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Emelie chhangur
Allison chhorn
Catalogue : 2020The Plastic House | Doc. expérimental | 0 | couleur | 45:57 | Australie | 2019
Allison chhorn
The Plastic House
Doc. expérimental | 0 | couleur | 45:57 | Australie | 2019

A young woman constructs a solitary reality by imagining what life would be like after the passing of her parents. Absorbed in the slow process of working alone in the family’s greenhouse, she relives shadow memories of her Cambodian mother and father. The healing ritual of physical labour gradually reveals itself over time. As the plastic roof bears the weight of natural elements, the increasingly precarious weather threatens this new life alone.

Allison Chhorn (b. 1992) is a Cambodian-Australian film-maker and multidisciplinary artist whose work explores themes of migrant displacement, trauma and the repetition of memory. Chhorn produced, co-wrote and edited the feature films STANLEY'S MOUTH (2015) and YOUTH ON THE MARCH (2017), as well as directing numerous short films, site-specific video installations and documentaries including CLOSE UPS (2015), LAST TIME (2018), THE PLASTIC HOUSE (2019) and the forthcoming BLIND BODY. Her work has screened at Visions du Réel in Switzerland (Official Selection - Burning Lights International Competition 2020), the Sydney Film Festival (Official Selection - Documentary Australia Foundation Awards 2020), the Melbourne International Film Festival, Adelaide Film Festival, OzAsia Festival, Festival ECRÃ, FIDBA - Festival Internacional de Cine Documental (Official Selection - First Features Competition 2020), Valdivia International Film Festival (Official Selection - International Youth Feature Competition), Lima Alterna Festival Internacional de Cine (Official Selection - International Competition), Montreal International Documentary Festival (RIDM) and Black Canvas - Festival de Cine Contemporáneo (Official Selection - Beyond the Canvas Competition).

Patric chiha
Catalogue : 2006Les messieurs | Doc. expérimental | dv | couleur | 25:0 | Allemagne | 2006
Patric chiha
Les messieurs
Doc. expérimental | dv | couleur | 25:0 | Allemagne | 2006

Gugging est l?un des deux hôpitaux psychiatriques de la région de Vienne. L?hôpital est constitué de plusieurs pavillons, dont un s?appelle « La Maison des Artistes ». Là vivent et travaillent quinze peintres, entourés de quelques infirmières et d?un médecin. Trois Messieurs serait le portrait croisé de trois hommes qui tous trois peignent et vivent dans la même chambre. Dans ce portrait, j?aimerais aborder la façon dont leur environnement et Vienne marquent leurs récits et leurs tableaux. Je voudrais tenter, en les écoutant et en les interrogeant, de comprendre et de m?approcher de leur point de vue compliqué, à la fois fragile et brutal, sur l?extérieur. Plus que leur activité de peintres et ce qu?on appelle l?« Art Brut », ce qui m?importe est de questionner une citoyenneté singulière et émouvante, marquée par le souvenir et construite dans l?isolement.

Né en 1975 à Vienne, Patric Chiha vit et travaille à Paris. De 1998 à 2001, il étudie le montage à l?INSAS (Bruxelles). Pendant ses études, au lendemain de la coalition qui porte l?extrême-droite autrichienne au pouvoir, il réalise DE VIENNE, un documentaire sur sa ville où il a grandi (2001, 6?, vidéo, couleurs). Depuis, il également réalisé ALBERTINE! (2002, 1?, vidéo/Super 8mm, couleurs), CASA UGALDE (2004, 20?, 35mm, couleurs, produit par Kinoko Films) et HOME (2006, 50`, 35mm couleurs). Par ailleurs, Patric Chiha travaille régulièrement comme monteur, notamment pour Vincent Dieutre, dont il également été assistant réalisateur.

Angélica chio
Catalogue : 2005Bei Kerzenschimmer und Sonnenschein | Art vidéo | dv | couleur | 7:0 | Mexique | Allemagne | 2005
Angélica chio
Bei Kerzenschimmer und Sonnenschein
Art vidéo | dv | couleur | 7:0 | Mexique | Allemagne | 2005

Un quidam se promène dans les rues d'un quartier berlinois connu. En même temps , un homme et une femme chantent en duo une chanson d'amour. Le texte de la chanson est basée sur des petites annonces internet de recherche de partenaires, en allemand. La vidéo cherche à questionner les attentes des hommes et des femmes modernes, et à révéler l'utilisation quotidienne de la langue allemande dans sa relation historique entre amour et chanson.

Né en 1966 à Mexico au Mexique. Il a étudié à l'Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado (Ecole supérieure de la peinture, de la sculpture et de la sérigraphie) La Esmeralda à Mexico et à la HdK ( aujourd'hui la UdK, Université des Arts) à Berlin. Vit et travaille à Berlin depuis 1993. Reçoit une bourse par le FONCA Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (Fond National pour la Culture et les Arts)à Mexico pour les programmes suivants: Intercambio de Residencias Artísticas México-Canada [bourse de résidence Banff Centre for the Arts, Canada] 1999, Jóvenes Creadores [Jeunes Artistes] 2001-2002, et Intercambio de Residencias Artísticas México-Colombia [bourse de résidence Bogota, Colombie] 2003.

Chen Hung chiu
Catalogue : 2014大理石廠工人 | Doc. expérimental | hdv | couleur | 7:30 | Taiwan | 2013
Chen Hung chiu
Doc. expérimental | hdv | couleur | 7:30 | Taiwan | 2013

The video shows two Tai labors in Hualien marble factory pushed a trolley used in the past particularly for mine district, today , this old style trolley has been replaced by the new style crane, Artist invites two labors walking back and forth through the old trolley that he gilded by covering gold leaves as a divinized presentation. This work therefore has blended and mixed the reality and memory in life like the layers of wrinkles and folds in the stratum, the viewer could create an archaeological journey from the imaginations in many aspects.

Chen-Hung Chiu creative works revolve around collecting those inadvertently hidden objects / people and legends surrounding him, as well as rewriting the ambiguous ties between these "anonymous identities" and the locality, in a sense analogous to the connections between body and building, city and cells, monuments and intimacy. Comparable to the process of remodeling monuments, he strips away the logic designed and rationalized by social structures in attempt to rename those that offer significance and meaning to each material. Yet, unlike the citations made through reminiscing in the past, his works are instead sincere observations which explore personal experience and logic. Important exhibitions Chiu participated in include the Liverpool Biennial: City States(2012), ThaiTai:A Measure of Understanding, Bangkok Art and Culture Centre(2012), Une terrible poetique, La Biennale de Lyon, Galerie Olivier Hong(2011), Arte da Taiwan, Museo di Arte Contemporanea di Villa Croce, Genova(2011), Taiwan Calling-The Phantom of Liberty, Mucsarnot Museum, Budapest(2010), etc. in 2012, he was also chosen as an artist in residence at Cite internationale des arts Paris for the 12th Visual Arts Talent Exchange Program conducted by the Taiwan Ministry of Culture.

Stanley cho
Catalogue : 2005Nevertheless | Fiction | 16mm | noir et blanc | 20:40 | USA | 2004
Stanley cho
Fiction | 16mm | noir et blanc | 20:40 | USA | 2004

Joseph est engagé dans un voyage sinueux. Son oncle, Henry, est veuf et vit seul. Joseph arrive chez Henry. Gisela, qui lit Neruda, est la gouvernante d'Henry. Sam, qui joue du piano, habite à côté et est le seul ami de Henry. Joseph a sa propre tristesse, mais cela conduit Henry à repenser à ses propres souvenirs sombres.

Stanley Cho vit et travaille à Los Angeles, Californie. Il obtient son diplôme à la UCLA School of Art and Architecture en 2001. "Nevertheless" est son deuxième court-métrage.

Seoungho cho
Catalogue : 2005Untitled | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 12:22 | Coree du Sud | USA | 2004
Seoungho cho
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 12:22 | Coree du Sud | USA | 2004

With Untitled, Seoungho Cho continues to refine and heighten the issues he has long pursued in his quietly beautiful work. The source material for this video was filmed in a Korean factory and at Information Technology College in Pusan, Korea, with extensive use of macro-focus and close-up. This intense examination of the behavior of industrial machinery is well suited to the precise, exacting quality of Cho`s digital editing, in which "real" images are multiplied, re-sized, and rhythmically sequenced. The soundtrack, composed by the artist, alternates between stretches of silence and periods of eerie noise, complimenting the elegance of this composition. Electronic Arts Intermix

The video works of Korean artist Seoungho Cho are distinguished by a lyrical confluence of complex image processing and sound collage. His works are formalist, almost painterly explorations of subjectivity and the subconscious. These poetic meditations often focus on isolation and estrangement in relation to culture and landscape. Electronic Arts Intermix

Catalogue : 2006WS.2 | Art vidéo | dv | couleur | 8:6 | Coree du Sud | USA | 2004
Seoungho cho
Art vidéo | dv | couleur | 8:6 | Coree du Sud | USA | 2004

Il y a plusieurs aspects de l?acte d?observation qui rendent la réaction que l?on devant une image subjective. Seoungho Cho en souligne quelques importants et en omet clairement différents autres qui sont pourtant importants aussi. On ne nous propose aucun récit, aucun contexte ni aucune palette de couleur variée, pas de tout, pas de partie. Ces restrictions lui permettent en grande partie de définir la manière d?observer du spectateur comme une action en elle-même. Le cadre de ?WS.2? est en mouvement, ce qui permet au spectateur de prendre conscience du mécanisme de l??il, de la lumière, de la distance, de l?espace et de la réflexion, et de l?analogie de ceux-ci avec la caméra, l?enregistrement et la projection. L?image qui change à des moments bien choisis, provoque des changements dans notre perception de l?espace. Cela apporte un sentiment de transposition, le sentiment qu?on cherche quelque chose ? comme si on voyageait derrière la fenêtre d?un véhicule conduit par quelqu?un d?autre ? en avant puis en arrière de nouveau, comme s?il devait y avoir une raison pour regarder quelque chose en arrière. Le mouvement est tellement précis et contrôlé qu?il n?en est plus ni naturel ni physique, un peu comme un robot ; comme si quelqu?un contrôlait votre tête et vos yeux avec un joystick. Et pourtant ce que nous voyons rappelle le monde, un caractère capricieux et la beauté. Des lignes qui ondulent nous rappelant des dunes, des gros plans de courbes qui nous rappellent celle du corps, des plans micro de textiles ou des plans macro de vaste paysages pour définir cela, parce que l?image reste toujours ?matérielle?. Ce que vous voyez est une raison d?installer une chaise de réalisateur pour Cho dans votre tête.

Seoungho Cho est né en 1959 à Pusan en Corée du Sud. Il a obtenu un B.A. (Bachelor of Arts) et un M.A. (Master of Arts) en arts graphiques à l?université de Hong-Ik, en Corée et un M.A. en vidéo à l?université de New York. En 1998, il a reçu le Rockefeller Foundation Media Arts Fellowship et en 2003, une récompense de la Jerome Foundation. Il a également obtenu la ?Juror?s Citation au 18ème Annual Black Maria Film and Video Festival ainsi que le prix international pour la vidéo d?art de ZKM. Parmi les expositions personnelles de Cho on compte par exemple le Museum of Modern Art de New York ; la Philip Feldman Gallery en Oregon ; le Contemporary Art Museum d?Honolulu à Hawaii ; le Pusan Metropolitan Museum of Art en Corée ; le Montevideo à Amsterdam et la Cinémathèque Ontario à Toronto. Son travail a été présenté dans de nombreux festivals internationaux et expositions collectives, comme par exemple the Philadelphia Museum of Art à Philadelphie, the Museum of Contemporary Art à Chicago, le 58ème Fetsival International du Film d?Edimbourg, le Pandaemonium ?98 au Lux Centre de Londres, le Centro d?Art Santa Monica de Barcelone en Espagne, the National Gallery of Art de Washington DC, le Stedelijk Museum à Amsterdam, le Samsung Museujm of Modern Art en Corée, le Festival Nouveau Cinéma, Nouveaux Médias de Montréal au Canada, la Valencia Biennial en Espagne, the Kwangju Biennial en Corée, the Palm Beach Institute of Contemporary Art en Floride, the Robert Flaherty Film Seminars; Artist?s Space à New York, the International Film Festival Rotterdam, et the New York Video Festival au Lincoln Center à New York. Les cassettes de Cho ont été diffusées au niveau national et international, il vit à New York.

Catalogue : 2006Snap | Vidéo expérimentale | dv | couleur et n&b | 4:32 | Coree du Sud | USA | 2006
Seoungho cho
Vidéo expérimentale | dv | couleur et n&b | 4:32 | Coree du Sud | USA | 2006

"Snap" is a taut, minimalist work that explores the aesthetics of digital video production. Fingers and hands in close-up move fast, then slowly, to a soundtrack of stylized clicks and snaps, while intermittent flares of color burn through the original black and white footage. "Snap" pushes figure and sound toward abstraction in an inventive, considered, and pleasurable exploration of moving image technology.

Seoungho Cho was born in 1959 in Pusan, South Korea. He received his B.A. and M.A. in Graphic Arts from Hong-Ik University, Korea, and an M.A. in video art from New York University. In 1998 he received a Rockefeller Foundation Media Arts Fellowship and in 2003 he received a Jerome Foundation grant. He received the "Juror's Citation" at the 18th Annual Black Maria Film and Video Festival as well as the International Award for Video Art from ZKM.

Catalogue : 2006Show your tongue | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 6:8 | Coree du Sud | USA | 2006
Seoungho cho
Show your tongue
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 6:8 | Coree du Sud | USA | 2006

"Show Your Tongue" de Seoungho Cho est un millefeuille, une ?uvre composée de différentes couches. La première est de l?eau. On observe sa surface. On la voit de dessus et de près. Elle est parcourue de petites ondulations. Elle est d?un bleu profond. La deuxième couche est aussi fine et vivante, aussi gracieuse que la première. Son reflet sonore presque parfait, impossible de les différencier. Puis, petit à petit, la sensation de paix se dissipe. On commence à percevoir l?existence des monstres qui vivent sous la surface. Leurs écailles, leurs ailerons se frôlent. Leurs bouches claquent à la surface de l?eau. Cho manipule les images de ces bêtes en un motif vivant de formes et de motivation qui débordent les une sur les autres, recouvert d?un glaçage aqueux brillant. Il tisse une structure transparente en deux dimensions. Une structure qui se développe toute seule, couche après couche, et qui grandira jusqu?à consumer les filtres et les optiques de la camera, jusqu?à brûler la pellicule et les rétines du spectateur.

Seoungho cho
Catalogue : 2007snap | Art vidéo | | couleur et n&b | 4:32 | Coree du Sud | USA | 2006
Seoungho cho
Art vidéo | | couleur et n&b | 4:32 | Coree du Sud | USA | 2006

"Snap" est une oeuvre brève et minimaliste qui explore l'esthétique de la production vidéo numérique. Des doigts et des mains en gros plan effectuent des mouvements rapides, puis lents, suivant une bande son de cliquetis et de claquements stylisés, tandis que des flammes de couleur traversent par intermittence les images originales en noir et blanc. "Snap" pousse l'image et le son vers l'abstraction dans une exploration inventive, bien pensée et agréable de la technologie de l'image en mouvement.

Seoungho Cho est né en 1959 à Pusan, en Corée du Sud. Il est diplômé de l'université d'arts graphiques de Honk-lk en Corée. Il a également un diplôme en art vidéo de l'université de New York. En 1998, il a reçu une bourse du Rockfeller Foundation Media Arts et en 2003 l'aide de la Jerome Foundation. Il a reçu la "Juror's Citation" au 18ème Black Maria Film and Video Festival ainsi qu'un prix pour l'art vidéo de ZKM.

Catalogue : 2008I left my silent house | Art vidéo | dv | couleur et n&b | 8:51 | Coree du Sud | USA | 2007
Seoungho cho
I left my silent house
Art vidéo | dv | couleur et n&b | 8:51 | Coree du Sud | USA | 2007

La dernière ?uvre de Seoungho Cho, « I Left my Silent House », commence dans une atmosphère méditative, avec des images en noir et blanc de personnes dans le métro, se transforme ensuite en un voyage coloré à travers des espaces théâtraux ouverts, pour retourner enfin de nouveau à la ville. La vidéo est une recherche sur les tensions et les plaisirs du voyage et, en fin de compte, sur la métamorphose.

Seoungho Cho est né en 1959 à Pusan (Corée du Sud) et vit actuellement à New York. Il a obtenu sa licence et sa maîtrise en arts graphiques à l?Université de Hong-Ik (Corée), et une maîtrise en art vidéo à l'Université de New York. En 1998, il a reçu une bourse en arts médiatiques de la Fondation Rockefeller et, en 2003, une subvention de la Jerome Foundation. Il lui a été décerné le Grand Prix du 27e Annual Black Maria Film and Video Festival, ainsi que le Prix International pour l'Art Vidéo du ZKM. Les vidéos de Cho ont été diffusées à une échelle nationale et internationale.

Catalogue : 2009buoy | Vidéo | dv | couleur | 6:21 | Coree du Sud | USA | 2008
Seoungho cho
Vidéo | dv | couleur | 6:21 | Coree du Sud | USA | 2008

BUOY/ SEOUNGHO CHO 6:21 MINUTES, COLOR, SOUND, 2008 The golden, barren landscape of Death Valley, California, recorded by Cho from a moving car, provides the luminous and mysterious texture of Buoy. As the title suggests, this work reflects on the polar extremes of this desert, which was once the floor of a vast sea, now traversed by sight-seeing tourists. In contrast to the horizontal landscape, which floats ceaselessly past Cho`s camera, vertical "strata" pattern the imagery, creating an axis between natural landscape and Cho`s composition. Cho accumulated his Death Valley footage over several years; the vertical patterning further represents the collapse of this footage into what appears to be a continuous drive through the desert.

Seoungho Cho was born in 1959 in Pusan, South Korea, and currently lives and works in New York. He received a BA and an MA in graphic arts from Hong-Ik University, Korea, and an MA in video art from New York University. He has had solo exhibitions in many prestigious venues such as the Museum of Modern Art in New York and his videos have been shown in biennales and group screenings throughout Europe and North America. Cho has received various awards and grants, including ones from the Jerome and Rockefeller foundations. Cho uses digital image processing techniques to manipulate simple, everyday objects, scenes or landscapes into highly lyrical sound and image collages. Cho`s videos are often very painterly in their use of rich, saturated colour and exquisite composition of the space on the screen. The works sometimes involve subtly developed, open-ended narratives that emphasize the embodied nature of perception and experience. The formal aspects of Cho`s videos are closely tied to explorations of how nature is represented through technology, specifically how representation is constituted by traces of contact between bodies, technology and the environment.

Catalogue : 2016Latency / Contemplation 1 | Vidéo | hdv | couleur | 6:32 | Coree du Sud | USA | 2016
Seoungho cho
Latency / Contemplation 1
Vidéo | hdv | couleur | 6:32 | Coree du Sud | USA | 2016

In this video, Cho transforms the sea shore into a visual poem. His inner landscapes and his perception of the outer world come together in an abstract meditation about space and place, light, time and traveling. The video consists of heavily electronic distorted images which result in mainly horizontal lines and colour bars which are reminiscent of the horizontal lines of VHS video. At the same time, Cho pushes the image to the edge of abstraction through which its relation to painting comes to the fore; through the emphasis on the flatness of the image this work reminds us of colour field painting (Mark Rothko). The soundtrack consists of manipulated audio of sea sound, like waves and wind, also pushing to abstraction. To this `noise` a minimal, poetic piano sound is added which brings a melancholic sphere to the work. The montage is hardly felt since cuts seem to be absent: everything seems to be metamorphosed into one another. Through the contemplative quality of the sound as well as the image, this video becomes a wondrous experience.

Seoungho Cho was born in 1959 in S.Korea. He received his M.A. from New York Univ. He received a Rockefeller Foundation Fellowship. Cho`s solo exhibitions have included The Museum of Modern Art, NY, Montevideo, Amsterdam and LeeUm Museum of Modern Art, Seoul. His installations have been selected for the permanent collection at such as the Museum of Modern Art, NY; LeeUm Museum of Modern Art, Korea and at the Los Angeles International Airport. In 2012, Cho`s Buoy (2008) was presented as a massive multi-channel installation in Times Square NY, a collaboration between EAI and the Times Square Alliance. Cho`s tapes have been broadcast nationally and internationally. He lives in New York.

Eun Woo cho
Catalogue : 2008GATE | Installation multimédia | dv | couleur | 1:20 | Coree du Sud | USA | 2008
Eun Woo cho
Installation multimédia | dv | couleur | 1:20 | Coree du Sud | USA | 2008

« Gate » constitue un point d?entrée ou un tournant dans l?espace psychologique circonscrit dans, et créée par, une forme architecturale spécifique à l?intérieur du corps humain. Il représente une ouverture, avec différents types de rencontres humaines et de séparations. « Gate » voudrait réussir à s?opposer au contrôle extrême des entrées et à la libre sortie de soi-même et des autres. Le geste de rencontre et de séparation est une forme de psychothérapie, qui a émergé avec la communication interpersonnelle et l?intensification de l?expérience psychologique du spectateur et du public. Lorsque le processus de séparation se produit, il transforme un mélange de substances, en rapport avec plusieurs espaces physiques, en différents composants architecturaux et psychanalytiques. Souvent, la pression du pouvoir et la force politique provoquent d?inévitables migrations humaines, ainsi qu?immigration, rencontres et séparations. Ces séparations et rencontres sont intimement liées au cycle de vie naturel. La structure de la pression ou du pouvoir impose des situations frontalières existantes, telles précisément, la séparation actuelle entre Corée du Nord et Corée du Sud.

Cho Eun Woo est née à Séoul (Corée). Elle a obtenu son BFA (Bachelor of Fine Arts) à l?Ontario College of Arts & Design (Canada). Elle a été impliquée dans diverses performances et expositions au Canada, en Italie et aux USA. Elle a récemment obtenu son MFA (Master of Fine Arts ) de la School of Visual Art de New York (USA) et fréquente actuellement les cours de l?Institute for Doctoral Studies in the Visual Arts Main de Portland (USA). Elle a obtenu des résidence artistiques auprès de la 7e Gawnju Biennale Global Institution et du Skowhegan Residency Program in Main de Portland en 2008-2009, et du Cat?Art en France, en 2007-2008.

Pip chodorov
Catalogue : 2018The Stranger | Fiction expérimentale | 16mm | couleur | 9:19 | USA | Roumanie | 2018
Pip chodorov
The Stranger
Fiction expérimentale | 16mm | couleur | 9:19 | USA | Roumanie | 2018

Romanian fairy tales usually start with the sentence: “Once upon a time something happened, if it hadn’t happened it couldn’t be told”. In this fairy tale, a stranger visits the remote mountain village of Slon. This film was made at an annual ten-day filmmaking residency in Slon. As a stranger myself, first time to Romania, with only four days to shoot and four days to edit, I wrote this modern-day fairy tale to coincide with my fantasy idea of what my unpredictable visit to the village would be like.

Pip Chodorov. Born April 13, 1965 in New York. Filmmaking and music composition since 1972. Studied cognitive science at the University of Rochester, NY and film semiotics at the University of Paris, France. Work in film distribution - previously Orion Classics, NYC; UGC, Paris; Light Cone, Paris; and, currently, Re:Voir Video, Paris, which he founded in 1994 and The Film Gallery, the first art gallery devoted excusively to experimental film. He is also co-founder of L`Abominable, a cooperative do-it-yourself film lab in Paris, and the moderator of the internet-based forum on experimental film, FrameWorks.

Adam chodzko
Catalogue : 2014Knots | Fiction expérimentale | hdv | couleur | 8:5 | Royaume-Uni | 2013
Adam chodzko
Fiction expérimentale | hdv | couleur | 8:5 | Royaume-Uni | 2013

In Knots, Adam Chodzko focuses on the remote but important relationship between the artist Kurt Schwitters, in the final years of his life in the late 1940’s, living in poverty and exile in England’s Lake District, and J. Edgar Kaufmann, the wealthy owner of the Kaufman Department Store in Pittsburgh, USA. Kaufmann had arranged for money to be wired to Schwitters so that he could develop a new Merz structure. Chodzko plays with the desire to conclude and tie up the loose and disparate ends of this narrative. He imagines the now empty Merzbarn (Schwitters final work having been removed to a Newcastle museum in 1965) as a vacuum, sucking in thoughts, desires and matter; all caught up in the vortex of a dream-like surreality. Kaufmann had commissioned Frank Lloyd Wright to design his Pittsburgh office, a structure that itself was also later displaced from its source when donated to the Victoria & Albert Museum, London. Chodzko sees the interior spaces that Schwitters and Kaufmann worked within as unstable, flowing, collaged together, as though becoming a Merz themselves, whilst the form of the video also echoes this process of construction and deconstruction. Knots is a mesmerizing combination of fact and fiction, text and moving image building a story about longing, creation and fragmentation, endings and beginnings, networks of people and isolated individuals, separations and notions of home. It was commissioned by Tate Britain in 2012.

Adam Chodzko’s art explores the interactions and possibilities of human behaviour by investigating the space between how we are and how we could be. Working across media, from video installation to subtle interventions, with a practice that is situated both within the gallery and the wider public realm, his work investigates and invents the possibilities of collective imagination through using a poetics of everyday life. By wondering how, through the visual, we might best engage with the existence of others he reveals the realities that emerge from the search for this knowledge. Chodzko's art proposes new relationships between our value and belief systems, exploring their effect on our communal and private spaces and the documents and fictions that control, describe and guide them. Working directly with the networks of people and places that surround him, often using forms of anthropology, Chodzko focuses on the relational politics of culture's edges, endings, displacements, transitions and disappearances through a provocative looking in the 'wrong' place; a search for knowledge through instability. His art is catalysed by imagining a collapse of the category of Art, requiring not only a new audience but also a new status for the art object. Chodzko’s practice operates in the tight, poetic spaces he evolves between documentary and fantasy, conceptualism and surrealism, and public and private space, often engaging reflexively and directly with the role of the viewer. Intimate collections and ephemeral communities are frequently generated through his works; assemblies of owners of a particular jacket and a reunion of the children 'murdered' in a Pasolini film; a god look-alike contest; lighting technicians asked to advise on the light in heaven; a London gallery's archive given to a group of Kurdish asylum seekers to edit and hide outside the capital; the multi-faceted Design for a Carnival, the evolution of a ritual event for the future including Settlement, the legal purchase of a square foot of land as a gift to a stranger, Nightshift, a late night parade of nocturnal animals to the Frieze Art Fair, London and M-path, the collection and distribution of perception-changing footwear for gallery visitors. More recently a trilogy science fiction video and mixed media works, Hole, Around and Pyramid, have all explored, the idea of art becoming a vehicle for a community’s collective mythology, whilst Echo, The Pickers and Ghost elaborate these themes through excavating processes of memory, empathy and the imaginary. Because, 2013 (at Tate Britain) and We are Ready for your Arrival, 2013 (at Raven Row) further develop these ideas through manifestations of the unconscious relationships between individuals and groups; their excesses and disappearances. Born in 1965. Lives and works in Whitstable, Kent, UK. Since 1991 Chodzko has exhibited extensively in international solo and group exhibitions including: Raven Row, London; Tate Britain; Tate, St Ives; Museo d'Arte Moderna, Bologna (MAMBo); The Benaki Museum, Athens; Athens Biennale, Istanbul Biennale, Venice Biennale; Royal Academy, London; Deste Foundation, Athens; PS1, NY; Ikon Gallery, Birmingham, Kunstmuseum Luzern etc. Recent projects include commissions by Creative Time, New York, The Contemporary Art Society, Frieze Art Fair, and Hayward Gallery. In 2002 he received awards from the Hamlyn Foundation and the Foundation for Contemporary Art, New York, and in 2007 was awarded an AHRC Research Fellowship in the Film Department at the University of Kent, Canterbury. His work is in the collections of the Tate, The British Council, The British Film Institute, The Arts Council, APT, Auckland City Art Gallery, Contemporary Art Society Collection, The Creative Foundation, Frac Languedoc-Rousillon, GAM - Galleria d’Arte Moderna, Turin, Grizedale Arts, MAMBo - Museo d’Arte Moderna di Bologna, Plains Arts Museum, North Dakota, USA, Saatchi Collection, South London Gallery, Towner Gallery Eastbourne, and international private collections.

Isaac chong wai
Catalogue : 2020Rehearsal of the Futures: Police Training Exercises | Vidéo | mp4 | | 18:14 | Hong Kong | 2018
Isaac chong wai
Rehearsal of the Futures: Police Training Exercises
Vidéo | mp4 | | 18:14 | Hong Kong | 2018

In Rehearsal of the Futures: Police Training Exercises (2018), Isaac Chong Wai choreographs the movement of uniformed riot police in a tortuously slow motion, imbuing their originally violent intentions with a paradoxical gentleness. Slowing down the aggressive attack and the collision of bodies, the posturing and movements struggle in between touching and hitting. These decelerated actions visualise the violence inflicted upon individuals by the collective power structures.

ISAAC CHONG WAI is a Berlin-based artist from Hong Kong. He works across a range of media, including performance, installation, painting, video, photography and multimedia. Influenced by personal events and global phenomena, he engages themes of collectivism and individualism, geopolitics, migration, historical trauma, identity politics and public spheres. Dealing with societal shifts, global tensions and collective wounds, he endeavors to transform the powerlessness—the unanswered demands, the suppression from authority and the denial of individual freedom—into resistance, rebellion and criticism of social systems. He had solo exhibitions at Bilsart, commissioned by Kulturakademie Tarabya and Zilberman (2021); Blindspot Gallery, Hong Kong (2019); Zilberman, Berlin (2019); Kunstraum München, Munich (2018); Goethe Institut Hongkong,  Hong Kong (2018); Bauhaus Museum, Weimar (2016). His work has been shown at National Museum of Modern and Contemporary Art, Seoul, Innsbruck Biennial and IFFR, Rotterdam (2020); Museum of Contemporary Art in Taipei and Guangdong Times Museum in Guangzhou (2019); M+ Museum and Para Site in Hong Kong (2018); Stiftung Brandenburger Tor and Haus der Kulturen der Welt in Berlin (2017); Deutsche Ku?nstlerbund, Berlin and Gwangju Media Art Festival (2016); Kunstfest Weimar and Macura Museum, Serbia (2015); Moscow Biennale for Young Art in Museum of Moscow (2014). He graduated from Academy of Visual Arts at Hong Kong Baptist University with a BA in Visual Arts and Bauhaus-Universität in Weimar, Germany, with a MFA in Public Art and New Artistic Strategies. 

Oleg chorny, gena khmaruk
Catalogue : 2005Pershe Karaoke | Doc. expérimental | dv | noir et blanc | 3:0 | Ukraine | 2005
Oleg chorny , gena khmaruk
Pershe Karaoke
Doc. expérimental | dv | noir et blanc | 3:0 | Ukraine | 2005

L'histoire vraie de la première invention du karaoke.

OlEG CHORNY. Est né en 1963. Il obtient son diplôme au Département de réalisation du Kiev State Institute of Theatre and Cinema en 1985. Il a travaillé dans de nombreux studios de films et vidéos gouvernementaux et non gouvernementaux. Avec Gena Khmaruk, il a fondé le service créatif non gouvernemental "Sampled Pictures". GENA KHMARUK. Est né en 1972. Il obtient son diplôme au Département de réalisation de la Ukrainian State Academy of Culture en 1996. Il a travaillé comme monteur dans divers studios de télé. Il travaille également comme présentateur de clips et infographiste.

Vera chotzoglou
Catalogue : 2020Monstera | Vidéo | hdv | couleur | 8:24 | Grèce | 0
Vera chotzoglou
Vidéo | hdv | couleur | 8:24 | Grèce | 0

monstera deliciosa; an originally tropical plant, which is now very popular as an indoor plant, used as an aesthetic, decorative object. Inside our houses, they claim for their space, their freedom, their existence. In this work, monstera becomes a comparison with and the symbol of our very own internment experience, deriving from the recent lockdown. A state, for which we have not been prepared for, that brought a destabilization in various aspects, deviating us from our familiar course and directions. As if the world was blown away in a delirious drift and suddenly or better, violently, derailed, but in terms of a shocking, unexpected pause. In this narration video, the consecutive scenes of indoor life, shown in a back and forth motion, eliminate the perception of time and connote a disarray process, a state of turbulence or surprise, with the parallel narration, consisting in the protagonist plant’s features; inertia bodies, the monstera in an indoor tropical storm, wild animals in captivity, lighting bolts, along with an orgasm scene, a Luchador* getting prepared, footage from an athenian balcony during the lockdown period. The strobe lights used, tent to reveal the party echo and intensify the feeling that something is about to start. In this field of desire, reality, struggle, memory and expectation, a whole new perception of being developed. The accumulated tension that the state of hold has brought, leads to the persistent bodies’ preparation for wrestling and crash. Through the way we perceive the body, how we contemplate its inner rhythm, our physical beingness, this work aims to trace layers of now, potential and future options of (co) existence, as an “expedition chronicle”, about what is getting prepared and about the totally new emerging context, culture and daily life. *Luchador is the term used in Mexico for the professional wrestlers. Text Credits: Pavlina Kyrkou

Vera Chotzoglou is a Visual artist working with time based media. They are an Athens School of Fine arts’ BA & MFA graduate, Department of Visual Arts, Fine Arts & Art Education (2013-2018). They had studied in Academy of Fine Arts in Munich with an Erasmus+ scholarship. They was awarded with audience award for the shortfilm S W E A T at 22th Thessaloniki International GLAD Film Festival (2021) , SNF Artist Fellowship Award by Stavros Niarchos Foundation(2019) Scholarship to cover Degree Expenses from Athens School of Fine arts(2018) and audience award for the short film “Munich almost killed me ½” at 2th Piraeus Film Festival in Athens(2018) They has exhibited internationally at 22th Thessaloniki International GLAD Film Festival Thessaloniki-Greece (2021), Interface video art festival, Zagreb-Croatia (2020), 26th Athens International Film Festival (2020), Centrum Berlin, Berlin, Germany (2020), Eos Gallery (2019), Athens, A.Antonopoulou Gallery, Athens (2019), GRRL HAUS CINEMA, Berlin (2019), Hacker Porn Film Festival, Rome (2019), Platforms project, Athens (2019), Foto Wien, Austria (2019), 6th Athens Biennale, Athens, Greece,(2018) Inshort Film Festival, Lagos, Negiria (2018), Action Field Kodra, Thessaloniki (2018), 2th Pireus Film Festival,Athens (2018), Belleve di Monaco, Munich (2016), TAF Gallery, Athens (2013) et al. ?hey work may be found in private collections. Vera Chotzoglou lives and works between Athens & Berlin

Ijosé chou
Catalogue : 2005Bullfight (acts of war) | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 1:0 | Sahara Occidental | Liberia | 2004
Ijosé chou
Bullfight (acts of war)
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 1:0 | Sahara Occidental | Liberia | 2004

"Bullfight" touche à des espaces qui sont psychiques, personnels, privés / déplacés ? où le corps est un fois cru et interposé comme un clown, et matador et un taureau.

Il est né et a été élevé en Afrique Occidentale et vit maintenant en Amérique du Nord.

Catalogue : 2005Anne | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 1:25 | Sahara Occidental | Canada | 2003
Ijosé chou
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 1:25 | Sahara Occidental | Canada | 2003

Dans "anne", les images archives sont un acte de souvenir. En insérant mon visage (et par-là même, "mon corps"), sur l'un des personnages du film, "Anne of Green Gables", je démarre un processus de souvenir qui est autant romanesque qu'historique.

Est né et a grandi dans les pays de l'Ouest de l'Afrique. Vit actuellement en Amérique du Nord. Son activité comprend la peinture, le dessin, la vidéo et la représentation vidéo.

Davy chou
Catalogue : 2014Cambodia 2099 | Fiction expérimentale | hdv | couleur | 21:0 | France | 2014
Davy chou
Cambodia 2099
Fiction expérimentale | hdv | couleur | 21:0 | France | 2014

Phnom Penh, Cambodge. Sur Diamond Island, joyau de modernité du pays, deux amis se racontent les rêves qu'ils ont faits la veille.

Davy Chou est un réalisateur français. Son premier long métrage documentaire, Le Sommeil d’or, fut sélectionné au Forum de la Berlinale 2012 et au festival international de Busan 2011. Il développe un long métrage de fiction intitulé Diamond Island.

Isoje chou
Catalogue : 2007anne (the assumption) | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 3:0 | Nigeria | Canada | 2006
Isoje chou
anne (the assumption)
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 3:0 | Nigeria | Canada | 2006

Dans "Anne (The assumption), les images d'archive sont un acte de mémoire, de mort et d'élévation physique. En insérant mon visage "natal" sur celui du personnage Anne du film Canadien par essence "Anne of Green Gables", le doux plaisir du film de télévision est transformé en déconcertant souvenir, tout autant fictionnel qu'historique.

Iso Chou est née à Kano, au Niger. Elle possède une double origine: chinoise/ mandchourienne et nigérienne/cap-verdienne. Elle a obtenu son Master of Arts à l'université de York, à Toronto.

Saddie choua
Catalogue : 2019Today is the Shortest Day of the Year But Somehow Hanging Around With You All Day Makes it Seem Like the Longest | Vidéo | super8 | couleur | 11:45 | Belgique | Allemagne | 2018
Saddie choua
Today is the Shortest Day of the Year But Somehow Hanging Around With You All Day Makes it Seem Like the Longest
Vidéo | super8 | couleur | 11:45 | Belgique | Allemagne | 2018

Dans ses films, Saddie Choua combine son propre matériel cinématographique avec des images trouvées, des documents d’archives visuels et textuels, provenant de diverses sources, telles que la télévision nationale, des programmes de loisirs, des vidéos musicales et des magazines. Dans sa pratique, Saddie Choua se concentre sur le rôle de l’image en mouvement dans les loisirs et la politique et leur influence sur l’image commune de l’Autre. Dans certains de ses projets, elle introduit du matériel autobiographique pour rechercher le rôle entre elle et cet Autre. Dans ses films et installations, Saddie Choua simule la conception des médias de masse vus du salon, créant ainsi une situation familière pour transmettre de nouvelles images qui suggèrent les complexités de l’Autre. Saddie Choua montre les structures de pouvoir derrière l’industrie de l’image actuelle et les préjugés et malentendus qu’elles provoquent.

Saddie Choua a étudié la sociologie à la VUB de Bruxelles. Elle participe actuellement au projet international de recherche et de discussion intitulé “Décolonisation perverse”, à l’Akademie der Künster der Welt à Cologne. Saddie Choua a été invitée pour les expositions personnelles suivantes (une sélection) : Le Joli Mois de Mai, Ten Weyngaert, Bruxelles, 2017 ; The Chouas - Work in Progress, MU.ZEE, Ostende, 2016 ; Great News. J’ai été élu félin de l’année, WIELS, 2014. Ses œuvres ont également été présentées dans les expositions de groupe, festivals et projections suivants (une sélection) : Festival Concreto, Fortaleza, 2017 ; Montrez-moi vos archives et je vous dirai qui est au pouvoir, KIOSK, Gand, 2017 ; Je crois qu’il y a une confusion chez vous. Vous croyez que moi je veux vous imiter, Kaaistudio’s, Bruxelles, 2017 ; The Chouas - A work in progress Episode #3, Human(art)istic festival, Beursschouwburg, Bruxelles, 2016 ; L’acte de fixer le soleil, Zwart Wild, Gand, 2016 ; Biënnale de Marrakech, Marrakech, 2016 ; Festival d’égalité, Vooruit, Gand, 2015 ; Été de la photographie, BOZAR, Bruxelles, 2014.

Omar chowdhury
Catalogue : 2015The Colonies at Dusk | Vidéo | hdv | couleur | 12:49 | Bangladesh | Australie | 2014
Omar chowdhury
The Colonies at Dusk
Vidéo | hdv | couleur | 12:49 | Bangladesh | Australie | 2014

To make the moving-image work for Means the recently returned Australian-Bangladeshi artist Omar Chowdhury headed out into the Australian bush seeking a form of simple and focused sensing. Carrying stills and cinematic cameras, he ventured into the Southern Highlands of New South Wales, crossed the Great Dividing Range, and wandered out to the remnant Victorian gold towns, searching. Haunted by the ‘weirdness’ of the trees, the totemic termite mounds, the warbling creeks and dirt packed roads, he felt himself and his thinking seep into the darkening landscape. The traces of this spiritual ethereality inhere in his strange and occult video footage of animals, rocks, branches, burnings, machines and the silence of the isolate people. In it, somewhere, lie the means of his being.

Bangladeshi-Australian artist Omar Chowdhury makes moving-image, photographic, conceptual and textual installations based on immersions into contested spaces and their histories. Often mixing notions of ontology, political economy, and the spirit, they hold in uneasy tension various polarities: facts and the surreal, humour and melancholia, rhythm with chaos, weakness and power, and memory with forgetting. Out of these cohesions and frictions he produces densely woven languages and environments of moral and psychic inquiry. In 2016 he has an upcoming solo presentations at Bengal Gallery (Dhaka) and Dhaka Art Summit 2016 and screenings at the Queensland Gallery of Modern Art (Brisbane) for Asia Pacific Triennial 8. Recently he has had solo exhibitions at 4A Centre for Contemporary Asian Art (Sydney), ALASKA Projects (Sydney) and MOMENTUM (Berlin). He was a finalist in the 2015 John Fries Award (Sydney) and the 2015 and 2016 Blake Prize Award (Sydney). He is the recent recipient of a Bengal Foundation Practice Grant, Keir Foundation/4A Commission, Australia Council Skills and Development Grant, Edward M. Kennedy Grant for the Arts, and an Australian Cinematographer`s Society Gold Award. He also founded and often programs the Bengal Cinematheque in Dhaka.

Thanos chrysakis
Catalogue : 2006Errant waves | Création sonore | 0 | | 40:9 | Grèce | Royaume-Uni | 2006
Thanos chrysakis
Errant waves
Création sonore | 0 | | 40:9 | Grèce | Royaume-Uni | 2006

"Errant Waves" fait partie de la série "Inscapes", un recueil de compositions reposant sur les affinités entre les timbres de différents sons. Les micro-sonorités changeantes et leurs micro-ondulations au niveau de la 'texture' du morceau permettent l'émergence d'espaces auditifs dynamiques.

Thanos Chrysakis est un compositeur établi à Londres. Après avoir étudié la timbale, les percussions et la musique classique tout étant musicien(brièvement) dans des théatres d'Athènes, il se dirige vers l'étude des arts sonores et de la musique électronique. Il est actuellement étudiant en doctorat (PhD) au Goldsmiths College de l'université de Londres. Sa production musicale est faite de compositions microacoustiques, de musique instrumentale et d'installations/environnements féconds. Sa musique et son travail sonore se retrouvent sur différents labels indépendants et ont été présentés lors de d'évènements tels que le CYNETart - Dresde, Complexités -Chateâu de Linardie, Senouillac, Maison Populaire ?Art Numériques [Pulsations] ? Paris, ArtPool - Budapest. Son "Inscape 5" a été sélectionné pour participer au Concours international de musique et d`art sonore électroacoustiques de Bourges 2005 dans la catégorie '?uvre d`art sonore électroacoustique'. Bien qu'étant essentiellemnt intéressé par la musique et le son, il écrit également de la poésie et crée, de manière indépendante, des séquences d'images expérimentales. Ses poèmes sont publiés dans des journaux grecs et sur internet, quant aux séquences d'images, elles ont été présentées à l'occasion de festivals comme l'Island Art Film & Video Festival - Londres, la 2° Biennale Internationale de Ferrara et le SynchCinema Festival ? Athens, La Casa Encendida ? Madrid, Image Forum Festival -Tokyo.

Danaya chulphuthiphong
Catalogue : 2016Demos | Vidéo | hdv | couleur | 13:0 | Thaïlande | 2016
Danaya chulphuthiphong
Vidéo | hdv | couleur | 13:0 | Thaïlande | 2016

By the time the zoo is closing, detained animals feeling frustrated and confused. The only thing they can do is retaining a slight degree of consciousness, waiting for the changing of time. `Demos` is a lyrical assemblage of the observational footage collecting from various places. The film is an attempt to depict the gloom, the oppression and the surreal reality under the military regime since the coup in 2014.

Danaya Chulphuthiphong lives and works in Bangkok, Thailand. She holds a BA in Archaeology and MFA in Visual Arts. She started her career as a documentary photographer for a newspaper and a magazine. She is interested in lens-based arts and works with both still and moving images. In 2014, Danaya made her first short film `Night Watch` which has been selected for participation in the International Competition of the 61st International Short Film Festival Oberhausen, Experimenta India and won the Special Jury Prize from Fronteira, The International Documentary and Experimental Film Festival. The film was also screened as part of the 28th Images Festival, Hors Pistes Tokyo, Arkipel, KLEX, Pori Film Festival and the 26th Singapore International Film Festival. In 2016, Danaya released her second short film, `Demos` which has been selected for participation in Southeast Asian Short Film Competition of the 27th Singapore International Film Festival and won the BACC award from the 20th Thai Short Film and Video Festival.