Programme Paris 2017
9h45 14h00 16h00 18h00 19h00 21h00
jeudi

16 mars
9h45

Visite
Centre d'art La Maréchalerie
Centre d'art Micro Onde
Départ devant la Gaîté Lyrique, 3 bis rue Papin - 75003 Paris / Métro: Arts et Métiers, Réaumur Sébastopol - lignes 3, 4, 11
Entrée libre / Pass et accréditation: accès prioritaire

Hors les murs

Du 14 au 17 mars, les Rencontres Internationales vous invitent à visiter plusieurs musées et centres d'art en Ile-de-France, en partenariat avec TRAM Réseau art contemporain Paris/Ile-de-France.

Visite de La Maréchalerie centre d'art contemporain de l'ENSA-V, et de Micro Onde centre d'art de l'Onde.

Rendez-vous à 9h45, devant la Gaîté Lyrique, à l’angle de la rue Papin et de la rue Saint-Martin. Départ du bus navette gratuit à 10h. Retour à 14h au même endroit.


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jeudi

16 mars
14h00

Projection
Gaîté Lyrique
3 bis rue Papin - 75003 Paris / Métro: Arts et Métiers, Réaumur Sébastopol - lignes 3, 4, 11
Entrée libre / Pass et accréditation: accès prioritaire

"Strate-fiction"

Thomas mohr: Impact-9.2 | Vidéo | hdv | couleur et n&b | 10:44 | Pays-Bas | 2016 voir plus
Mauricio freyre: SET OUT 1 | Fiction | 16mm | couleur | 2:14 | Espagne | 2015 voir plus
Ivan salatic: Dvorista | Fiction expérimentale | 4k | couleur | 20:59 | Montenegro | 2015 voir plus
Jules lagrange: Orion Aveugle | Fiction expérimentale | hdv | couleur | 9:10 | France | 2016 voir plus
Thomas taube: Narration | Fiction expérimentale | 4k | couleur | 45:19 | Allemagne | 2016 voir plus
Thomas mohr
Impact-9.2
Vidéo | hdv | couleur et n&b | 10:44 | Pays-Bas | 2016

After a moment of brightness a memory unit containing 59.049 images is  explored from the  totality to it’s individual  images, creating connections on various levels in various directions in a shifting dynamic system. Beginning with a sudden and rough recall of memories the information merges with increasing compression in several cycles and repetitive feedback to transform in an almost ad infinitum expanding time space topology of intense subtlety. The visual composition is inverted and  disrupted several times  by visual blanks of bright white. The original images were taken handheld in 2002/3 when the experience of 9/11 still was very present. The composition is made frame by frame using “contact sheets” (6,5 fps). The integration of the outdated format SD in the more contemporary HD leaves empty space in the memory levels and in the processing levels. The memory unit used in this video is the second out of nine units which will become one total memory at a later stage covering 30 years from 1985 to 2015 .      The music composed by Michael Bonaventure (organ sounds)and René Baptist Huysmans (electronic sounds) is inspired by  the poem “The Comet At Yalbury” by Thomas Hardy


Born in Mainz, Living and working in Amsterdam. Since the late 1980ties systematically exploring processes of perception and experience in installations and "films" referring inter alia to conceptual and minimal art, to the history of early cinematography , the transformation of information, the evolution of (new) media. Working with computer-generated processes combined with manual execution based on a growing photo archive containing at this moment more then 500000 pictures taken from 1985 regarding important moments of modern history as to major and minor personal events.

Mauricio freyre
SET OUT 1
Fiction | 16mm | couleur | 2:14 | Espagne | 2015

When does the fiction of a film start? Where do characters go when the movie is over? A story made of fragments and discarded footage from a film shooting. The camera examines the landscape of the mise-en-scène, looking for meaning in the elements that make up the picture.


Mauricio Freyre is an artist and filmmaker, graduated from Architecture and Fine Arts, based in Madrid. He uses the film medium to explore structures and systems of thought behind the constructed and projected. His projects and films have been exhibited at Haus der Kulturen der Welt (Berlin), Fundación Telefonica (Lima), TENT Museum (Rotterdam), W139 (Amsterdam), Nederlands Film Festival (Utrecht), FIC (Valdivia), Sunset Cinema (Luxemburg), Filmmuseum (Amsterdam), etc. He is currently a visiting teacher at The Berlage (Delft), KABK Royal Academie of Art (The Hague) and ETSAM Universidad Politécnica (Madrid).

Ivan salatic
Dvorista
Fiction expérimentale | 4k | couleur | 20:59 | Montenegro | 2015

In the backyards there are sheds, a huge old tree, wild plants with wild offspring, waste scattered around. This is where they spend their time. A decaying building is about to be destroyed and someone may go beyond. Soon one of them becomes aware of the sea.


Ivan Salatic was born in 1982 in Dubrovnik and grew up in Herceg Novi. He finished the School of Fine and Applied Arts in Belgrade and graduated from the Faculty of Dramatic Arts in Cetinje. He has directed several short films that have participated in festivals such as Venice Film Festival, Sarajevo Film Festival, Torino Film Festival.

Jules lagrange
Orion Aveugle
Fiction expérimentale | hdv | couleur | 9:10 | France | 2016

Orion Aveugle, c`est l`histoire d`un rite funéraire vu à travers les yeux poussiéreux d`un cyborg. La temporalité et le contexte précis de cet événement appartenant au passé, lui sont inconnus. Ils ont disparus au profit d`une mémoire dense et disparate. Son implication et sa filiation aux sujets est inaccessible, perdues à jamais, dans la densité d`événements enregistrés au cours des siècles. Sa mémoire est donnée à voir, vidée de son sens. C`est l`histoire d`un être devenu le simple témoin, de sa propre nostalgie.

Jules Lagrange est un artiste français, né en 1989 à Besançon. Son travail se développe principalement dans l`élaboration de film de fiction. Ses recherches s`orientent autour de processus de réécriture et de jeu de réappropriation des codes cinématographique visant à ré-incarner et à re-sentimentaliser les corps et les affects représentés au cinéma. Il a étudié à l`institut of Art, Design and Technology de Dublin et à l`Ecole Nationale Supérieure des Beaux Arts de Lyon dont il est diplômé en 2014. En 2016, il intègre le post diplôme de l`ENSBA Lyon dirigé par François Piron. Son travail a été visible au travers d`expositions, notamment, à la Friche belle de Mai (Marseille), au Creux de l`enfer (Thiers) ou encore au Treize et à Glassbox (Paris). Ses films ont également était projeté au Festival International de Video de Camaguey (Cuba), au Frac Nord pas de Calais (Dunkerque), à Mains d`oeuvres (St Ouen) ou encore aux Musée des Confluences (Lyon). Il vit et travaille à Bruxelles.

Thomas taube
Narration
Fiction expérimentale | 4k | couleur | 45:19 | Allemagne | 2016

NARRATION links issues of social relevance, such as the systematic exploitation of workers on arab building sites, with questions of awareness and the perception of (constructed) narratives in our everyday lives. Different languages and associated concepts – such as imagination and seeing – are interleaved into a well arranged field of associations. In Taube`s work the "flow of images" becomes a symbol for the flux of visual concepts and the impossibility of them ever coming to a halt. The impact of the film is also due to the performance of its protagonists, who, at times far from playing a role, represent and reflect their own actions: the actor comes to represent the narrator on a stage.


Thomas Taube is a German video artist who is living and working in Leipzig. He studied from 2008 to 2014 at the Academy of Visual Arts (HGB) Leipzig and graduated from Prof. Clemens von Wedemeyer class with an honourable distinction. He is currently a „Meisterschüler“ of Clemens von Wedemeyer. From June until December 2016 Taube was resident at the ISCP in New York. The residency was sponsored by the Cultural Foundation of the Free state Saxony (KDFS). His video works are concept-based films which question obvious and seemingly self-evident circumstances of our daily lives.


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Thomas Mohr explore une unité de mémoire, composée de 59 049 images de sa propre vie, allant de la totalité à chaque image prise en tant que telle. Un espace temps en expansion créant de multiples connexions. Mauricio Freyre réfléchit sur les mécanismes du cinéma en tant que processus de création et de représentation, et examine le paysage de la mise en scène. Ivan Salatic filme des adolescents dans un jardin, entouré de plantes sauvages. Ils semblent en suspens, tout comme leur environnement. Soudain, ils prennent conscience de la proximité de la mer. Jules Lagrange déplie l’histoire d’un être devenu le simple témoin de sa propre nostalgie. C’est l’histoire d’un rite funéraire vu à travers les yeux poussiéreux d’un cyborg. La temporalité et le contexte précis de cet événement passé lui sont inaccessibles. Ils ont disparu au profit d’une mémoire dense et disparate. Thomas Taube s’interroge sur les éléments nécessaires à la formation d’un récit. Il associe différentes narrations, différentes temporalités, liées à des questions de conscience et de perception, s’interrogeant à la fois sur la création d’une fiction et sur le travail des événements dans notre mémoire pour qu’ils deviennent des souvenirs.


jeudi

16 mars
16h00

Projection
Gaîté Lyrique
3 bis rue Papin - 75003 Paris / Métro: Arts et Métiers, Réaumur Sébastopol - lignes 3, 4, 11
Entrée libre / Pass et accréditation: accès prioritaire

"Point de repère"

Esther polak, Ivar Van Bekkum: A Collision of Sorts | Doc. expérimental | hdv | couleur | 17:0 | USA | 2017 voir plus
David ross: Théodolitique | Doc. expérimental | 35mm | couleur | 15:10 | Canada | 2015 voir plus
Sirah foighel brutmann, Eitan Efrat: Orientation | Doc. expérimental | hdv | couleur | 12:40 | Belgique | 2015 voir plus
Michael macgarry: Excuse Me, While I Disappear | Fiction | hdv | couleur | 19:10 | Angola | 2015 voir plus
Michelle deignan: A Glimpse of Common Territory | Fiction expérimentale | hdv | couleur | 8:47 | Royaume-Uni | 2015 voir plus
Louis-cyprien rials: Polygon | Vidéo | 4k | couleur | 12:39 | Kazakhstan | 2016 voir plus
Esther polak, Ivar Van Bekkum
A Collision of Sorts
Doc. expérimental | hdv | couleur | 17:0 | USA | 2017

In A Collision of Sorts, inhabitants of the City of Philadelphia, (Pennsylvania, US) go there way, as discontinuous moving dots on a flat surface. The world in which this film plays is Google Earth: an alienating landscape of almost seamlessly stitched-together satellite images of the familiar planet we humans are moving around on. On Google Earth, nothing moves. Buildings, bridges and cars seem warped and flattened and compete for attention with the black weirdness of their own shadows. A virtual camera shows this frozen flattened landscape, reconnoitring the cityscape of the city. Meanwhile we hear sounds and voices. People and animals are down there, crossing the country. It is them who share a physical reality: we hear very intimately their breath, the rustling of clothes, traffic, their vehicles. They travel from one place to another giving the suggestion of a destination. They talk about encounters, visual, economic, political, social and personal but never the main characters seem to meet. Until a bad dream of one of them seems to come true.


Esther Polak and Ivar van Bekkum work together as artist-couple under the name PolakVanBekkum. Routed in the history of the Dutch realistic landscape depiction, they express personal experiences of moving and space. Their projects are often informed by collaborations with participants, be it humans, animals, or even the rays of the sun. Their work has been shown at amongst others: FID Marseille, Transmediale Berlin, Ars Electronica Linz, ZKM Karlsruhe, Media-Lab Prado Madrid; INIVA London, IMAL Brussels, Rento Brattinga | Galerie Amsterdam, Pixelache Helsinki, Lagos, Biennale Marrakech, Philadelphia and Los Angeles. 2016 Special Mention for the film Once We Get There Riga 2015  Expanded Media Preis For Network Culture at Stuttgarter Filmwinters - for “The Mailman’s Bag” 2005 Golden Nica for Interactive Art at Ars Electronica together with Ieva Auzina, with MILKproject. Esther Polak studied at the Rijksakademie for visual Arts in Amsterdam and the Royal Academy of Visual Arts in The Hague, NL Ivar van Bekkum studied journalism at the School for Journalism, Kampen, NL

David ross
Théodolitique
Doc. expérimental | 35mm | couleur | 15:10 | Canada | 2015

Théodolitique (2015) est un projet cinématique qui réunit le géodésique et le filmique, unissant la très longue histoire de l’arpentage et celle, comparativement nouvelle, des technologies cinématographiques. Reliant ces deux méthodes d’observation visuelle et d’enregistrement, Théodolitique documente des étudiants arpenteurs de l’École des Métiers du Sud-Ouest de Montréal au cours d’une seule journée, lors d’un examen extérieur. Théodolitique utilise un large éventail de techniques filmiques et acoustiques — y compris un microphone parabolique pour capter les sons distants, ainsi qu’une « théodocam » construite sur mesure pour recréer le point de vue d’un arpenteur — afin de refléter et mimer la manière dont les étudiants bougent, réfléchissent et apprennent leur métier. Tourné sur un terrain dédié à la pratique adjacent à l’École des Métiers, Théodolitique est un film à la fois chorographique et chorégraphique.

The works of David K. Ross are concerned with the processes and activities which enable infrastructural monuments, cultural institutions, and architectural structures to exist. Using photography, film and installation to carry out these inquiries, he examines the performative capacities of un-scripted activities, along with the relationships that exist between the recorded event and its re-presentation in physical space. These inquires have been applied to various projects including a study of the enigmatic activities of student land surveyors, the uncanny and oneiric qualities of a series of rooms at the Art Institute of Chicago, the nuanced and poetic movements of dancers about to perform, the mythic and sublime qualities of an urban lighting fixture in Montréal, the quietude of artists` storage spaces, and a close examination of colour coded art shipping crates. Works by David K. Ross have been exhibited in major institutions in North America and Europe and are included in private and public collections including the National Gallery of Canada, the Musée d`art contemporain de Montréal and the Canadian Centre for Architecture. My films and video installations have been featured at CineMarfa (2012), Le Mois de la Photo à Montréal (2013), the Graham Foundation for Advanced Studies in the Fine Arts (2014), and in the Toronto International Film Festival Wavelengths programme (2015). A survey of recent works Positions, was exhibited at Dazibao gallery in Montreal in the fall of 2015. The Traces of Lost Facts, an installation based on the making of the film Théodolitique was mounted at the Rice Media Centre in Houston Texas in the autumn of 2016.

Sirah foighel brutmann, Eitan Efrat
Orientation
Doc. expérimental | hdv | couleur | 12:40 | Belgique | 2015

Looking at two locations— the public sculpture White Square commemorating the founders of Tel Aviv, and the shrine of Palestinian village Salame in today’s Israeli Kafar Shalem—Orientation focuses on the ability of architectural material, and of sound and image, to register collective experience of forgetfulness. In 1989, the Israeli sculptor Dani Karavan, completed his sculpture White Square. The work was commissioned by the Municipality of Tel Aviv, and by the end of the building process Karavan decided to dedicate the sculpture to the founders of Tel Aviv—among whom his father Abraham Karavan, who was the city’s landscape architect for four decades from 1930’s onwards. The sculpture is composed of simple geometrical shapes and is made of white concrete, influenced by the International Style of early architecture in Tel Aviv. White Square—situated on the highest point in the area located in the eastern outskirts of Tel Aviv—overlooks through the skyscrapers all the way to the Mediterranean Sea in the west. The commonly used name of the hill on which White Square is exalted is pronounced in Arabic: “Giv’at Batih” (Watermelon Hill). The remains of the shrine of Salame, in today’s Tel Avivian neighbourhood Kfar Shalem is located a few hundred meters south of this hill. The abandoned dome-structure was once at the centre of the ancient Palestinian village Salame. The village, dating back to the 16th century up until 1948, was located on the highway from Jaffa Port to the mainland. During the ‘Nakba’ of 1948 it was occupied and depopulated by the Israeli Army and the new Zionist state. Weeks after expelling the Palestinian villagers from their land, the Israeli authorities—managing waves of Jewish immigration—re-inhabited the village with Yemenite Jews. Those, were settled in the original Palestinian stone houses. Today, decades later, the ownership of the land is still in dispute, and the Jewish-Israeli residents of Kfar Shalem are threatened with evacuation due to a construction-corporations’ plan to destroy the stone houses and to build a new profitable neighbourhood. Orientation is the second chapter in a series of works titled Gathering Series.


Sirah Foighel Brutmann and Eitan Efrat (both °1983 in Tel Aviv) have been working in collaboration for several years and are creating works in the Audiovisual field. Living and working in Brussels. Their works have been shown in filmfestivals as IDFA and Rotterdam Film Festival (NL); Courtisane (BE); New Horizons (PL); on ARTE/WDR; exhibited in solo exhibitions at Kunsthalle Basel (CH) and Argos (BE), and group exhibitions in STUK (BE); EMAF (DE) and The Petah-Tikva Museum for Contemporary Arts (IL). Their works have been produced by Auguste Orts and Argos (BE) and distributed by EYE institute (NL), they have won prizes in IMAGES (CA) and Oberhausen Film Festival (DE). Sirah and Eitan have presented their work as featured artists at the 59th Flaherty Film Seminar (US), and have participated in artists talks and presentations in institutions such as FLACC, Genk, LUCA BFA class, Brussels, L`erg BFA class, Brussels, DocNomads 2014, and Bezalel MFA class, Tel Aviv. Sirah and Eitan`s practice focuses on the performative aspects of the moving image. In their work they aim to mark the spatial and durational potentialities of reading of images – moving or still; the relations between spectatorship and history; and the temporality of narratives and memory. Sirah and Eitan are members of the artists-run collective Messidor

Michael macgarry
Excuse Me, While I Disappear
Fiction | hdv | couleur | 19:10 | Angola | 2015

The film was shot on location in Kilamba Kiaxi, a new underpopulated city outside Luanda, Angola built by Chinese construction company CITIC and financed by Hong Kong-based China International Fund. The film follows a young municipal worker who lives by night in the old city centre of Luanda and works by day as a groundskeeper at the new city of Kilamba Kiaxi far away.


Michael MacGarry is a multi-award winning visual artist and filmmaker, having exhibited internationally for ten years including TATE Modern, Guggenheim Bilbao, 19th VideoBrasil, 62nd Short Film Festival Oberhausen, International Film Festival Rotterdam and Les Rencontres Internationales. He holds an MFA from the University of the Witwatersrand (2004). MacGarry has been researching narratives and histories of socio-economics, politics, forms and objects within the context of contemporary Africa for over a decade. Frequently focused on marking key registers of modernism – MacGarry creates sculptures, films, installations and photographs which look at the contextual specifics of things and their place; how they are simultaneously distributed both as ideas and as objects in the world. His sculptural work is formed through processes of grafting and mutation, to produce fictional hybrids principally designed to question systemic paradigms: sovereign nationality; logics of making and meaning; power relations; notions of value, equity and progress as well as the relationship between industrial technology and African resources. In his filmmaking and photographic work these macro concerns often take the form of micro narratives, personal memory and subtle identity politics in spaces where contemporary life is in a state of invention and flux.

Michelle deignan
A Glimpse of Common Territory
Fiction expérimentale | hdv | couleur | 8:47 | Royaume-Uni | 2015

By exploring representation of time, movement, fact and fiction, `A Glimpse of Common Territory` tells of the unsettling distance between what we see, what we assume and what we know. Two aristocratic characters from an 1827 sci-fi novel, "The Mummy: a Tale of the Twenty Second Century", are invoked through the words of their author. We see them overlooking the landscape from an open platform within an uncanny architectural anomaly, a 127 metre cast concrete building in the centre of a housing estate. Together they confront a crisis, their new found awareness that what they perceive, see and control are completely fictitious. Though their negotiations are precarious they reach an understanding about how they can retain a semblance of control.


Deignan has exhibited her work in over 100 exhibitions, screenings and film festivals including: `New Work UK - Trust Yourself`, Whitechapel Gallery, London; `Europart - New Contemporary Art from Europe`, Vienna; `Terror and the Sublime: Art and Politics in an Age of Anxiety`, Crawford Art Gallery, Cork; `transmediale.08`, House of Cultures, Berlin; `Les Rencontres Internationale`, Gaîté Lyrique, Paris; Cork International Film Festival; `This Fanciful Digression`, CAN, Neuchatel, Switzerland; `Black Box Programme` at the Edinburgh Film Festival. Michelle Deignan`s moving image work is distributed by LUX.

Louis-cyprien rials
Polygon
Vidéo | 4k | couleur | 12:39 | Kazakhstan | 2016

Polygon est une vidéo de douze minutes, tournée dans le Polygone nucléaire de Semipalatinsk au Kazakhstan en 2016. Il vient comme une suite naturelle du film tourné en Irak par Rials, Mene, Mene, Tekel, Upharsin où l’auteur avait filmé un cercle de flammes éternelles dans un champ pétrolifère de Kirkouk.
C’est un cercle d’eau, de 400 mètres de diamètres, qui a retenu l’attention cette année, de l’artiste. Creusé par une bombe atomique en 1965, ce lac est empli d’une eau, radioactive, presque plus brûlante que le feu lui-même. Inspiré par La Jetée de Chris Marker, et Stalker de Tarkovski, la vidéo est composée de diaporama photographiques, de traveling satellitaires, de plans vidéo au sol ou pris avec un drone. Polygon est aussi une introduction à la première performance filmée de Rials. Les voix en Russe autant que la musique, écrite par Romain Poirier guident le spectateur vers une contemplation référencée, glissant d’une partie documentaire à une oeuvre presque science-fictionnelle, pourtant terriblement humaine et contemporaine. Pour reprendre un propos de Mark Twain, “ La vérité est parfois plus éloignée de nous que la fiction ” et il est donc plus facile, parfois, d’utiliser la fiction pour révéler une pénible vérité.

Né en 1981 à Paris, Louis-Cyprien Rials pratique la photographie et la vidéo. Après des études de théatre au conservatoire, son aspiration à des modes de création indépendants l’ont incliné vers les choix qui ont marqué sa carrière d’artiste. En 2005, il est parti vivre trois ans à Tokyo et y a organisé sa première exposition, Koban . Depuis son retour du Japon, il vit entre Paris et Berlin. Il y poursuit ses recherches. En 2010, il est parti pour un premier voyage à moto qui l’a conduit à Tchernobyl et en Europe de l’Est. L’année suivante, il est reparti pendant plusieurs mois : Il a alors parcouru l’ex-Yougoslavie, la République Turque de Chypre du Nord, l’Irak, la Géorgie, l’Arménie, la République du Haut- Karabagh, la Crimée, en documentant aussi bien des formes et des paysages que des zones entières, fermées, qu’il voit comme des “ parcs naturels involontaires “ En 2012, il a terminé sa première fiction expérimentale, le western déshumanisé Nessuno . Résident au Centre des Arts Photographiques de Bahrain de mars à mai 2014, il y a exposé à la maison Jamsheer, a donné des enseignements et entamé plusieurs projets, notamment, avec l’aide du chercheur Pierre Lombard sur les restes de la civilisation, Dilmun . En décembre de la même année il a été invité a réaliser son projet d’icônes ainsi que le projet documentaire Russia America en résidence à Kronstadt par le NCCA. ( National Center of Contemporary Art ) Il s’investit de plus en plus dans la création de vidéos à mi-chemin entre l’art et le documentaire contemplatif, avec les projets Holy Wars , Dilmun Highway ( Bahreïn, 2014 ), Mene, Mene, Tekel, Upharsin ( Irak, 2015 ), Polygon ( Kazakhstan 2016 ) et Résistances ( Lituanie et Liban 2017 )


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Sur Google Earth, Esther Polak et Ivar Van Bekkum suivent par GPS des habitants de Philadelphie. Points mobiles sur une surface plane, nous les entendons cependant : ils parlent de rencontres, de vision, d’économie, de politique, de social, mais jamais ils ne semblent se rencontrer. David Ross compare deux pratiques, la réalisation filmique et l’art ancien de la mesure du territoire. Il réalise son film pendant que des étudiants font une étude topographique. Sirah Foighel Brutmann et Eitan Efrat filment un quartier de Tel Aviv, sur lequel se trouve une sculpture commémorant les fondateurs de la ville, ainsi que les vestiges du sanctuaire d’un ancien village palestinien. Ils s’interrogent sur la capacité du matériau architectural, du son et de l’image à enregistrer l’expérience collective de l’oubli. Michael Macgarry filme un jeune employé municipal de Kilamba Kiaxi, en Angola, une ville-faubourg déserte construite par des entreprises chinoises, avec des fonds hongkongais. Depuis le sommet d’une étrange tour de 127 mètres de haut, construite dans un quartier de logements sociaux, Michelle Deignan fait dialoguer deux personnages sortis d’un roman de science-fiction écrit en 1827. Louis-Cyprien Rials se baigne dans le Polygone nucléaire de Semipalatinsk au Kazakhstan. Un cratère de 400 mètres de diamètre, creusé par une bombe atomique en 1965 : un lac empli d’une eau radioactive, presque plus brûlante que le feu lui-même.

jeudi

16 mars
18h00

Forum
Gaîté Lyrique
3 bis rue Papin - 75003 Paris / Métro: Arts et Métiers, Réaumur Sébastopol - lignes 3, 4, 11
Entrée libre / Pass et accréditation: accès prioritaire

Table ronde - "Politique de l'image"

Les Rencontres Internationales invitent des artistes, des curateurs, des directeurs artistiques et des programmateurs de musées et de centres d’art contemporain dans les domaines du cinéma contemporain, de la vidéo et des nouveaux médias.
Après une courte présentation de leur organisme/institution, les intervenants parleront de leur travail, des questions et préoccupations qui le traversent, dans le domaine de l’image en mouvement et des arts numériques. Dans un second temps, chacun parlera des changements observés dans les pratiques artistiques et culturelles, et de ce qui devrait changer dans la façon de penser ces pratiques.

PARTICIPANTS:
- William Huffman, curateur, directeur de la Inuit Art Foundation, Canada
- David Ross, artiste - Canada
- Laurence Bonvin, artiste - Suisse

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jeudi

16 mars
19h00

Projection
Gaîté Lyrique
3 bis rue Papin - 75003 Paris / Métro: Arts et Métiers, Réaumur Sébastopol - lignes 3, 4, 11
Entrée libre / Pass et accréditation: accès prioritaire

"Corps danse"

Giovanni giaretta: The Sailor | Vidéo | hdv | couleur | 8:0 | Pays-Bas | 2017 voir plus
Yoann lelong: Génèse | Doc. expérimental | hdv | couleur | 31:50 | France | 2016 voir plus
(la)horde: Novaciéries | Vidéo | hdv | couleur | 16:43 | France | 2015 voir plus
Bogdan smith: Traum | Fiction | hdv | couleur | 24:0 | France | 2016 voir plus
Giovanni giaretta
The Sailor
Vidéo | hdv | couleur | 8:0 | Pays-Bas | 2017

A voice-over tells the story of a sailor that dreams of a homeland he has never had; day after day the sailor constructs his new native land shaping it to his imagination. Inspired by Fernado Pessoa`s static drama "The Mariner" the video deals with the notion of what each of us addresses as home and foreign and at the same time with issues related to language and its translation. Playing with the perception of who is watching, confusing it and mixing it, whilst images of landscapes trick the eyes of the viewer creating shadow play illusions, the female voice speaks Na`vi, an invented language artificially created upon commission for the movie Avatar. Like a second voice, the subtitles suggest a relation established among words, images and imagination.


Giovanni Giaretta (Padua 1983) currently lives and works in Amsterdam. After graduating in Design and Production of Visual Arts at the University IUAV of Venice, he took part in a number of residency programs including: Dena Foundation for Contemporary Art in Paris in 2010; and most recently De Ateliers in Amsterdam. Giaretta’s work has been featured in exhibitions in Italy and abroad at diverse institutions and galleries such as: La Criée (Rennes, FR); Tegenboschvanvreden, (Amsterdam, NL); Foundation Botin (Santander, SP); Musée Départemental d’Art Contemporain de Rochechouart, (Rochechouart, FR); Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, (Torino, IT); and Motive Gallery (Amsterdam, NL). His films have been shown at the International Film Festival of Rotterdam (Rotterdam, NL) and the T-Mobile New Horizons International Film Festival (Wroclaw, PL), among other festivals and screenings. His actual research is focusing on the relationship between perception and alteration during the night time. For the last year, to carry on such research Giaretta has been working as night porter in an hotel in Amsterdam. From 2015, he is also working as co-teacher at the Salzburg International Summer Academy.

Yoann lelong
Génèse
Doc. expérimental | hdv | couleur | 31:50 | France | 2016

Derrière tout œuvre artistique, se cache un travail de recherche foisonnant, un parcours irrégulier fait d`avancées et de doutes. Mettant en perspective le travail de 2 artistes aux disciplines différentes, le film retrace ces moments d`improvisations, de répétition ou d`hésitations qui font partie intégrante d`une œuvre en devenir. Aux mouvements des danseurs hip-hop de la chorégraphe Anne Nguyen (artiste associé à Chaillot), se superpose une oeuvre musicale du musicien Les Gordon (du label Kitsuné), 2 univers qui, bien que différents, viennent se compléter pour créer une forme nouvelle et singulière. Qu`il s`agisse d`une pièce dansée ou d`une œuvre de musique, l`impression d`aisance et de maîtrise que suscite la découverte de l`oeuvre aboutie est toujours flagrante. Quel processus de création derrière cette sensation de fluidité, de perfection ? Comment, d`une matière brute et spontanée, naît l`oeuvre future ? C`est par cet angle que le film tente de capter et de retranscrire la genèse d`une création artistique, nourri par les séances de travail et de répétition des danseurs, autant que par la l`oeuvre musicale composée sur le mode de l`improvisation. Questionnement, tentatives, ajustements, répétitions... Autant d`étapes nécessaires que requiert la création d`un projet artistique, mouvement permanent oscillant entre la projection initiale de l`artiste et le projet en devenir, matière polymorphe et versatile. Miroir de cette genèse continue, le film finit par lui-même devenir objet de son propos.

Yoann Lelong, né en 1985. Après avoir étudié la physique quantique au cours de son cursus universitaire, Yoann Lelong s`est progressivement tourné vers la création artistique en se formant au California Institute of Arts et en collaborant avec le pionnier du mouvement No wave New Yorkais, Amos Poe. Le travail de Yoann Lelong émerge d`une vision du monde où tous les éléments sont reliés et interagissent entre eux. Chaque élément est, pour lui, une abstraction issue d`une totalité de mouvement fluide (telle la notion d`holomouvement). Il adopte ainsi une approche centrée sur l`individu pour ensuite en dégager une structure systémique en s`intéressant aux interactions qu`un individu peut avoir avec un lieu, une ambiance ou d`autres personnes. En 2013, encouragé par Alain Cavalier, Yoann Lelong réalise le film PERSON(A). Il s`agit de 23 portraits entrelacés (dont ceux de Benoit Forgeard, Amos Poe et Lola Bessis). En 2014, il rejoint l’expédition Tara Méditerranée, dans le cadre d`une résidence artistique qui donnera lieu à l`installation vidéo PerceptConcept. En 2015, Yoann Lelong a réalisé des projets sur le thème de la transidentité et de l`insertion des personnes réfugiées en collaboration avec l’association Singa. En 2017, il prépare une nouvelle œuvre en relation avec le centre de pédopsychiatrie de l`hôpital La Pitié Salpêtrière.

(la)horde
Novaciéries
Vidéo | hdv | couleur | 16:43 | France | 2015

Dans le film de 16 minutes intitulé Novaciéries (LA)HORDE met en place une situation contemplative où les différents aspect du jumpstyle - une danse issue du mouvement mainstream hardcore - sont mis en scène et réinterprétés pour livrer un compte rendu mystérieux des différents aspects du développement d`une danse post-internet. Le film est un projet global qui mélange des images cinématographiques réalisées par (LA)HORDE lors du tournage avec une équipe de cinéma, des captations d`une performance avec les interprètes du film et des images d`archives réalisées par les interprètes eux même (homemade videos). La caméra suit des danseurs et une chanteuse dans une ancienne aciérie abandonnée. Les protagonistes exécutent et répètent des gestes de HardJump et de Hakken au rythme des machines et de l`hymne Hardcore "Hardcore to the Bone" proclamé par la chanteuse lyrique. Il en découle une errance des différents interprètes avant de se retrouver pour livrer un spectacle sans public. On oscille tout du long entre la vision idéalisée de leur représentation et la réalité de sa visibilité. Mélangeant cinéma, performance et home vidéo, Novaciéries transcende le film dansé pour faire un portrait chorégraphié et métaphysique du monde post-industriel en réinterprétant une danse post-internet.

(LA)HORDE est un collectif artistique fondé en 2011. Il regroupe à sa direction trois artistes : Marine Brutti, Jonathan Debrouwer et Arthur Harel. (LA)HORDE oriente son champ d’action sur l’échange et le questionnement des codes de différentes disciplines artistiques notamment dans les milieux de l’art vivant et de l’art contemporain. Leur travail se développe à travers la mise en scène, la réalisation de films, l’installation vidéo, la création chorégraphique, et la performance.

Bogdan smith
Traum
Fiction | hdv | couleur | 24:0 | France | 2016

Epoque et pays indéterminés. Yevgueni, à 21 ans, est un jeune technicien- astronaute. S’il rêve de voyager dans l’espace, son emploi consiste à travailler au sein d’une base de lancement d’un centre spatial, en tant qu’opérateur de lancement d’astronefs. Lors du lancement particulièrement critique d’une navette Soyouz habitée, Yevgueni perd brutalement connaissance, causant la perte de contact avec l’équipage en orbite, et l’explosion de l’astronef dans l’espace. Hanté par cette catastrophe, Y perd progressivement pied avec le réel, et se laisse contaminer par ce trauma qui le hante.

Née à Paris, en 1985. Elle vit et travaille à Paris. Le travail transdisciplinaire de Dorothée Smith, plastique et théorique, s’appréhende comme une observation des constructions, déconstructions, délocalisations et mues de l’identité. La photogra- phie y côtoie le cinéma, la vidéo, l’art hybride et l’utilisation des nouvelles technologies. Ses tra- vaux furent présentés sous la forme d’expositions personnelles aux Rencontres Internationales de la Photographie d’Arles, à la galerie les Filles du Calvaire à Paris, au Musée National de la Photographie d’Helsinki en Finlande, mais aussi dans de nombreux pays d’Europe (Danemark, Luxembourg, Allemagne, Espagne, Italie...) et d’Asie (Japon, Chine, Cambodge, Corée du Sud).


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Giovanni Giaretta raconte l’histoire d’un marin rêvant d’une patrie qu’il n’a jamais eue. Yoann Lelong filme les moments d’improvisation, de répétition ou d’hésitation qui font partie d’une œuvre. Aux mouvements des danseurs hip-hop de la chorégraphe Anne Nguyen, se superpose une musique de Les Gordon. Deux univers qui se complètent dans une forme nouvelle et singulière. (La)Horde explore une situation contemplative où les différents aspects du jumpstyle - danse issue du mouvement mainstream hardcore - sont mis en scène et réinterprétés. La caméra suit des danseurs et une chanteuse dans une ancienne aciérie abandonnée. Les différents interprètes errent avant de se retrouver pour livrer un spectacle sans public. A une époque et dans un pays indéterminés, Bogdan Smith réalise une fiction autour de Yevgueni, 21 ans, jeune technicien-astronaute qui rêve de voyager dans l’espace. Lors du lancement particulièrement critique d’une navette Soyouz habitée, Yevgueni perd brutalement connaissance, causant la perte de contact avec l’équipage en orbite, et l’explosion de l’astronef dans l’espace. Hanté par cette catastrophe, il perd progressivement pied avec le réel, et se laisse contaminer par ce trauma qui le hante.


jeudi

16 mars
21h00

Projection
Gaîté Lyrique
3 bis rue Papin - 75003 Paris / Métro: Arts et Métiers, Réaumur Sébastopol - lignes 3, 4, 11
Entrée libre / Pass et accréditation: accès prioritaire

"Histoires d’un éléphant"

Noëlle pujol: Jumbo/Toto, histoires d’un éléphant | Doc. expérimental | mov | couleur | 67:0 | France | 2016 voir plus
Noëlle pujol
Jumbo/Toto, histoires d’un éléphant
Doc. expérimental | mov | couleur | 67:0 | France | 2016

De New York à Hambourg en passant par Rome, un récit d’enquête et d’aventure sur les traces d’un éléphant dont le destin reflète celui de l’Europe de la première moitié du XXème siècle.

Noëlle Pujol, née en 1972, a intégré Le Fresnoy - Studio national des arts contemporains après son diplôme à l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris en 2000. Depuis 1998, elle réalise des films de court et long métrage présentés à la fois dans de nombreux festivals de films internationaux et des lieux d’art contemporain.


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De New York à Hambourg, en passant par Rome, Noëlle Pujol fait le récit d’une enquête et d’aventures sur les traces d’un éléphant dont le destin reflète celui de l’Europe de la première moitié du XXème siècle. L’éléphant, doublement nommé, s’appelle Jumbo après sa capture en Tanzanie, alors colonie allemande, et s’appellera Toto dans l’Italie fasciste.