH engage l’écriture d’une thèse de doctorat, à l’UQAM (Montréal). Ses travaux furent présentés sous la forme d’expositions personnelles aux Rencontres internationales de la photographie d’Arles, à la galerie les Filles du Calvaire et au Palais de Toyko à Paris, au musée de la Photographie d’Helsinki en Finlande, mais aussi dans de nombreux pays d’Europe (Suisse, Suède, Autriche, Luxembourg, Allemagne, Espagne, Italie...), d’Asie (Chine, Cambodge, Corée du Sud) et d’Amérique Latine (Mexique, Chili, Uruguay) et aux USA. Sa première monographie, «Löyly», est parue aux éditions Filigranes en 2013, suivie de « Saturnium » aux éditions Actes Sud en 2017, et d’un livre d’entretien avec l’historienne de l’art Christine Ollier en 2017 aux éditions André Frère. Paraissent en 2018 puis 2019 deux autres livres de photographie : "Astroblème" (Filigranes) et "Valparaiso" (André Frère). Son premier et son second moyen-métrages, "Spectrographies" et "TRAUM", furent diffusés en festivals et cinémas en Europe. Ses performances artistiques et chorégraphiques furent présentées au Centre Pompidou, au Théâtre de la Cité Internationale avec le soutien de la Fondation Hermès – New Settings, au CND (Pantin), au Musée de la Danse (Rennes) et au CCN de Montpellier. SMITH travaille actuellement à l’élaboration de son nouveau projet-monde "Désidération", avec la Cellule Cosmiel (Lucien Raphmaj, Jean-Philippe Uzan, SMITH) et le studio DIPLOMATES, qui explore les liens entre l’humanité contemporaine et son cosmos originaire : http://www.desideration.space ** Lucien Raphmaj https://lucienraphmaj.wordpress.com/ Lucien Raphmaj, écrivain né d’une œuvre élaborée avec SMITH, a écrit avec lui le scénario de ses films, depuis "Spectrographies" (2015) jusqu’aux "Apocalyptiques" (2019) en passant par leurs projets multidisciplinaires tels que "TRAUM" (film, exposition, textes, vidéos, spectacle de danse). C’est cette écriture à mille voix, fruit d’un travail personnel, mais aussi expérience d’une spectralisation de l’écriture qui se laisse traverser par d’autres voix, qui est celle qu’il mène encore à travers l’univers des « Apocalyptiques ». Il participe, en tant que critique, à la revue culturelle en ligne Diacritik et tient un blog sur la latérature. Son premier ouvrage, "Blandine Volochot", paraît aux éditions Abrüpt en Janvier 2020.

Mauro santini
Megrez (Vaghe stelle)
Vidéo | 4k | couleur | 7:20 | Italie | 2019

“Vaghe stelle” is a seven-chaptered film, conceived as a musical album and composed of seven movements, which can be watched singly (like songs), or in the established order (like a record) or also mixing the films creating new combinations or possible narrations. The ‘songs’ are seven as the principal stars of the Ursa Major. It will be a nocturnal wandering with the starry sky as a reference: an earthly pilgrimage looking for epiphanies or the drift of a hypothetical interstellar trip.


Since 2000, Mauro Santini (Fano, Italy, 1965) has composed a series of video diaries, stories told in the first person about time, memory and the search for oneself. One of these, ‘Da lontano’, won the Italian competition at the 2002 Torino Film Festival. He has participated at the international film festivals of Locarno, Venezia, Oberhausen, Jeonju, Annecy, Rencontres Internationales Paris/Berlin, DocLisboa, Cinémas Différents Paris, Alchemy, Montpellier, Pesaro etc In 2006, he made the feature film Flòr da Baixa and participated in 2008 with different works at “La cité des yeux, une saison italienne”, about Italian avant-garde cinema from 1968 to 2008, which was organized by the Cinémathèque Française in Paris and curated by Nicole Brenez and Federico Rossin.

Daan couzijn
Blood
Performance | 0 | | 5:0 | Pays-Bas | 0


Daan Couzijn (Haarlem, 1994) is a multidisciplinary artist currently based in Amsterdam. After having studied singing at the Conservatory of Music in Rotterdam, he continued his studies at the Institute of Performative Arts in Maastricht where he graduated with a BA in Performance Art. Concluding his education, Couzijn graduated in June 2019 from a Post-Graduate program (Radical Cut-Up department) at the Sandberg Institute in Amsterdam, where he received the title of MA in Fine Art and Design. Couzijn is a creative all-rounder - musically skilled with a very strong eye for visual aesthetics who focuses on authenticity, existentialism and the way external influences (in particular digital influences such as social media) shape us. Often using the richness of the internet and the possibilities of technology as an inspiration for his works, Couzijn believes that every idea, every creation, is a combined effort of everything we've ever witnessed and experienced. Besides working as a professional actor/performance artist, he performs live with his own music under the pseudonym of Cousin. As Cousin, he creates minimalistic, electronic music combined with his own angelic vocals. More recently he also started exhibiting several audio/visual- ánd kinetic installation works, often using video and other digital media as an expressing tool.


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Shelly Silver filme deux femmes, à Tatekawa, un quartier de Tokyo. Une Américaine – présomptueuse quant à sa connaissance du Japon – engage une Japonaise – qui souffre d’un excès de distance critique –, pour traduire des entretiens au sujet du déclin de la natalité au Japon. Elles s’exaspèrent, se battent, puis s’écroulent d’amour ou de désir. Le récit devient science-fiction lorsque la traductrice interrompt leur travail avec des histoires d’un monde infecté par la connaissance de sa propre mort. Le quartier a déjà connu la dévastation en 1945 alors rasé par les bombes américaines. Le troisième protagoniste est Tatekawa, un canal qui donne son nom au quartier et qui reflète le monde dans des motifs déformés. SMITH filme une Apocalypse, sur le point d’être le commencement d’autres mondes. Le bâtiment de La Samaritaine à Paris est un refuge qui devient le théâtre d’univers parallèles et de métamorphoses. Mauro Santini réalise une promenade de nuit, sous la figure de Megrez, la plus faible des étoiles de la constellation de la Grande Ourse, pour un hypothétique voyage stellaire. Daan Couzijn est artiste performeur et chanteur. Il crée de la musique électronique minimaliste combinée avec sa propre voix, et interroge une identité addictive, un état du désir et de l’altérité.