Programme Berlin 2019
19h & 21h 19h30 & 21h30 20h30 22h & 23h 22h30 22h40
mardi

20 août
19h & 21h

Ouverture
Haus der Kulturen der Welt
19h Vortragssaal | 21h Terrasse *
* En cas de mauvais temps, la séance de 21h aura lieu dans la Vortragssaal
John-Foster-Dulles Allee 10, 10557 Berlin / Métro: lignes S5, S7, S9, S75, station: Hauptbahnhof
Entrée libre

Keynote + Séance d'ouverture

Vous êtes toutes et tous chaleureusement invités à la soirée d'ouverture à partir de 19h, en entrée libre.

Pour sa séance inaugurale, les Rencontres Internationales Paris/Berlin vous invitent à découvrir un programme de 4 films et vidéos rares en première allemande.

En présence de Persijn Broersen, Margit Lukacs and Sebastian Diaz Morales.

Persijn broersen, Margit Lukacs: Forest on Location | Vidéo | hdv | couleur | 11:42 | Pays-Bas | 2018 voir plus
Laura henno: Djo | Documentaire | 4k | couleur | 13:0 | France | 2018 voir plus
Soufiane adel: La lumière tombe | Fiction expérimentale | 4k | couleur | 9:23 | France | 2018 voir plus
Sebastian diaz morales: Multiverse | Vidéo | hdv | couleur | 10:0 | Pays-Bas | 2018 voir plus
Persijn broersen, Margit Lukacs
Forest on Location
Vidéo | hdv | couleur | 11:42 | Pays-Bas | 2018

Broersen and Lukacs construct a replica of Bialowieza primeval forest. In this virtual forest is the avatar of Iranian operasinger Shahram Yazdani, who performs his version of Nat King Cole's 1948 hitsong Nature Boy, whose melody originated in Bialowieza. In Forest on Location, nature is viewed as a mirror, reflecting our own perception.


Margit Lukács and Persijn Broersen are artists based in Amsterdam, working together since 2002. In today’s visual culture, fiction is usurping the place of reality. Broersen & Lukács respond to this by creating video animations presenting a parallel world of spectacular images that wholly absorb the viewer in which 'nature' functions as a mirror for our media-dictated culture. Their works, consisting of layered projections, digital animations and spatial installations, have been exhibited for instance at the Biennale of Sydney (Australia), Rencontres internationales de la photographie d'Arles (France), Wuzhen Biennial Now Is The Time (China), Stedelijk Museum Amsterdam (Netherlands), FOAM Amsterdam (Netherlands), Antwerp contemporary art museum MUHKA (Belgium), Centre Pompidou (France), Shanghai World Expo (China), Kröller Müller (Netherlands)) and Casa Enscendida (Spain). Their films have been shown at various festivals including Oberhausen International Film Festival (Germany), LAForum (US), Kassel Dokumentar und Filmfestival (Germany), Rencontres Internationales Paris/Berlin (France/Germany), the New York International Film Festival (US), and Rotterdam International Film Festival and Amsterdam International Documentary Film Festival. Their film "Establishing Eden" was included in the 2016 Tiger Awards Competition for Short Films in Rotterdam Festival. In 2015, Stedelijk Museum Amsterdam acquired the site-specific work "Ruins in Reverse" (2015), specially made for the museum. Broersen & Lukács are represented by Galerie AKINCI, Amsterdam.

Laura henno
Djo
Documentaire | 4k | couleur | 13:0 | France | 2018

Dans les Hauts de Mayotte, espace du secret, de la magie et de la fuite, hommes et chiens entretiennent un rapport filial, presque fusionnel d`espêces compagnes qui partagent un même territoire de transformation et d`autonomie. Smogi vit une relation particulière avec les chiens mais aussi avec la puissance des éléments, la nature et les esprits malins qui la peuple (les djinns). « Djo» croise différents régimes de croyance dans un syncrétisme sauvage à l`appel de la prière musulmane marque aussi le moment des retrouvailles avec les forces animistes et impures de la forêt.

Laura Henno a initialement une formation de photographe et sâinitie au cinéma au Fresnoy. Elle est lauréate du Prix Découverte des Rencontres Internationales de la Photographie d’Arles en 2007. Depuis plusieurs années, Laura Henno appuie sa démarche photographique et filmique sur les enjeux de la migration clandestine, aux Comores, sur de la réunion ou à Calais. Elle se confronte à la situation des migrants et des jeunes passeurs, avec une ambition documentaire réinvestissant le réel de potentiels de fictions et de récits. Les images qui en résultent provoquent un trouble et puisent dans les codes picturaux et cinématographiques. Elle a obtenu plusieurs prix pour son film Koropa, dont le Prix Egalité Diversité 2017 du Festival de court-métrage de Clermont-Ferrand et le Grand Prix du court-métrage 2016 aux Entrevues de Belfort. Son travail a été montré dans des nombreux musées en France et à l’étranger. Son travail photographique est représenté par la Galerie Les Filles du Calvaire.

Soufiane adel
La lumière tombe
Fiction expérimentale | 4k | couleur | 9:23 | France | 2018

Quelque part en Banlieue, dans un futur proche. La classe ouvrière n'existe plus. Vénus se rapproche de la terre. Un homme et son fils refont le monde.

Soufiane Adel est né en 1981 en Algérie et arrive en France à 8 ans. C`est en faisant une école de design, l'ENSCI - Les Ateliers, qu'il découvre le cinéma. En 2004, il décide de filmer son père : ce sera son premier court métrage, "Nuits closes", qui débutera au festival de Clermont-Ferrand. En 2007, il réalise "Kamel s`est suicidé six fois, son père est mort" qui a été sélectionné à la Quinzaine des Réalisateurs et à l'ACID à Cannes en 2008, ainsi que dans de nombreux festivals de par le monde. En 2009, il coréalise avec Angela Terrail, "Sur la tête de Bertha Boxcar", prix du jury au festival Silhouette (montré également à Clermont, Pantin, Ciné-banlieue, Indielisboa ...) et diffusé sur Arte. En 2013, il réalise son second documentaire "Go Forth" qui aborde l`histoire de sa grand-mère algérienne, projetés dans des dizaines de festivals internationaux (Cinéma du réel, Rencontres Internationales Paris-Berlin, Lussas, Montréal...). Son exploration de formes fictionnelles d`auto-filmage se poursuit avec "Vincent V" et "Les bonnes". En 2017, il met de nouveau en scène son père dans une fiction, "La Faim", puis dans l'essai "La lumière tombe", en 2018.

Sebastian diaz morales
Multiverse
Vidéo | hdv | couleur | 10:0 | Pays-Bas | 2018

1-channel video / 2k format / 10min / 2018 Soundscore Berend Dubbe & Gwendolyn Thomas / Photography Niels Boon / Special effects Arjan van Drunen / Production Bart van Dam Produced with financial support of the Mondriaan Fonds The multiverse (or metaverse) is a hypothetical group of multiple universes including the universe in which humans live. Together, these universes comprise everything that exists: the entirety of space, time, matter, energy, the physical laws and the constants that describe them. The different universes within the multiverse are called the "parallel universes", "other universes", or "alternative universes". #3 Multiverse is part of a series of videos which are ultimately sequences of a whole. Both a concept and a blurred narrative. The latter is not explicitly delineated in the course of the series but it is intuited. The sequences generate, rather than a narrative, a concept. All these sequences are thought to be shown on separate screens. In large and small shapes, vertically and horizontally they spread into one or various spaces in different combinations resembling an aleatory puzzle which ultimately takes a more clear and narrative shape in one last sequence/installation. The serie Talk with Dust is composed of 8 video works and explores the idea of the fantastic or extraordinary. This fantastic is not the one that interrupts the ordinary course of things but rather that which is at once strange and present, at the same time its contradiction and its confirmation. For something to be fantastic, it is not enough to be different from the real: also (and above all) it is necessary to mix inexplicably with the real thing. In more philosophical terms we can say that the fantastic is not the other of the same but its alteration: not the contradiction of the real, but its subversion. That is why the cinematic condition of the fantastic, which on the other hand can serve as an exact definition, is not at all in the production of real or supernatural beings, but in the fact that they affect what is recognized as real and natural through a contagion of the other who comes to seize the same in person. The feat made by the fantastic cinema does not consist only in this visible manifestation of the real as another. These are duplicated, in fact, and apparently paradoxically, by the work of an invocation of the Real as such, considered in its effective and singular existence; and in a way that is in itself quite strange. 1 The effects on this and the rest of the works had been recreated entirely on stage without the use of postproduction editing. 1 Clement Rosset, El Objeto Singular, Editorial Sexto Piso, 2007


Sebastián Díaz Morales was born in Comodoro Rivadavia, Argentina, in 1975 and lives and works in Amsterdam. He attended the Universidad del Cine de Antín in Argentina from 1993-1999, the Rijksakademie van Beeldende Kunsten in Amsterdam from 2000-2001, and Le Fresnoy Studio des Arts Contemporains in Roubaix, France from 2003-2004. His work has been exhibited widely, including solo shows and presentations at Venice Biennale; Tate Modern, London; Center Pompidou, Paris; Miro Fundation, Barcelona; Stedelijk Museum Bureau Amsterdam; CAC, Vilnius; Le Fresnoy, Roubaix, France; Museum für Gegenwartskunst Siegen, Germany and group shows at De Appel, Amsterdam; Art in General, NY; Ludwin Museum Budapest, Bienale Sao Pablo; Biennale of Sydney; MUDAM, Luxemburg; Calouste Gulbenkian Foundation in Lisbon. His work is represented in numerous collections, including Center Pompidou, Paris; Tate modern, London; Fundacion Jumex, Mexico; Sandretto Foundation, Torino; Sammlung-Goetz, Munich; Fundacion de Arte Moderna, Museo Berardo, Lisboa; Kadist Foundation, San Francisco. He was a recipient of the Guggenheim Fellowship in 2009


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Persijn Broersen et Margit Lukacs modélisent la forêt de Białowieża, l’une des dernières forêts primaires en Europe. Laura Henno filme à Mayotte un lieu secret qui semble régi par la magie, où les hommes, la nature et les esprits entretiennent un lien particulier. Soufiane Adel suit le dialogue d’un père et de son fils, dans un futur où la classe ouvrière n’existe plus. Sebastian Diaz Morales convoque le multiverse, groupe hypothétique composé de mondes possibles, incluant le nôtre. Réunis, ces univers comprennent tout ce qui existe : l’espace dans son entièreté, le temps, la matière, les lois physiques et les constantes qui les décrivent. Il interroge ici le fantastique, défini comme ce qui se confond de manière inexpliquée avec la chose réelle.

mardi

20 août
19h30 & 21h30

Ouverture
Haus der Kulturen der Welt | Salle K1
John-Foster-Dulles Allee 10, 10557 Berlin / Métro: lignes S5, S7, S9, S75, station: Hauptbahnhof
Entrée libre

"Mythologies contemporaines"

En présence de Nadia Ranocchi and David Zamagni, Sara Pathirane, Jens Settergren and Ida Sønder Thorhauge, Katleen Vermeir and Ronny Heiremans.

Ghost Mountain Ghost Shovel collective: Hello Brother | Vidéo expérimentale | hdv | couleur | 3:49 | Taiwan / Thaïlande | 2018 voir plus
zapruder filmmakersgroup: Phoenix. Amore brucio | Vidéo | 4k | couleur | 12:0 | 0 | 2017 voir plus
Sara pathirane: Holding Clouds | Vidéo | hdv | couleur | 9:40 | Finlande / Chine | 2018 voir plus
piscine, Bergman & Salinas: Be A Pattern For The World | Vidéo | hdv | couleur | 5:48 | Danemark | 2018 voir plus
Lishan liu: Product ( VIDEO ) LISHAN ™ | Vidéo expérimentale | hdv | couleur | 2:20 | USA | 2018 voir plus
vermeir & heiremans: A Modest Proposal (in a Black Box) | Vidéo | hdv | couleur | 28:7 | Royaume-Uni | 2018 voir plus
Ghost Mountain Ghost Shovel collective
Hello Brother
Vidéo expérimentale | hdv | couleur | 3:49 | Taiwan | 2018

The unknown village exists when the residents blink. The scenery of nothing. The identity of no one. The relationship of the dream two. The breeze travels through the subtropics of the tropics. A museum of no-name rocks. Hypnotic symbolic acts. Some weight in the pocket. Magnetic boy, the fog, the breeze doesn`t walk.


Val Lee has been the director of Ghost Mountain Ghost Shovel Art Collective (2009-Now) and creates live art works that builds constructed ephemeral situations where the audience enters a poetic constellation of action script, installation, sound, hypnotic rhetoric, composite structure, mise-en-scène, and space. Their works currently focus on urban violence, political turmoil, body memories of the unusual state, and the diversified modes of psychological absorption and participation for public audiences. Through the continuous collaborations of friends from visual arts, performing arts, experimental music and activism, their interdisciplinary yet site-responsive works form some dialogue and resistance in a dream. "Hello Brother" is their only video.

zapruder filmmakersgroup
Phoenix. Amore brucio
Vidéo | 4k | couleur | 12:0 | 0 | 2017

At a novel workshop of the gods, Greek theater masks with Hollywood features are setting up a love engine. Phoenix. Amore brucio is the 7th of 12th episodes that Zapruder dedicates to the myth of Hercules.


ZAPRUDER is a group formed by David Zamagni, Nadia Ranocchi and Monaldo Moretti. It was founded in 2000 in Roncofreddo (Italy), where the collective’s headquarters still are. The group experiments in film, merging figurative, performative and cinematographic arts to provide a total visual experience, in the direction of a total visual experience. That’s the case with their ’chamber cinema’: video-installation projects where cinema and object are fused together, drawing on the technique of stereoscopic film ( or the illusion of three dimensions), as well as on expanded cinema. In 2011, Zapruder’s work received the 3D Persol Award at the Venice Film Festival. Along the years, the group has met Italian experimental theatre with productions in collaboration with Motus, Fanny & Alexander, Romeo Castellucci and Santarcangelo Festival. A large amount of their artistic process is dedicated to the sound design of their movies: the main soundtrack is made by performing foley effects and recording environmental sounds in order to produce a more dynamic and complex experience for the viewer. Their video installation Zeus Machine/Salita all’ Olimpo ( Zeus Machine/The conquering of Olympus) was awarded the Premio MAXXI 2016. Zapruder’s work has been presented internationally in festivals and performing arts venues: Venice Film Festival; Rotterdam Film festival; Rome Film Festival; Kurtzfilmtage Oberhausen; Biennale de l’image en mouvement, Geneva; Transmediale, Berlin; Netmage, Bologna; Triennale, Milan; Centre Pompidou, Paris. Among their solo exhibitions: Careof, Milan (2013); Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea, Ferrara (2014); Marsèlleria, Milan (2014); Raum, Bologna (2014); Artopiagallery, Milan (2015); Kunstraum Walcheturm, Zurich (2015); Mega, Milan (2018), Gucci Garden, Firenze (2018). Among group exhibitions: Cineteca di Bologna, Bologna (2013); WRO Media Art Biennale, Wroclaw (2013); Aula Bunker, Rome (2014); PAC, Milan (2014); MAG Museo Alto Garda, Riva del Garda (2015); OCAT, Shanghai (2015); MAXXI, Rome (2016).

Sara pathirane
Holding Clouds
Vidéo | hdv | couleur | 9:40 | Finlande | 2018

Holdind Clouds depicts a choreography on Huangshan the Yellow Mountain in China. The mount Huang is famous from the old chinese shan shui – mountain-water ink paintings. Still now the landscape gathers people to witness it. The view itself is often covered in clouds, only a peak of a mountain hovering in the sight. Still a thousand photos are taken there daily. People pose for photos infront of the landscape. The rythm of gestures done by the visitors, the reaching out, pointing, holding the air and touching the mountains formulates a choreography for the mountain. Chilean composer Fernando Munizag’s piece Mi última palabra china (My last Chinese word) binds the poses into a broken language, an attemp to get hold of tones and diftongs hidden in the grayscale of the moving clouds. The music is based on discoveries Munizaga made in the field of phonetic analysis of Mandarin language. There is a constant movement, with rather simple materials and gestures. All the harmony of the piece is based on strings’ natural harmonics.


Sara Pathirane’s work deals with the tradition of landscape painting and the problematics of taking a picture. As shooting locations for her videos she uses nature areas known from movies and paintings, shifting between the everyday and the fiction. She works with video, painting and live-installations. Pathirane lives and works in Helsinki. She has studied in the Finnish Academy of Fine Arts and Accademia Albertina in Torino. Her works have been shown for example at Taiga-Space, Saint-Petersburg (2016), Colombo Art Biennale (2016) and Kiasma (2010, 2013).

piscine, Bergman & Salinas
Be A Pattern For The World
Vidéo | hdv | couleur | 5:48 | Danemark | 2018

Be a Pattern for the World is acollaboration between artist group Piscine (consisting of Mark Tholander, Jens Settergren & Ida Thorhauge) and the artist duo Aeron Bergman & Alejandra Salinas. Be a Pattern for the World circulates around the concept of the chameleon. The chameleon as an abstract machine: "The chameleon, maybe. It hovers, as a turbine. An object can be monitored better by the turbine. These days anything can be imitated." The chameleon most of all stands for shape-shifting and adaptability. Adapting patterns of a given environment, while at the same time creating new patterns in the given space. The ability of changing one's appearance as a response to one's surroundings. What can be seen and what cannot; blending in and standing out; becoming distinct while also becoming part of the given space. The chameleon is the abstract machine which initiates a production of subjectivity in the relation between the individual and the surroundings, the figure and the background, the shape and the pattern, as well as the singular and the univocal.


Piscine is an exhibition phenomenon that handles solo, group and collaborative situations: a hybrid apparatus that sometimes acts as an artist group and at other times acts as a curatorial unit. Current members are: Mark Tholander, Ida Sønder Thorhauge, and Jens Settergren. Aeron Bergman and Alejandra Salinas are an artist duo who co-founded Institute for New Connotative Action: an artist run initiative, and INCA Press.

Lishan liu
Product ( VIDEO ) LISHAN ™
Vidéo expérimentale | hdv | couleur | 2:20 | USA | 2018

Product ( VIDEO ) LISHAN ‘ is a series of three 30-second pseudo-ads by re-situating the 3 electronic devices for personal healthcare and beauty(a Clarisonic facial brush, a Philips air flosser and a Braun epilator) and interrupting the normal working of the “œmachinesâ”. The videos, loosely following the structure and aesthetic of the original product commercials, are aesthetically pleasing and entertaining. Subsequently, It entails the seductive irony of interwoven relationship among several spheres of commercial aesthetics, techno-fetishism and narcissism in contemporary consumerism. This series of videos has once shown in a screening in SVA Theater and arranged to play in between other artists` work, which functioned as TV commercials in terms of form. It conveys the artistâ’s satirical commentary on the attention span and art production strategies.


Liu makes video-based work. Her highly personal artistic practice, with a constant approach of de/recontextualization and conceptualization, reflects the globalized cultural environment accelerated by Internet (Techno-culture, consumption culture, pop culture and so on). Liu graduated from MFA Photography, Video and Related Media at School of Visual Arts. She has exhibited her work in both China and the US including Vacuum Gallery, Beijing(2017); Poor Image Art Center, online(2016); Rabbithole, New York; Flux Factory(2016); Fei Gallery, Guangzhou(2015); Shenzhen New Media Art Festival at The Value Factory(2014); Jinji Lake Art Museum, Suzhou(2014); Today Art Museum, Beijing(2014) and etc.

vermeir & heiremans
A Modest Proposal (in a Black Box)
Vidéo | hdv | couleur | 28:7 | Royaume-Uni | 2018

In A Modest Proposal, Vermeir & Heiremans are discussing a new financial model with a lawyer. They question if financialisation can be re-purposed towards generating a more equitable arts ecology. Considering the financialisation of public art collections and museum buildings, the financial model should benefit not only investors, but also its stakeholders, the creators of the art`s value, the art workers. The artists propose to financialise Pump House Gallery in Battersea Park as their case-study. It is located close to Battersea Power Station, a former coal-fired power station that will soon house Apple's London headquarters and luxury apartments. The artists propose to "pump" up the gallery`s value, and generate a return for the wider art community. The conversation between artists and lawyer takes place in Vermeir & Heiremans` house, which they define as an art work. Meanwhile the absent-minded lawyer`s assistant often slips away from the discussions. She appears to be able to materialise and dematerialise at will the lofty space by caressing the walls, playing with a scale model of the house or using the latter as a framing device, manipulating the window views. When the artists and the lawyer go on to celebrate the proposal on the loft's rooftop garden she takes control…


The videos and installations of the artist duo Vermeir & Heiremans investigate the complex relationship between economy, spatiality, and social reality in today's highly globalized world. The artists define their own house as an art work, which they use as a framing device to focus on the growing financialisation of the arts, real estate and daily life in general. The duo raises questions about the role the arts play within the ever-growing entanglement between urban development, financialisation and governing. The artists employ financial tools, historical references, technology, and cinematic language to reflect on social codes as well as on the production of value in today's artistic and non-artistic realms. Vermeir & Heiremans have presented their work at 10th Istanbul Biennial (2007), Arnolfini, Bristol (2009), Nam June Paik Art Center, Yongin (2010), Viennale, Vienna (2011), 7th Shenzhen Sculpture Biennial (2012), Manifesta 9, Limburg (2012), Argos, Brussels (2012), Extra City, Antwerp (2012), 13th Istanbul Biennale (2013), Rotwand Gallery, Zurich (2014), Triennale Brugge (2015), Dojima River Biennale, Osaka (2015), Curated by_Vienna at Georg Kargl Gallery (2015), Transmediale, Berlin (2016), Bucharest Biennale 7 (2016), Rencontres Internationales Paris/Berlin (2010, 2012, 2017), Glassyard Gallery, Budapest (2018), Art Brussels (2018), The Atlantic Project, Plymouth (2018), Pump House Gallery, London (2018)


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Le collectif Ghost Mountain Ghost Shovel réalise des performances collaboratives mettant en jeu des actes symboliques, comme un vent qui traverserait les tropiques. Zapruder filmmakersgroup remettent en scène la figure hollywoodienne de James Dean en Hercule contemporain. Les masques du théâtre grec se réunissent, démultipliés. Dans «Holding Clouds», Sarah Pathirane décrit une chorégraphie de l’autoreprésentation entre vide et paysage. Le tourisme de masse charrie ses milliers de clichés, en suspens au milieu de la brume. Le collectif Piscine prend pour thème le caméléon, envisagé comme machine abstraite d’adaptabilité à l’environnement et à notre époque. Lishan Liu revisite l’esthétique des publicités, et présente de manière ironique le fétichisme technologique. Katleen Vermeir et Ronny Heiremans discutent avec un avocat d’un nouveau modèle financier, qui permettrait de générer un nouvel écosystème du monde de l’art. Les bâtiments des musées et leurs collections généreraient ainsi de nouveaux profits, bénéficiant à différents acteurs, investisseurs, détenteurs d’actions, travailleurs du monde de l’art. L’assistante de l’avocat semble prendre le contrôle de la maison des artistes, où a lieu le rendez-vous.

mardi

20 août
20h30

Ouverture
Haus der Kulturen der Welt | Foyer
John-Foster-Dulles Allee 10, 10557 Berlin / Métro: lignes S5, S7, S9, S75, station: Hauptbahnhof
Entrée libre

Performance de Shahram Yazdani

en collaboration avec Margit Lukács et Persijn Broersen

Margit Lukács et Persijn Broersen ont demandé à Shahram Yazdani, chanteur d'opéra iranien vivant actuellement à Berlin, de réinterpréter la chanson "Nature Boy" de Nat King Cole, pour leur film "Forest on Location". Ce film est centré sur les derniers vestiges de la forêt vierge de Bialowieza, dont ils ont créé une version digitale.
"Nature Boy" a été écrit par Eden Ahbez, un "Naturmensch" inspiré par le mouvement Wandervogel et vivant sous le L du panneau iconique Hollywood au-dessus de Los Angeles. Plus tard, la mélodie a été revendiquée par Herman Yablokoff, un compositeur du Yiddish Broadway Theatre, originaire d'une petite ville près de la forêt Bialowieza. Sa chanson "Shvayg Main Harts" (Be Still My Heart), sur un migrant russe vivant en Amérique, est une complainte de souffrance silencieuse.
Shahram Yazdani a créé une version persane de "Nature Boy", dans laquelle un arbre sage parle à un garçon perdu errant, comme une antithèse à la relation souvent impérieuse avec la nature dans la culture occidentale.

Shahram Yazdani, en collaboration avec Broersen & Lukács: [performance sans titre] | 00:10:00 | Iran, Pays-Bas | 2019

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Au sujet de Shahram Yazdani
Shahram Yazdani, né en 1986 en Iran (Kermanshah), est un chanteur d'opéra vivant actuellement à Berlin. Ayant grandi à Ahwaz avec les disques d'opéra de sa mère d'origine italienne, il a appris à aimer Puccini et Verdi et de nombreux autres grands compositeurs italiens. Il a étudié la musique à Téhéran et a développé sa technique de chant avec le maestro Franco Tenelli, ancien chanteur d'opéra et professeur de chant en Géorgie.
En 2017, il est venu à Berlin pour poursuivre sa carrière en Europe. Il s'est produit en Allemagne et à l'internationale dans des lieux tels que Bethanien Berlin, FOAM Amsterdam, Heilig-Kreuz-Kirche Berlin, en Iran (Téhéran, Ahwaz, Shiraz) et en Italie (Rome).
Son travail de composition et d'interprétation est présent dans "Forest on Location", un film de Broersen & Lukacs, qui a été présenté notamment aux Rencontres Internationales Paris/Berlin à l'auditorium du Louvre à Paris, à FOAM Amsterdam, aux Rencontres internationales de la photographie d'Arles, au Festival International du Film de Rotterdam.

Au sujet de Broersen & Lukacs
Margit Lukács et Persijn Broersen sont des artistes vivants à Amsterdam, et travaillant ensemble depuis 2002. Dans la culture visuelle contemporaine, la fiction usurpe la place de la réalité. Broersen & Lukács y répondent en créant des animations vidéo présentant un monde parallèle d'images spectaculaires qui absorbent entièrement le spectateur dans lequel la "nature" fonctionne comme un miroir pour notre culture dictée par les médias. Leurs œuvres, composées de projections superposées, d'animations numériques et d'installations spatiales, ont été exposées notamment à la Biennale de Sydney, aux Rencontres Internationales de la photographie d'Arles, à la Biennale Wuzhen Now Is The Time, au Stedelijk Museum Amsterdam, FOAM Amsterdam, au Musée d'art contemporain d'Anvers MUHKA, au Centre Pompidou, au Shanghai World Expo et à la Casa Enscendida Madrid/ Leurs films ont été projetés dans de nombreux festivals, dont le Festival du film court d'Oberhausen, LAForum (US), au Kassel Dokumentar und Filmfestival (GE), au New York Film Festival, au Festival International du Film de Rotterdam et au Festival international du film documentaire d'Amsterdam. Leur film "Establishing Eden" a été inclus dans le Tiger Awards Competition au Festival de Rotterdam en 2016. En 2015, le Stedelijk Museum Amsterdam a fait l'acquisition de Ruins in Reverse (2015), une œuvre spécialement conçue pour le musée. Broersen & Lukács sont représentés par la Galerie AKINCI, Amsterdam.

mardi

20 août
22h & 23h

Ouverture
Haus der Kulturen der Welt | Tiergarten
John-Foster-Dulles Allee 10, 10557 Berlin / Métro: lignes S5, S7, S9, S75, station: Hauptbahnhof
Entrée libre

"The Screening" (2019)

une projection performance d'Ariane Michel

En raison du nombre limité de places, des tickets gratuits sont à retirer sur place durant la soirée d'ouverture au point information de la Haus der Kulturen der Welt.

Ariane Michel : The Screening (2019) | projection-performance | 00:28:00 | France | 2007-2019

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"The Screening" est une performance qui met en scène un film. Une nuit, dans une forêt. Hiboux, furets, renards... l’activité des bêtes bat son plein, quand des rais de lumière percent l’obscurité : des humains approchent. Ils se rassemblent devant une grande surface blanche qui, plongée dans le noir, s’anime. Ce synopsis est à la fois le résumé de ce qui apparaît sur l’écran, et celui de la soirée vécue: un public est effectivement guidé à la lampe torche à travers une forêt. Invité à s’installer dans une clairière aménagée en “cinéma”, il y découvre un film nocturne qui commence à la manière d’une sorte de fiction animalière, mais propose peu à peu un trouble sur le moment vécu. Le film est une mise en abyme, un miroir déformant : la réalité vécue et sa temporalité sont légèrement tordues, étirées par le fond du bois.

Au sujet d'Ariane Michel
Ariane Michel est née en 1973 à Paris, où elle vit et travaille. Elle est diplômée de l'École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris, et a développé des projets au Pavillon - cellule de recherche au Palais de Tokyo. Ses travaux vidéo s’inscrivent le plus souvent dans des dispositifs d’installation ou de performance. Qu’ils soient visibles en galerie, au cinéma, dans une forêt ou chez soi, ces travaux s’inscrivent dans une même recherche : offrir à celui qui les approche une expérience de déterritorialisation de la perception. Ses films ont été présenté notamment au musée national du Jeu de Paume, au FID Marseille, au MoMA New York, au Festival International du Film de Locarno, à l'Anthology Film Archive. Son long métrage "Les hommes", qui a remporté le Grand Prix au FID Marseille 2006, est sorti en 2008 en salles de cinéma. Ses installations et performances ont été présentées notamment à la Fondation Ricard, au Musée d'Art Minsheng de Shanghai, au Musée d'art moderne de la Ville de Paris, à la Fondation Cartier d'art contemporain, au Centre Pompidou, au MOCA de Chengdu. En 2016, elle réalise "La forêt des gestes" à la Fondation Cartier, une expérience audio immersive en plein air. Son projet "The Screening" a été présenté à Art Basel 38, ainsi qu'au Parc des Buttes-Chaumont à Paris lors du Festival de Belleville. Pour les Rencontres Internationales Paris/Berlin 2019, elle présente une nouvelle version de "The Screening".

mardi

20 août
22h30

Ouverture
Haus der Kulturen der Welt | Salle K1
John-Foster-Dulles Allee 10, 10557 Berlin / Métro: lignes S5, S7, S9, S75, station: Hauptbahnhof
Entrée libre

"Screen"
Christoph Girardet et Matthias Müller

En contrepoint de la séance "Mythologies contemporaines", ce film interroge notre rapport de fascination aux images projetées, la relation entre le spectateur et l'écran de projection.

Christoph girardet, Matthias Müller: Screen | Vidéo | hdv | couleur et n&b | 17:30 | Allemagne | 2018 voir plus
Christoph girardet, Matthias Müller
Screen
Vidéo | hdv | couleur et n&b | 17:30 | Allemagne | 2018

"While he mused on the effect of the flowing sands, he was seized from time to time by hallucinations in which he himself began to move with the flow." -Kobo Abe Liminal zones. Floating particles. Fire, water, earth, air. Voices of fictional characters: sometimes suggestive, sometimes strict, leading the viewer away from the here and now. Who`s talking? The relationship between the hypnotized subject and the hypnotist is mirrored in the spectator`s relationship to the screen.


CHRISTOPH GIRARDET was born in Langenhagen, Germany, in 1966. He studied Fine Arts at the Braunschweig School of Art (Master´s degree in 1994). Since 1989 he has produced video tapes, video installations and films, some of them in collaboration with Volker Schreiner beginning in 1994 and as of 1999 with Matthias Müller. He was awarded a stipend for the International Studio and Curatorial Program in New York (2000) and the Villa Massimo stipend in Rome (2004). He lives and works in Hanover. MATTHIAS MÜLLER was born in Bielefeld, Germany in 1961. Müller is an artist working in film, video and photography. He is based in Bielefeld and Cologne, Germany. Studied Arts and German Literature at Bielefeld University and Fine Arts at HBK Braunschweig. Master’s degree. Since 2003, Professor in Experimental Film at Academy of Media Arts, KHM, Cologne. Müller organized numerous avant-garde film events such as the "Found Footage Film Festival" (1996 & 1999) and the first German festival of autobiographical films "Ich etc." (1998) and various touring programs. With his films and videos he has taken part in major film festivals worldwide, including the festivals at Cannes, Venice, Berlin and Rotterdam. His work has also been featured in several group and solo exhibitions. His films and videos are part of the collections of institutions such as Centre Georges Pompidou, Paris, Museu d’Art Contemporani, Barcelona, Nederlands Film Museum, Amsterdam, Australian Centre For The Moving Image, Melbourne, Kunsthalle Bielefeld, the Goetz Collection, Munich, the collection of Isabelle and Jean-Conrad Lemaître, London, and Tate Modern, London.


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"While he mused on the effect of the flowing sands, he was seized from time to time by hallucinations in which he himself began to move with the flow." (Kobo Abe) Liminal zones. Floating particles. Fire, water, earth, air. Voices of fictional characters: sometimes suggestive, sometimes strict, leading the viewer away from the here and now. Who`s talking? The relationship between the hypnotized subject and the hypnotist is mirrored in the spectator`s relationship to the screen.

Au sujet de Christoph Girardet
Christoph Girardet est né en 1966 à Langenhagen et vit à Hanovre en Allemagne. Il a étudié les Beaux-Arts à l'Ecole d'arts de Braunschweig. Il travaille depuis 1987 sur les supports vidéo, film et installations. Il commence une collaboration en 1994 avec le vidéaste Volker Schreiner, puis avec Matthias Müller depuis 1999 (Phoenix Tapes) avec qui il réalise de nombreux projets communs ayant recours aux techniques numériques. Il explore entre autres les poncifs du cinéma industriel. Girardet a participé à des expositions collectives dans des institutions aussi prestigieuses que le Stedelijk Van Abbemuseum (Eindhoven) ou le P.S.1 Contemporary Art Center de New York. Des expositions personnelles de ses travaux ont eu lieu au Kunstverein de Hanovre ou à la Sean Gallery de New York. Il a déjà reçu de nombreuses récompenses.

Au sujet de Matthias Müller
Matthias Müller est né à Bielefeld en Allemagne en 1961. Müller est un artiste qui travaille dans le cinéma, la vidéo et la photographie. Il est basé à Bielefeld et à Cologne, en Allemagne. Etudes d'art et de littérature allemande à l'Université de Bielefeld et d'arts plastiques à HBK Braunschweig. Maîtrise. Depuis 2003, professeur de cinéma expérimental à l'Académie des arts médiatiques, KHM, Cologne. Müller a organisé de nombreuses manifestations cinématographiques d'avant-garde telles que le "Found Footage Film Festival" (1996 & 1999) et le premier festival allemand de films autobiographiques "Ich etc". (1998) et divers programmes de tournée. Avec ses films et ses vidéos, il a participé à de grands festivals de cinéma dans le monde entier, notamment à Cannes, Venise, Berlin et Rotterdam. Son travail a également fait l'objet de plusieurs expositions collectives et individuelles. Ses films et vidéos font partie des collections d'institutions telles que le Centre Georges Pompidou, Paris, Museu d'Art Contemporani, Barcelone, Nederlands Film Museum, Amsterdam, Australian Centre For The Moving Image, Melbourne, Kunsthalle Bielefeld, Goetz Collection, Munich, la collection Isabelle et Jean-Conrad Lemaître, Londres et Tate Modern, Londres.

vendredi

23 août
22h40

Ouverture
Haus der Kulturen der Welt | Foyer
John-Foster-Dulles Allee 10, 10557 Berlin / Métro: lignes S5, S7, S9, S75, station: Hauptbahnhof
Entrée libre

Mix live - Party
Mo Chan / DJ Kohlrabi (Team Pommes)

Mo Chan alias DJ Kohlrabi explore l'océan de la voix et du son. Mo est VJ, nageant dans des images colorées. Et il y a Aiko Okamoto, qui joue à l'intérieur de ces identités, au croisement des arts visuels, de la musique, de l'espace et des gens.

https://mixcloud.com/mo_chan

    20 - 25 août 2019
    Programme complet
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    me
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    ve
    sa
    dim
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