DEL 30 DE JUNIO AL 5 DE JULIO
[RECORRIDO VÍDEO]

INAUGURACIÓN : EL 30 DE JUNIO > 19h
Del 1 al 5 de julio > 14h - 21h

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ENTRADA LIBRE
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"APRES LA FIN / VALEUR TRAVAIL"

Ce parcours vidéo s'inscrit dans le prolongement de l'exposition présentée à Madrid du 16 avril au 16 mai 2009 à la Tabacalera - Futur Centre national des arts visuels. Comme un second volet d'une même exposition, ou un post-scriptum, elle reprend dans son titre, avec ironie et désenchantement, le concept de "valeur travail" développé par Adam Smith et Karl Marx, et propose un regard critique sur notre monde contemporain, celui du travail et de l'économie à entendre en un double sens: le travail et l'économie de notre monde diurne, ce monde qui représente pour la plupart d'entre nous plus de la moitié de notre temps, structurant véritablement notre quotidien, mais également dans un sens plus général, celui le travail et de l'économie des signes et des significations. Les oeuvres de ce parcours proposent pour la plupart une introspection anthropologique, une réflexion sur les structures de ce quotidien, sur les structures de représentation et de communication, sur l'économie des signes, leur dissolution ou leur vacuité.

Patrick BERNATCHEZ: I feel cold today
Video, 16mm | 0:14:00
Canadá | 2007


Basada en las ideas de decadencia, entropía y renacimiento, "The Chrysalides Trilogy" es una serie de tres vídeos sin aparente conexión, que priorizan momentos de tensión ascendente pero que, finalmente, alcanzan una conclusión narrativa. I Feel Cold Today representa un espacio de oficinas que, silenciosa y lentamente, va llenándose de nieve que cae. Aunque no aparezca ningún ser vivo en el vídeo, el papel abandonado, los libros y el material de oficina son una clave que nos habla de una previa ocupación humana del espacio, otorgando a la escena un humor inquietante.

Patrick Bernatchez vive y trabaja en Montreal, Canadá. Desde hace algunos años, desarrolla un recorrido multiforme, que se caracteriza por una estética que mezcla lo maravilloso y lo monstruoso. Explora la fotografía, la instalación o el vídeo tanto como el dibujo y la pintura, sus medios predilectos. Los temas del cuerpo, de la mutación, del sexo, de la muerte y del renacimiento son explorados a través de una exuberancia y de un lirismo, que conjugan lo fantasmagórico y las pesadillas. Su interés se sitúa en la "crónica de una muerte anunciada", a través del desfile inmutable del tiempo: la de los seres vivos, de los individuos, de las sociedades. En este sentido, se interesa por los rasgos de una cierta esquizofrenia social, entre la figuración y la abstracción. Dichos rasgos son traducidos en composiciones tanto pictóricas como fotográficas, en películas y en instalaciones escultóricas y sonoras. Ha expuesto Chrysalides en el Centro de artes actuales Skol en Montreal (2008) y en la Galería l'Œil de Poisson, Quebec (2008); Blossom, en la Galería Donald Browne de Montreal (2007); Mécanique et débordements, en la Galería de arte de Matane (2004) y la Galería B-312 de Montreal (2004). Ha participado en exposiciones como: "Rien ne se perd, rien ne se crée, tout se transforme", en el Museo de Arte Contemporáneo de Montreal (2008); "Les Intrus" en el Museo Nacional de Bellas Artes de Quebec (2008); "VALEURS/VALUES/VREDNOSTI", en la XI Bienal de Artes Visuales de 11º, en Pan?evo, Serbia (2004); o "Bonheur et simulacres, Manif d'art 2", en Quebec (2003).

Karel DE COCK: Resonance
Ficción experimental | dv | color | 00:18:30
Bélgica | 2008


Tenemos a John, un hombre de negocios de Luisiana. François - el banquero de Londres y Antoine, un agente suizo. Juntos, reflexionan sobre su carrera, sobre las elecciones que han hecho y sobre las que no han hecho. Las elecciones que han construido su éxito y hecho de ellos lo que hoy son. Mientras comenzamos a conocerlos un poco, comenzamos también a conocer algún otro. Alguien que ha tal vez tenido menos suerte en su carrera. O puede ser que estemos viendo el verdadero rostro del éxito.

Karel De Cock es un cineasta que vive y estudia en Bruselas. En principio tiene una formación en concepción gráfica, pero rápidamente despertó en él un interés por el cine.
El fundamento de sus películas se encuentra siempre en la psiquis de los personajes. Para cada nueva película, el desafío principal es de encontrar un nuevo modo de hacer pasar la narración y de inventar cómo combinar de modo armonioso el contenido y la forma. Gracias a su formación gráfica, mezcla las convenciones de comunicación a través de las imágenes fijas, con aquellas del cine tradicional. De esta manera, agranda las convenciones cinematográficas tradicionales y explora nuevos medios de comunicación.

Diego DEL POZO BARRIUSO: El topo y la anguila
Animación | dv | 0:05:02
España | 2007


"El topo y la anguila" es una película sobre el intercambio, el trabajo efectivo y las relaciones entre la economía y el afecto.
Cuenta la historia de dos grupos de clandestinos que han inventado otro tipo de economía durante un período de guerra. Los individuos que pertenecen a estos dos grupos eligen vivir una existencia muy precaria, en el contexto de una economía supuestamente abundante. Es asimismo la historia de dos grupos de personas anónimas que pertenecen a dos clases y dos niveles de producción diferentes. Buscan acciones subjetivas por medio de la emancipación de la cadena de intercambios afectivos.
En la película, la ciudad, el río, la isla y las redes humanas operan de manera simbólica y nos obligan a reflexionar sobre los problemas y las contradicciones de nuestro tiempo.
Para los Rencontres, la película se limita a una versión mono-canal, pero existe también con el formato de videoinstalación, con varias series de dibujos.

Diego Del Pozo Barriuso nació en Valladolid en 1974. Vive y trabaja en Madrid. Estudió en la Facultad de Bellas Artes de salamanca y de Madrid, y también en la Gerrit Rietveld Academie de Ámsterdam.
Artista y productor cultural, desarrolla proyectos sobre la producción social del cuerpo y de la identidad. Su obra se basa en su interés por el afecto, el amor y el deseo, y por la forma en que esas emociones, asociadas a la experiencia subjetiva y privada, están condicionadas por nuestro ambiente social, por el poder y por los métodos de producción.
Su trabajo se basa asimismo sobre la idea de que los mecanismos de control social están interiorizados por los individuos. Utilizando diferentes técnicas y medios: dibujo, instalaciones, vídeo… - nos pone frente a frente a una realidad en la cual nuestros deseos, que creemos personales y privados se revelan ser construcciones que incitan al consumo o al control social.

Bertrand DEZOTEUX: Le Corso
Animación | hdv | color | 00:14:00
Francia | 2008


Al comienzo de este proyecto, la idea era hacer un vídeo rural, sin antropomorfismos, que se colocara desde el punto de vista del animal. Evidentemente, este postulado es en vano: los animales no hacen vídeos, y menos aún en 3D. La película toma las dimensiones de un documental sobre un grupo de animales. La cámara parece sostenida por un amateur que, mal que bien, intenta seguir la carrera sobrexcitada de criaturas impasibles. Su raza es indistinta, y los caracteres son tomados de diferentes especies (bovinos, felinos, insectos). A pesar de todo, estas bestias parecen obedecer a toda suerte de reglas, de mimetismos y de rituales bien identificables. Algunos de ellos reenvían directamente a una inteligencia primitiva (ponerse en círculo y girar), o a acontecimientos ligados a un pasado próximo (la enfermedad de Creutzfeld-Jakob).

Nacido en Bayonne, Francia, Bertrand Dezoteux es un joven artista vasco que no ha dejado de alejarse de su tierra natal. Exiliado primero en Angoulême para estudiar la narración gráfica entre 2001 y 2003, migra en 2004, a Pusán, en Corea del Sur, donde aprende las exigencias y el rigor de la pintura coreana. Finalmente, termina su escolaridad en Estrasburgo y pasa son DNSEP en junio de 2006. En 2003 participa en la creación del colectivo Caligrauk!, cuya vocación inicial era la concepción y la producción de una revista interactiva y cuyos objetivos actuales no son muy claros. En 2006 colaboró con el artista Plamen Dejanoff, quien le encomendó cinco collages y un vídeo para su exposición en el MuMok de Viena. Antiguo estudiante del Fresnoy, intenta observar cuidadosamente las costumbres del hombre digital.

Johanna DOMKE: Cuers
Video | 0:18:05
Alemania | 2008


Cuers se inspira en el "Proceso" de Kafka y en el universo fílmico de Orson Welles. El espectador es llevado en un viaje por los espacios públicos en los cuales la gente debe sufrir una larga espera. El individuo se presenta como un ser singular, enfrentado a las estructuras del espacio público. El tiempo y el espacio se disuelven en imágenes caleidoscópicas, que subrayan con qué dificultad nos integramos en nuestro ambiente, tanto física como mentalmente.

La práctica artística de Johanna Domke deriva de observar de cerca las estructuras urbanas y la psicología de los espacios públicos. Sus películas giran alrededor de nuestra experiencia de la realidad y la tensión estética entre lo público y lo privado. Se preocupa por las situaciones reales, pero alterna entre la documentación y la puesta en escena de esas situaciones. El posterior proceso técnico del material reduce estas situaciones a fenómenos aislados, que se mueven en la frontera entre el documental y la ficción no narrativa. Tras estudiar en la Academia de Arte y Diseño Muthesius en Kiel, Johanna Domke continuó sus estudios en la Academia Real de Arte de Copenhage y la Academia de Arte de Malmö, en Suecia, donde obtuvo su Máster en 2004. En 2003 recibió el Premio ZKM International Media Art Award, el Premio de la Audiencia, por su obra para un sólo canal "Let the wind blow" y el Premio Brockmann de la Stadtgalerie de Kiel. En 2004 obtuvo la beca Edstranska para graduados. Desde entonces, Domke ha expuesto su trabajo en prestigiosas instituciones de arte, como el Casino Luxemburgo, Göteborg Konstmuseum, el museo KIASMA de Arte Contemporáneo en Helsinki y en festivales internacionales de cine, como el de Oberhausen, el Festival de Cine de Locarno, la Videonale en el Bonner Kunstmuseum y el VIPER de Basilea.

Peter DOWNSBROUGH: And [ Back
Video | dv | blanco y negro | 00:04:37
EE.UU/Bélgica | 2006


"And Back" "juega" un "juego" complejo con las palabras "and" ("y") y "back" (atrás), en el que la palabra "back" funciona a veces como indicador, a veces como detonador, a veces como comentario sobre lo que sucede en la pantalla. Se trata en particular de movimientos derecha/izquierda e izquierda/derecha ("back" significa igualmente "retroceder") de las cosas representadas - en su mayoría vehículos - pero también de las intervenciones cinematográficas. Este momento de "back" es a veces repetido en la tipografía; finalmente, este momento ingresa y, en un sentido, organiza la obra en su integralidad: como una "historia" que se desarrolla, como una "estructura" con sus simetrías y sus calidades morfológicas.

Peter Downsbrough nació en Estados unidos en 1940. Su obra - escultura, grafismo, fotografía, vídeo, cine, libro - nació de un interés por la arquitectura, y explora la relación compleja entre arquitectura, lenguaje y tipografía, intentando no guardar más que lo esencial. La forma es reducida a líneas, los colores son casi inexistentes. En sus vídeos, el movimiento y el lenguaje son considerados en relación al tiempo y al espacio: ambos representan y reconstruyen la arquitectura moderna urbana e industrial. También produce, en paralelo, un desvío lingüístico: insertando e imponiendo bloques de palabras como AND, AS o IN, Downsbrough hace de su vídeo una suerte de "frase" que funciona igualmente como un "lugar" que puede recoger al espectador. Las obras de Meter Downsbrough son expuestas en el Museo Reina Sofía, en Madrid; en el SMAK, en Ghent, en el Palacio de las Bellas Artes de Bruselas y en el Museo Sztuki, en Lodz (Polonia).

Marianne FLOTRON: Fired
Video | dv | color | 00:07:51
Suiza/Países Bajos | 2007


Nacida en Suiza en 1970, Marianne Flotron vive y trabaja actualmente en Ámsterdam. Luego de dos años de estudios de historia en Zurich, siguió los cursos de la Escuela de Bellas Artes de Ginebra donde obtuvo su diploma en 2001. Está en residencia artística en la Academia de Bellas Artes Rijk, en Ámsterdam. Recibió el Swiss Art Award en 2003 y en 2007. En 2008, recibió la beca Aeschlimann Corti del cantón de Berna.
Su obra está modelada más bien por la deconstrucción de un objeto o de una situación dada que por la adición de capas sucesivas. Igualmente su interés por la interrelación entre los sistemas (políticos y económicos) y el comportamiento humano, intenta re-encontrar las huellas de las manipulaciones que pueden potencialmente influenciar el comportamiento humano (y viceversa). Su punto de partida es a menudo una forma de comportamiento que, fuera de contexto, tiene la tendencia de transformarse en algo abstracto o absurdo.

Alicia FRAMIS: Secret strike Rabobank
Video | betaSP | color | 00:09:17
España/Países Bajos | 2004-2008


Just an ordinary weekday at the Rabobank head office. Employees are performing their usual tasks. The camera takes a tour through the building, starting in the basement and then moving upwards, floor by floor. While the filming takes place, all ongoing activities - insofar as there were any - come to a halt and freeze. Everyone is paralysed, from the seven directors of the bank, up to the cleaning ladies, the security personnel, and dozens of employees having lunch in the canteen. What remains is a secret choreography of bodies that have come to a standstill, seemingly pointlessly. Framis has been wondering what would happen if we stop doing the things we always do, day in day out, hour after hour. In contrast to a real strike, in which tools are downed consciously, as a means to another end, Framis' Secret Strike performances are about the confrontation with ourselves. A strike can be something personal, small, modest but powerful; if everyday someone stops working a few minutes to think or to resist, this might end up being more dangerous than a large, planned strike.

Alicia Framis was born in 1967 in Barcelona, Spain. She studied Fine Arts at the Barcelona University and at Ecole de Beaux Arts in Paris. She also completed her masters at the Institut d'Hautes Etudes, Paris and at the Rijksakademie Van Beelde Kunstende, Amsterdam. Alicia has lived and worked in Barcelona (1985-1990), Paris (1990-1993), and Amsterdam (1995-2005). She currently works in Shanghai.

Niklas GOLDBACH: Dawn
Video | 0:01:12
Alemania | 2008


"Dawn" fue filmada en el sótano del Palais de Tokio en París. El Palais fue construido con destino a la Exposición Universal de 1937. Aunque la fachada clásica de los años '30 todavía se conserva, el interior pasó por toda serie de modificaciones. En 2001, el edificio fue reconstruido por completo. El vídeo muestra a unas sesenta personas inmóviles, acostadas sobre sacos de dormir en el citado sótano, mientras que una bola de espejos, como las de las discotecas, gira lentamente.

Niklas Goldbach nació en Witten (Alemania) en 1973. Estudió fotografía en la Universidad de Bielefeld (Alemania) y artes mediáticas y experimentales en la Universidad de las Artes de Berlín, donde obtuvo su diploma en 2004, con la mención de honor. En 2005, se especializó siguiendo el programa Integrated Media Arts, del Master of Fine Arts del Hunter Collage, de la City University de Nueva York. Todo ello, antes de proseguir sus estudios en el tercer ciclo de la Universidad de las Artes de Berlín, donde obtuvo su diploma de "Meisterschüler". Desde 2001, su obra se ha expuesto en museos y festivales de diversos países: PAN (Pallazzo delle Arti), Nápoles, (2008); XXV Festival de Cine y Vídeo de Kassel, Alemania (2008); Festival Internacional de Cortos de Oberhausen, (2008); "Pavillon 07", en el Palais de Tokyo, París (2008); 58 Berlinale (Berlin International Film Festival), (2008), entre otros.

Mehdi MEDDACI: Lancer une pierre
Video | hdv | color | 00:22:00
Francia/ | 2008


¿Quién no ha lanzado nunca una piedra para iniciar una vibración del mundo? O al menos de su imagen, para poder así reactivar un lazo sensible con lo que queda de lo real…
Sólo entonces, en un espacio en circuito cerrado, entre la imagen y el sonido, entre construcción y deconstrucción. Sumergido y emergido, dos riveras pueden a pesar de todo coexistir y algunas personas lanzan una piedra en el espacio de una falta.

Mehdi Meddaci nació en 1980. Se diplomó en el Estudio Nacional de Artes Contemporáneas Le Fresnoy, y en la Escuela Superior de Fotografía de Arlés, ambos en Francia. Sus obras fueron expuestas en diversos lugares: en diciembre de 2008 en el Grand Palais (exposición colectiva), Francia; en noviembre de 2008, en el Festival de Artes y Culturas Digitales de Gran Canaria, en las Islas Canarias; en octubre 2008, en el Festival Internacional de Cine Mediterráneo de Montpellier; en el Festival "Temps d'images" la Ferme du Buisson en París ; en junio de 2008, en Panorama 9-10, Le Fresnoy (exposición colectiva) ; en octubre de 2007, en el Festival Internacional de Cine Mediterráneo de Montpellier; en junio de 2007, en Panorama 8 "Présumés coupables !", (exposición colectiva) ; en enero de 2007, en el Frac PACA de Marsella.

Erik MOSKOWITZ, Amanda TRAGER: Cloud Cuckoo Land
Video | 0:16:27
EE.UU | 2008


Cloud Cuckoo Land es una colaboración entre Erik Moskowitz y Amanda Trager. El título está sacado de la obra de Aristófanes "Los pájaros". En el siglo IV antes de Cristo, la noción de utopía estaba ya de moda, pero también era cuestionada. El relato habla del traslado de una familia a una comunidad contemporánea. El personaje central, Bianca, después de haber fantaseado durante años sobre la mejor manera de educar a sus hijos además de la idea fija y romántica sobre el "mejor" modo de vida, se ve enfrentada a su propia intolerancia y a su incapacidad para integrarse en la comunidad. El relato del vídeo, que explota los medios cinematográficos clásicos como el campo-contracampo, está destinado a la exposición y a las galerías o museos, tanto como a los espacios cinematográficos. Cloud Cuckoo Land critica los postulados clásicos sobre cómo diferenciar espacio público y espacio privado.

Erik Moskowitz y Amanda Trager viven y trabajan entre Nueva York y Canadá. Erik Moskowitz utiliza la relación entre el cine y el espacio de la galería como punto de partida para la instalación y las películas. Amanda Trager, por su parte, fusiona pintura, escultura e instalaciones en relatos de prosa autobiográficos. Más recientemente, Moskowitz ha destacado por sus músicas e instalaciones de vídeo basadas en fuentes literarias. Su trabajo se ha expuesto en el Momenta Art, de Nueva York (2008); Freight and Volume, Nueva York (2006); Holiday, Nueva York (2005); Le Sous Salon, de París (2005); la "Exposition 5-31 Janvier 2009", en la Escuela Superior de Bellas Artes de Cherbourg, Francia (2009); "Melodrama", en la Galería Sara Meltzer de Nueva York (2008); Impakt, Holanda(2007) y Antimatter, Canadá (2007 y 2006), entre otros.
El trabajo de Amanda Trager se ha podido ver en Momenta Art de Nueva York (en 2001 y 2008), el Sous Salon de París (2005), la Galería Clifford-Smith de Boston (1998), la Galería Annika Sundvik de Nueva York (1996); en la "Exposition 5-31 Janvier 2009", de la Escuela Superior de Bellas Artes de Cherbourg, Francia (2009); Tina B.-The Prague Contemporary Art Festival (2008); el Open House en el Museo de Brooklyn (2004); el NextNext Visual Art program en la Academia de Música de Brooklyn (2004); la Galería White Box de Nueva York (1998) y la Galería Feature (1996).

Antoni MUNTADAS: Stuttgart (for H.H.)
Instalación Video | dv | 0:09:11
EE.UU | 2006


"Stuttgart (for H.H.) presenta el logo de una empresa conocida, simbolizando así un cierto standard de sofisticación comercial, reconocible en todos los lugares del mundo y particularmente portador de significado en el contexto alemán. Este logo corona un espacio arquitectónico indefinido y gira lentamente sobre su eje como si fuera un ojo fantástico o un radar que lo vigila todo a su alrededor. La cámara que captura la imagen se ha detenido y permanece en un estado de vigilancia dando lugar a un loop aparentemente sin fin, una coreografía reiterativa que nos permite ver de cerca a este símbolo, con una calidad visual deliberadamente mala - típica del metraje CCTV. Por ende, el logo comercial remplaza el edificio conmemorativo en su rol de signo urbano y como punto referente para la memoria individual, transformándose en el depósito de una forma de identidad colectiva vinculada a los valores económicos y jerárquicos." Valentín Roma

Examinando los medios de comunicación como un instrumento de socialización y normalización, los vídeos e instalaciones internacionalmente reconocidos de Antonio Muntadas investigan los mensajes contradictorios proyectados por la prensa, las transmisiones, la arquitectura y el lenguaje. A través de su trabajo, Muntadas recontextualiza las imágenes para provocar al espectador, para que re-piense el significado de los mensajes, creando una brecha en la corriente de informaciones, uniformemente construida, construída por los publicitarios para ser consumida totalmente, sin ser analizada por el público. En Political Advertisement (montada junto a Marshall Reese), Muntadas nos muestra una tierra de manipulaciones, la tierra de la política en la televisión. Su lectura se concentra en al mundo del arte y presenta entrevistas que revelan las estructuras entretejidas que delimitan cómo el arte comunica; cómo está hecho, cómo es comprado y vendido.

Noëlle PUJOL, Ludovic BUREL: Rien n'a été fait
Documental | dv | 0:39:00
Francia | 2007


Neo-establecidos, nos hemos infiltrado clandestinamente en una fábrica. Como en una base militar, una prisión o una caja fuerte con sus puertas cerradas, nosotros habíamos estado durante muchos años encerrados. De esta profundidad de campo temporal resulta el efecto de sedimentación de materiales de la película (una mezcla de Super 8, 16mm, Hi8, VHS y DV). En este cementerio de máquinas -un museo imaginario donde apenas sobreviven las fotografías de "nuestros ancestros, los robots"- nos hemos ido transformando de manera progresiva en arqueólogos amateurs o, según una cierta ciencia-ficción documentalista, como supervivientes de la fábrica (Versión Solaris más que El planeta de los simios.

Noëlle Pujol nació en 1972 en Saint-Girons, Francia. Obtuvo un diploma de la Escuela Normal Superior de Bellas Artes de París, y del Estudio Nacional de Artes Contemporáneas Le Fresnoy, en Tourcoing, Francia. Su trabajo artístico explora los ámbitos del cine documental y de la instalación de vídeo. Sus obras se han exhibido en: Festival Internacional de Cine Documental (FID) de Marsella; Festival Internacional de Cine de Belfort, Francia; Doc11 de Milan; Festival Internacional de Locarno. En 2008, realizó dos exposiciones personales en la Galería del Triángulo de Rennes y en el ERBA de Valencia. La obra de Noëlle Pujol se ha presentado en las exposiciones del grupo Variations, en la Galería Les Filles du Calvaire (París, 2007); en el pabellón francés de la Exposición Universal de Aichi, (Japón, 2005); "Ficcions documentals", en CaixaForum, Fundacio la Caixa, de Barcelona (2004; "Sportivement vôtre", en Domaine départemental de Chamarande (Francia, 2004); "From a global world", en la Galería Ludovic de Wavrin, París, (2003). Prepara actualmente su primer largometraje: Elles étaient une fois monmon. (http://noellepujol.free.fr). Ludovic Burel nació en Lille en 1968. Artista, profesor, editor, vive y trabaja en Grenoble. De 2000 a 2005, codirigió la dirección artística de la revista de cultura política "Multitudes". En 2006, cofundó las ediciones it: (readit.fr). Además, ha participado en la organización de una serie de eventos ligados a la práctica del sonido y del vídeo en internet, en el Centro Nacional de Arte Contemporáneo de Grenoble. En 2008, ha participado en las exposiciones y manifestaciones siguientes: "Ultramoderno", en el Centro de Arte Passerelle, en Brest; "Valeurs croisées", en la Bienal de Arte Contemporáneo de Rennes; "Carte Blanche à Noëlle Pujol & Ludovic Burel", en la Universidad de París VIII, Saint-Denis; el 19 Festival Internacional del Cartel y del Grafismo de Chaumont, etc.

Manuel SAIZ: Buffer
Video | hdv | 0:03:00
España | 2008


El término "buffer" (tapón) se emplea en informática para definir un espacio de memoria en el cual la información es almacenada en espera de un proceso o de una transferencia. El "buffer" recibe la información de manera desorganizada y abrupta y la redistribuye en paquetes bien ordenados, aptos para ser fácilmente manipulados. La película describe el funcionamiento de un dispositivo arquitectónico que ejecuta metafóricamente esa misma función, ordenando seres humanos como simples datos por intermedio del desplazamiento físico en el espacio. Ese mecanismo se refiere a situaciones de la vida cotidiana en las que los habitantes de las grandes ciudades interactúan con los servicios públicos. La escultura representada muestra la estructura de base de esas situaciones.

Manuel Saiz es un artista visual que reside en Londres. Desde mediados de los '80, ha expuesto sus esculturas, fotografías y vídeos en galerías de arte y museos de todo el mundo. Desde 1995, trabaja principalmente con el vídeo y las instalaciones vídeo. Sus creaciones fueron presentadas en varios festivales de cine, de arte y de vídeo, en particular en: Impakt de Utrecht; VideoLisboa; Videoex en Zurích; International Kurz Film Fest, de Hamburgo y la Transmediale en Berlin. Sus vídeoinstalaciones se han mostrado en diversas galerías y espacios públicos. Entre sus recientes exposiciones destacan: "Parallel Universes" en la Galería Moriarty de Madrid; "Nominal Politics" en el Espacio T1+2 de Londres, así como la exposición colectiva "East End Academy", en la Whitechapel de Londres o "Save the Day", en el Kunstbüro de Viena. Su cortometraje "Being Luis Porcar" recibió el primer premio en los Internationale Kurzfilmtage de Winterthur.

Gregg SMITH: Le courant
Ficción experimental | betaSP | color | 00:17:11
Sudáfrica/Francia | 2008


La narración sigue libremente el progreso de un joven llegado a una pequeña ciudad de provincia para presentar su solicitud a un empleo. El trabajo disponible consiste en la supervisión de la medición de una parcela de tierra. Como la agricultura ha disminuido en la región, algunos quisieran ver las tierras utilizadas de modo más rentable, gracias a la construcción de una ciudad dormitorio en una ciudad vecina. No obstante, en vista de facilitar la realización de tal proyecto, haría falta que la persona encargada de su gestión tolere procedimientos muy poco ortodoxos. Consideran al joven apto para el puesto.
Rápidamente parece evidente que existen en ese territorio otras fuerzas en juego. La región parece afectar psíquicamente a todos aquellos que se mudan a ellas. Parece que el cuerpo de quienes son afectados es invadido por una fuerza rítmica, que les hace mover en danzas involuntarias esporádicas, durante las actividades cotidianas.

Gregg Smith fue residente en la Rijksakademie de Ámsterdam en 2001-2002 y en el Studio des arts contemporains du Fresnoy en Tourcoing (Francia) en 2002-2004. Su trabajo consiste en cine, vídeo, instalaciones y pinturas en las que el artista evoca la fragilidad de los seres humanos. Utilizando el modo de la narración como un vector para reinventar la subjetividad del individuo, su trabajo mira a crear una connivencia, una complicidad con y entre los espectadores/actores, reintroducir con sutileza deseos y posibilidades de contrariar el desinterés por el otro. Por haber vivido en Sudáfrica hasta el 2000, Gregg Smith no puede sino convocar en sus diferentes obras los traumas del Apartheid y una conciencia de la perspectiva personal acerca del individuo en su medio social.

Chelsea TONELLI KNIGHT: The official
Video | dv | color | 00:06:30
EE.UU | 2007


En la vídeo-instalación "The Officiel", Chelsea Tonelli Knight explora los fantasmas del poder en el seno de la burocracia. Girada en las oficinas privadas y en los pasillos de la ONU en Nueva York, "The Officiel" examina el rol de un diplomático de sexo masculino en el seno de una institución idealizada. Lo que parece ser a primera vista un documentario o una entrevista, se transforma en un relato fragmentado en el que el teatro de la autoridad y de la seducción se juega entre el diplomático y su interlocutor, no identificado. Los dos personajes adoptan una serie de actitudes que desplazan las tensiones entre institucional e íntimo y cuestionando la manera en que ambos se definen.

Chelsea Tonelli Knight es una videasta y artista de performance basada en Chicago (EEUU). Obtuvo su MFA (Máster en Bellas Artes) en la Escuela de Arte de Chicago en 2007. En el mismo año obtuvo también una beca Fullbright En Italia. Knight ha expuesto en EEUU y en Europa, en particular en la Werkschauhalle Gallery des Spinnereigalerien de Lipsia (Alemania), en el Museo de Arte de St. Louis (EEUU), en el Centro de Arte Moderno y Contemporáneo de La Spezia (Italia), y ha participado en 2007 a la Bienal de Estambul.