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Akosua Adoma owusu
Catalogue : 2011Drexciya | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 11:30 | USA | Ghana | 2010
Akosua Adoma owusu
Drexciya
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 11:30 | USA | Ghana | 2010

A portrait of an abandoned public swimming facility located in Accra, Ghana set on the Riviera. The Riviera at one time was an upscale development, consisting of luxury high-rises and five star hotels. Since the 1970s, the Riviera has fallen into a disheveled state. This short documentary was inspired by afro-futurist myths propagated by the underground Detroit-based band Drexciya. They suggest that Drexciya is a mythical underwater subcontinent populated by the unborn children of African women thrown overboard during the Trans-Atlantic slave trade. These children have adapted and evolved to breathe underwater.

Akosua Adoma Owusu (born January 1, 1984) is a Ghanaian-American avant-garde filmmaker and producer whose films have screened worldwide in prestigious film festivals, museums, galleries, universities and microcinemas since 2005. Her work addresses the collision of identities, where the African immigrant located in the United States has a "triple consciousness.” Owusu interprets Du Bois’ notion of double consciousness and creates a third identity or consciousness, representing the diverse consciousness of women and African immigrants interacting in African, white American, and black American culture. Named by Indiewire as one of the 6 Avant-Garde Female Filmmakers Who Redefined Cinema, and one of The Huffington Post‘s Black Artists: 30 Contemporary Art Makers Under 40 You Should Know, Akosua Adoma Owusu is a MacDowell Colony Fellow and a Guggenheim Fellow. Founded in 2007, her company, Obibini Pictures, LLC has produced award-winning films including Reluctantly Queer and Kwaku Ananse, which received the 2013 African Movie Academy Award for Best Short Film. Reluctantly Queer was nominated for the Golden Bear and Teddy Award at the Berlinale, Berlin International Film Festival in 2016. In 2010, Owusu was a featured artist at the 56th Robert Flaherty Film Seminar. Artforum listed Me Broni Ba as one of 2010’s top ten films. Her work is included in the permanent collections of the Whitney Museum of American Art, the Fowler Museum, Yale University Film Study Center, and Indiana University Bloomington, home of the Black Film Center/Archive. She’s received support from Creative Capital, Tribeca All Access, IFP, Focus Features Africa First, the Art Matters Foundation, the Camargo Foundation and the Berlinale World Cinema Fund. Owusu holds MFA degrees in Film & Video and Fine Art from California Institute of the Arts and received her BA in Media Studies and Studio Art with distinction from the University of Virginia, where she studied under the mentorship of prolific avant-garde filmmaker, Kevin Jerome Everson.

Catalogue : 2015Bus Nut | Doc. expérimental | hdv | couleur | 7:0 | USA | 2015
Akosua Adoma owusu
Bus Nut
Doc. expérimental | hdv | couleur | 7:0 | USA | 2015

`Bus Nut` re-articulates the 1955 Montgomery Bus Boycott, a political and social protest against US racial segregation on the public transit system of Montgomery Alabama and its relationship to an educational video on school bus safety.

Akosua Adoma Owusu is a filmmaker and producer with Ghanaian parentage whose films have screened worldwide in prestigious film festivals, museums, galleries, universities and microcinemas since 2005. One of ArtForum‘s Top Ten Artists and one of The Huffington Post‘s 30 Contemporary Artists under 40, Owusu has exhibited worldwide, including at the Museum of Modern Art, The Studio Museum in Harlem, Rotterdam, Centre Pompidou and London Film Festival. She is a 2013 MacDowell Colony Fellow and a 2015 Guggenheim Fellow. Her company Obibini Pictures produced award winning films including Afronauts, and Kwaku Ananse, which received the 2013 African Movie Academy Award for Best Short Film and was nominated for the 2013 Golden Bear prize at the Berlinale. The French Cesar Film Academy Golden Nights Panorama program included Kwaku Ananse in Best Short Films of the year. Focus Features Africa First, Art Matters and The Sarah Jacobson Film grant supported Kwaku Ananse in 2012. She was a featured artist at the Robert Flaherty Film Seminar in 2010 and received the Africa First award sponsored by Focus Features in 2011. Owusu’s film Split Ends, I Feel Wonderful received the Tom Berman Award for Most Promising Filmmaker at the Ann Arbor Film Festival in 2013. Her most recent exhibitions include Prospect.3: Notes for Now in New Orleans, America Is Hard to See at the Whitney Museum of American Art in New York, and The Art of Hair in Africa at the Fowler Museum in Los Angeles. Various universities and museums hold Owusu’s work for their research and permanent collections, including the Whitney Museum of American Art, the Fowler Museum, Yale University Film Study Center and Indiana University Bloomington, home of the Black Film Center/Archive. She has M.F.A. degrees in Film/Video and Fine Art from California Institute of the Arts and received her BA degree in Media Studies and Art with distinction from the University of Virginia, where she studied under the mentorship of prolific avant-garde filmmaker, Kevin Jerome Everson.

Akosua Adoma owusu
Catalogue : 2016Reluctantly Queer | Doc. expérimental | super8 | noir et blanc | 8:0 | Ghana | 2016
Akosua Adoma owusu
Reluctantly Queer
Doc. expérimental | super8 | noir et blanc | 8:0 | Ghana | 2016

This epistolary short film invites us into the unsettling life of a young Ghanaian man struggling to reconcile his love for his mother with his love for same-sex desire amid the increased tensions incited by same-sex politics in Ghana. Focused on a letter that is ultimately filled with hesitation and uncertainty, Reluctantly Queer both disrobes and questions what it means to be queer for this man in this time and space.

Akosua Adoma Owusu (b. 1984) is a Ghanaian-American filmmaker, producer and cinematographer whose films address the collision of identities. Interpreting the notion of "double consciousness" coined by sociologist and civil rights activist W.E.B. Du Bois to define the experience of black Americans negotiating a sense of selfhood in the face of discrimination and cultural dislocation, Owusu aims to create a third cinematic space or consciousness. In her works, feminism, queerness and African identities interact in African, white American, and black American cultural environments. Owusu's films have screened internationally in festivals like Rotterdam, Locarno, Toronto, New Directors/New Films (New York) and the BFI London Film Festival. Her work is included in the collections of the Whitney Museum of American Art, the Centre Georges Pompidou, the Fowler Museum and the Indiana University Bloomington, home of the Black Film Center/Archive. Named by IndieWire as one of 6 pre-eminent Avant-Garde Female Filmmakers Who Redefined Cinema, she was a featured artist of the 56th Robert Flaherty Seminar programmed by renowned film curator and critic Dennis Lim. Her film "Kwaku Ananse" won the 2013 African Movie Academy Award. She has received fellowships and grants from the Guggenheim Foundation, the Knight Foundation, Creative Capital, the MacDowell Colony, the Camargo Foundation and most recently Goethe-Institut Vila Sul in Salvador-Bahia. Currently, she divides her time between Ghana and New York, where she works as a Visiting Assistant Professor at the Pratt Institute in Brooklyn.

Akosua Adoma owusu
Catalogue : 2017Mahogany Too | Vidéo expérimentale | super8 | couleur | 3:32 | USA | 2017
Akosua Adoma owusu
Mahogany Too
Vidéo expérimentale | super8 | couleur | 3:32 | USA | 2017

Mahogany Too takes the 1975 cult classic Mahogany “ a fashion-infused romantic drama” as its base. The film examines and revives Diana Ross`s iconic portrayal of Tracy Chambers. Analogue film provides vintage tones, which emphasises the essence of the character, re-creating Tracy’s qualities through fashion, modelling, and styling

Akosua Adoma Owusu (b. 1984) is a Ghanaian-American filmmaker, producer and cinematographer whose films address the collision of identities. Interpreting the notion of "double consciousness" coined by sociologist and civil rights activist W.E.B. Du Bois to define the experience of black Americans negotiating a sense of selfhood in the face of discrimination and cultural dislocation, Owusu aims to create a third cinematic space or consciousness. In her works, feminism, queerness and African identities interact in African, white American, and black American cultural environments. Owusu's films have screened internationally in festivals like Rotterdam, Locarno, Toronto, New Directors/New Films (New York) and the BFI London Film Festival. Her work is included in the collections of the Whitney Museum of American Art, the Centre Georges Pompidou, the Fowler Museum and the Indiana University Bloomington, home of the Black Film Center/Archive. Named by IndieWire as one of 6 pre-eminent Avant-Garde Female Filmmakers Who Redefined Cinema, she was a featured artist of the 56th Robert Flaherty Seminar programmed by renowned film curator and critic Dennis Lim. Her film "Kwaku Ananse" won the 2013 African Movie Academy Award. She has received fellowships and grants from the Guggenheim Foundation, the Knight Foundation, Creative Capital, the MacDowell Colony, the Camargo Foundation and most recently Goethe-Institut Vila Sul in Salvador-Bahia. Currently, she divides her time between Ghana and New York, where she works as a Visiting Assistant Professor at the Pratt Institute in Brooklyn.

Ivan ozetski
Catalogue : 20051#Art Karaoke | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 3:0 | Croatie | 2005
Ivan ozetski
1#Art Karaoke
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 3:0 | Croatie | 2005

?Art Karaokes? Proposition pour le premier projet artistique karaoké par Ivan Ozetski. Le concept du projet : Mon idée était de transformer la recherche de ma vie et de mon travail dans un médium qui ne soit pas considéré comme un médium artistique. J?ai commencé à utiliser le karaoké comme médium, qui marchait parfaitement pour quelque chose qui pouvait aussi être interprété comme de la propagande pour ma recherche. Avec cette propagande, j?étais en fait en train de construire la base pour mes idées de la manière la plus simple possible, comme un peintre qui a besoin d?une bonne toile. Voici, afin de faire la différence entre le karaoké et mon ?uvre, un court historique de l?invention de ce dernier. Les véritables vidéos de karaokés ont une existence obscure, il s?agit en fait de répliques d'originaux, mais puisque leur raison d?être est de chanter par dessus, ou d?être présentée en publicité, elles sont arrangées en ce sens. Ce sont des productions privées, donc elles doivent faire du bénéfice avec le plus petit investissement possible. Elles ont pluseurs langues dans le sous-menu et de cette manière, on peut chanter dessus dans tous les pays. Je pense que le principal concept du karaoké est CHANT&VENTE !!! Mes vidéos n?ont pas pour but d?être vendues et ne sont absolument pas commerciales, je peux donc y utiliser n?importe quelle chanson avec le prétexte du projet artistique. Juste pour expliquer la différence entre le véritable karaoké et mon travail artistique, les véritables vidéos des karaokés sont très stéréotypées dans tous les pays du monde : Vietnam, Chine, Thaïlande, il s?agit presque d?un concept et pour les créer, il y a peu de règles, on peut en rigoler en en faisant sept commandements : 1. Rendre la production aussi bon marché que possible, 2. Utiliser des vidéos amateur pour le décor, 3. Mettre une femme seule pour les chansons tristes, 4. Choisir et créer une réplique d?une chanson populaire, 5. Mettre quelques chansons joyeuses, 6. Mettre des images de villes connues en décors, ou des plages de sable fin, 7. Le sujet doit être très joyeux, très amoureux, ou très triste. Mes vidéos de karaokés utilisent ces lois, mais pas toujours. Mon travail contient des question personnelles sur un artiste inconnu, ou sur les livres d?histoire de l?art. Avec mes textes, en sous-titre du karaoké, j?essaie de commenter le travail d?un artiste particulier, ou s?il/ elle appartient à l'histoire de l?art, construire au hasard, sans approche logique.


Ferhat ÖzgÜr
Catalogue : 2010METAMORPHOSIS CHAT | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 9:25 | Turquie | 2009
Ferhat ÖzgÜr
METAMORPHOSIS CHAT
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 9:25 | Turquie | 2009

"Metamorphosis Chat" cites the narrative frame of Turkish soap operas. The artist?s mother, who has never worn a headscarf, meets a neighbour a teacher in modern dress, for tea. The two woman decide to switch roles and begin to Exchange their clothes to become one another. Artist influence as director recedes as the women, letting themselves be carried away by the merriment of dress up, become their own authors. Their hearty friendliness, their opennes in dealing with what might otherwise be embarrising, their giggling at each other and themselves ?all poke fun at the fear and agrresive moralizing other found in debates on symbols with religious connotations.

Ferhat Özgür (1965-Ankara-Lives and works in Ýstanbul / TURKEY) He graduated from Gazi University, Education Faculty, Department Of Painting in 1989. Having completed his master and doctorate studies in Hacettepe University Fine Arts Faculty, Department of Painting in 1997, he was appointed to the same department as an assistant to the same department as professor where he taught for more than a decade. He currently works and teaches in Istanbul Culture University, Art and Design Faculty, Department of Communication Design.

Catalogue : 2010I CAN SING | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 7:0 | Turquie | 2008
Ferhat ÖzgÜr
I CAN SING
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 7:0 | Turquie | 2008

The video ?I Can Sing? shows an Islamic woman who wears headscarf, singing a song in front of a new settlement buildings in Ankara, where the urban transformation process is tangible. In some aspects the video is related with the people who are forcing their way between the minarets that have traditionally dominated the city. Against the backtop of the recontructed home, a headscarf-wearing Anatolian woman sways to a lament. Her lips to move. But the soundtrack is Jeff Buckley?s bitter, defiant version of Leonard Cohen?s classic ?Hallelujah?. ?Well it goes like this / The fourth, the fifth / The minor falls and the major shift?: The major keys, characteristic o Western music, become a symbol of uprooting; traditional Turkish music relies on the softer, minor tonalities. Swaying to ?Hallelujah?, the woman spreads her arms to the sky, lays her hands on her heart. What god is she singing to? The staging alternates between praise and lament, its reference to the global idiom of karaoke giving it an ironic touch.

Ferhat Özgür (1965-Ankara-Lives and works in Ýstanbul / TURKEY) He graduated from Gazi University, Education Faculty, Department Of Painting in 1989. Having completed his master and doctorate studies in Hacettepe University Fine Arts Faculty, Department of Painting in 1997, he was appointed to the same department as an assistant to the same department as professor where he taught for more than a decade. He currently works and teaches in Istanbul Culture University, Art and Design Faculty, Department of Communication Design. selected group shows and upcoming events 2011?Un?espressione Geografica? Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Turin ? Italy (curator: Francesco Bonami) 2011 ?Festival of Confusion?BEURSSCHOUWBURG, Brussels (curator: Cis Bierinckx) 2010 ?Spartacus?, video screening in Public Square Dublin-(curator: Vaari Claffey) selected recent group events 2010: `PastPresentFuture:Higlights of The UniCredit and Yapi Kredi Collection`, Yapi Kredi Culture Center, Istanbul-Turkey. 2010 ?6th Berlin Biennale?, Germany (curator: Kathrin Rhomberg, catalogue) 2010?Are You A Lucky Artist??Fondazione Fotografia, Casa Di Risparmio di Modena, Italy (curator: Francesca Lazzarini) 2009?That Women Running With The Wolves? Stimultania, Strasbourg-France(Curators: Çelenk Bafra, Murat Alat, catalogue) 2009 ?Seriously Ironic? CentrePasquart Kunsthaus Centre d?Art-Switzerland (curators: Dolores Denaro, Iþýn Önol, catalogue) 2009 "Politics of Redistribution" Magazin 4 Kunstverein, Bregenz-Austria (curator: Sabine Winkler, catalogue) 2009 ?Soft Manipulation, Who Is Afraid Of The New Now? Casino Luxembourg Forum d?Art Contemporain-Luxembourg Stiftelsen 3, 14, Bergen-Norway (curators: Zoran Eric-Maria Lind-Enrico Lunghi, catalogue) 2007 ?10th Istanbul Biennial, ?Not Only Impossible But Also Necessary, Optimism In The Age of Global War?-Turkey (curator: Hou Hanru, catalogue)

Catalogue : 2018CONQUEST | Vidéo expérimentale | hdcam | couleur | 10:11 | Turquie | 2016
Ferhat ÖzgÜr
CONQUEST
Vidéo expérimentale | hdcam | couleur | 10:11 | Turquie | 2016

Ferhat Ozgür, a Turkish artist, seeks to understand the relationship between the leader and the people in Conquest (2016), a two-channel video that documents a massive rally of Erdogan supporters at a stadium in Istanbul. The rally, which takes place on the anniversary of the capture of Constantinople by the Ottoman Turks in 1453, encourages the attendees (and those watching at home) to understand themselves as players in another spectacular triumph, fulfilling their historic destiny. In Ozgür's video, shots of attendees are interspersed with footage taken from the Turkish blockbuster Conquest 1453 (2012), which glorifies the Ottoman empire and Sultan Mehmet II's siege while expunging non-Turks from his army. In Conquest, as the crowd assembles on one screen, on the other shows Ozgür editing footage on his computer, casually splicing together shots of individuals in different settings and excising others, altering the scene in order to achieve a particular effect on the viewer-who might confuse the artifice for reality, and even turn the former into the latter. Alexander Provan, (Extracted text from They The People, Art in America, December 2017)

He graduated from Gazi University, Education Faculty, Department of Painting and Crafts. He obtained his master and Phd in Art degree in Hacettepe University Fine Arts Faculty Painting Department. His work has been shown in numerous venues including, Göteborg Konsthall, Georges Pompidou-Paris, Museum der Moderne Salzburg, Moderna Musset Malmö, IMMA-Dublin, MUMOK-Vienna, Pittsburg Modern Art Museum and Zabludowicz Foundation-London. Ozgür has solo shows in several institutions abroad such as MoMA PS1-New York, Michigan University Museum of Art and Marabouparken-Sweden. He took part in the 9th Busan Biennale (2018) 6th Berlin Biennale (2010) and 10th Istanbul Biennale (2007) Ozgür still works as a professor in Düzce University and he is a member of AICA (Association Internationale des Arts Critiqués). He lives in Istanbul and presented by The Pill-Istanbul.

Thomas Østbye
Catalogue : 2012Take#2 | | | couleur | 7:0 | Norvège | 2012
Thomas Østbye
Take#2
| | couleur | 7:0 | Norvège | 2012

2 ladies in a room: a casting agent and an actress. This hybrid documentary deals with empathy, acting and authentisity. Marie starts: When I enter into a role, I imagine that every individual has a core, with the same potential emotional life.

Thomas A Østbye is a distinctive voice among Norwegian directors. He`s known to combine artistic reflections on the documentary genre with contemporary political dilemmas. He made his mark with formally challenging documentaries like Imagining Emanuel, HUMAN, and In your dreams, which received a dozen of art and film awards. He also makes art installations, and runs PlymSerafin production company.

Florencia p. marano
Catalogue : 2009binder | Vidéo | betaSP | noir et blanc | 4:58 | Espagne | 2009
Florencia p. marano
binder
Vidéo | betaSP | noir et blanc | 4:58 | Espagne | 2009

Binder. Many people modify, hide, show off or retouch parts of their bodies in order to have certain social treatment. The experimental video ?binder? is an interpretation of the look and feel of trans FTM (female to male) whom want to be treated by everyone, in the role, which they desire. They are finding their own physical and social comfort by modifying a particular zone of their body. The routine fashion for Michael is to put on and take of the ?binder? daily in order to hide his chest and modify his body.

Florencia Pietrapertosa Marano née à Madrid en 1978 vit en Argentine où elle étudie Beaux Arts à l'école Fernando Arranz et réalisation cinematographique au C.I.E.V.Y.C jusqu'à ses 23 ans . C'est à Buenos Aires qu'elle commence sa carrière en tant que réalisatrice adjointe pour la télévision mais aussi le cinema et la publicité pendant plus de cinq ans. Elle écrit et dirige en parallèle plusieurs court métrages de fiction. En 2002 elle s'installe à Barcelone où elle continu sa carrière de réalisatrice et se tourne alors vers le film documentaire et l'art video Elle collabore avec la télévision, expose dans plusieurs galeries, participe a de nombreux festivals espagnols et gagne plusieurs prix internationaux. En 2008 elle remporte la bourse d'art " Generaciónes" de "Obra Social Caja Madrid" qui lui permet de tourner le court métrage Le Corps de Mouhamadou qui aura pour première l'exposition international d'art contemporain ARCO MADRID 08.

Andrés pachÓn
Catalogue : 2013Sombras de Nueva Guinea | Doc. expérimental | | | 1:50 | Espagne | 2011
Andrés pachÓn
Sombras de Nueva Guinea
Doc. expérimental | | | 1:50 | Espagne | 2011

In 1964 Robert Gardner filmed the documentary ?Dead Birds?, this film explored the Dani people of New Guinea, one of the last areas in the World to be colonized at that time. Gardner was knowing for his work in visual anthropology and ethnographic documentary. ?Dead Birds? was criticized in the anthropological community for its inauthenticity, Gardner edited the sound and he recreated battle scenes. They also said that the movie did not make sense, because he broked the distance with the portrayeds. ?Shadows of New Guinea? makes a step in this inauthenticity. Andrés Pachón makes a rotoscoping (redrawn manually frame by frame) on original film`s fragments, creating shadows to the protagonists. The nature where actions are developed, the original context of New Guinea highland whose referent was recorded on camera, it becomes a huge background, a trompe l`oeil revealed by shadows. These shadows, and its consequent fictional effect, want to disclose the fantasy contained in the european imaginary of an exotic and tribal world. The shadows disclosed a background, a wall, that separates us from the ?other?.

Andrés Pachón born in 1985 in Madrid, where he currently resides. In 2008 he was graduated in Fine Arts from the UCM. Since 2005 he has been selected in several national contests, among them being prize "e-Crea 2010", Lleida, purchase prize 2012 in the "V International Prize Foundation María José Jove", Galicia, and finalist of the "Premi Miquel Casablancas" 2013 Barcelona. In 2010 he was part of the exhibition "Drug of the real" in Angeles Baños Gallery, Badajoz, gallery that currently represents him. In 2012 he has his first solo exhibition in Angeles Baños Gallery, entitled "In Memoriam". He has participated in international fairs such as "ArteSantander 2010", "JustMad 4", where he was finalist in the best emerging artist award, or "ARCO 2014". Also he has shown his photographs and videos on Berlin, ?Wege ums Kino? exhibition, or Lisboa, ?Que a dor nao seja mais do que uma recordaçao? exhibition. In the last year he has shown his last and fourth solo exhibition, ?Tropologías? in the Art Center of Alcobendas, Madrid; and his video works in Lázaro Galdiano Museum, Madrid, in ?VIVA Collections on Tour? show.

Ria pacquÉe
Katarzyna pacura, jan szewczyk
Catalogue : 2014Ocean | Vidéo | hdv | couleur | 4:9 | Pologne | 2014
Katarzyna pacura , jan szewczyk
Ocean
Vidéo | hdv | couleur | 4:9 | Pologne | 2014

The piece "Ocean" was originally a conceptually designed, visual statement for a song by dutch musician, Olivier Heim. Looking for a connection between lyrics and aesthetics, we found main inspiration in the masterpiece by Alain Resnains "Last year in Marienbad". As we didn't want to copy and repeat exactly the same sequences of shots, we were just searching for an universal code, which made that kind of poetics legendary and original. The most important became, how to transfer contemporary sound and looks (meaning ; cinematography, style) into something classic and the other way round. What makes the classics attractive? We consider elegance in filmmaking as our motto and something that should be popular again.

Katarzyna Pacura, born 1986 in Lodz, Poland. Studied at University of Arts in Poznan, Poland, Douglas Gordon Filmclass at Stadelschule, Frankfurt am Main and German Film and Television Academy in Berlin (Dffb - directing). Film and video maker, scriptwriter and visual artists. Jan Szewczyk - born 1986 in Bialystok, Poland. Graduated from University of Arts in Poznan, Poland where currently he continues his Phd studies in contemporary art. Film and video maker, visual artists, cinematographer.

Laura J. padgett
Catalogue : 2017Solitaire | Film expérimental | 16mm | couleur et n&b | 2:19 | USA | Allemagne | 2017
Laura J. padgett
Solitaire
Film expérimental | 16mm | couleur et n&b | 2:19 | USA | Allemagne | 2017

We see Max Horkheimer buying newspapers, we hear Hannah Arendt speaking about the mother tongue and making the invisible tangible. We also see Frankfurt am Main during the great (re)construction boom of the 1960s. We see demonstrations on the Römerberg and the presence of the American Forces in the Federal Republic of Germany during the cold war as well as scenes after the apprehension of members of the Red Army Faction. Housing shortages, urban development, youth and their future, guest workers, consumer society: these topics are repeatedly presented and discussed in the Hessen Schau news program from this period. The film deals with the concept of democracy, of having a voice and the contiguity between private and public space. These boundaries, which are in the process of dissolving, are made clear the storytelling in this film as fundamental strands of our social being. Laura J. Padgett’s found footage film SOLITAIRE is made from documentary film material and radio broadcasts of the late 1950s until 1972. It was culled exclusively from the Hessian Broadcasting Corporation’s (hr) archives.

The artist’s work explores unoccupied spaces, both real and imaginary, to reveal truths that are often overlooked. Like her subject, her work itself occupies the spaces between photographic storytelling and installation, between language and image, between history and current affairs. While she uses photographic media the results are always more than photographic objects. Since the nineties Padgett has produced a wide-ranging body of work, adopting various genres such as architectural photography, still life and urban street photography while exploring our ideas of communal and cultural identity. Laura J. Padgett’s work is often displayed in public spaces and plays with scale, material and the way we interpret images and their relation to history. The breadth of her work demonstrates an ability to move fluidly between genres, based on her background in painting, art history and architecture. Born in Cambridge, USA, Laura J. Padgett studied painting, film and photography at Pratt Institute in Brooklyn New York. Her conceptual approach to her projects stems from this background. Her further studies in film and art history, with Peter Kubelka at the Städelschule and at the Goethe University in Frankfurt am Main, respectively, broadened her approach. Laura J. Padgett exhibits internationally, and her work can be found in state and corporate collections such as the DZ-Bank ArtCollection, Frankfurt am Main. Her work is in the permanent collections of Museo Museion, Bolzano, Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg, Museum Wiesbaden and the Städel Museum, Frankfurt am Main. She is the 2017 recipient of the Marielies-Hess-Art Award. Laura J. Padgett lives and works in Frankfurt am Main.

Dirk paes
Catalogue : 2006Max Payne Cheats Only | Installation vidéo | dv | couleur | 0:0 | Belgique | France | 2006
Dirk paes
Max Payne Cheats Only
Installation vidéo | dv | couleur | 0:0 | Belgique | France | 2006

Pour cette pièce, JODI a opéré des modifications sur le jeu vidéo "Max Payne", jeu ultra violent dans lequel le personnage doit tuer un grand nombre de malfrats sur sa route. JODI a compilé à partir du jeu toute une série de cheats (truquages, tromperies). Ces trucages sont des altérations du comportement d`un jeu vidéo. Ils sont souvent construits dès l`origine par les programmateurs eux-mêmes, pour aider les joueurs qui se trouvent dans une impasse. JODI est intervenu dans la structure du programme de manière telle que des perspectives absurdes et certains effets altèrent le graphisme réaliste du jeu : nous voyons le héros massif répéter des mouvements idiots. Il plonge par exemple sa tête angulaire dans une matrice virtuelle, son corps apparaît semi-transparent... Ce retraitement peut être lu comme une interprétation libre de l`effet temporel d`ultra rapidité qui distingue Max Payne des autres jeux, les mouvements lents permettant une nouvelle perception de l`espace et du temps.


JODI est composé de deux artistes net art renommés. JODI est pionnier dans le net art, depuis le milieu des années 90. Basé aux Pays-Bas, JODI fait partie des premiers artistes qui ont exploré et subverti les conventions de l`Internet, des programmes d`ordinateurs, et des jeux vidéos et informatiques. Ils désorganisent radicalement le langage même de ces systèmes, en incluant des interfaces, des commandes d`erreurs et des codes. JODI effectue des interventions numériques extrêmes qui déstabilisent la relation entre la technologie informatique et ses utilisateurs. JODI mène une réflexion critique sur nos perceptions et usages de l`informatique. Ils transforment et transportent à la surface les processus qui apparaissent habituellement dans le background, comme on peut le voir sur leur site, jodi.org : des crashes, les fichiers log-in, les certificats de sécurité de logiciels, le refus des services de garanties. JODI a exposé et a réalisé des conférences partout dans le monde.

Catalogue : 2008Composite club | Installation multimédia | | couleur | 99:99 | Belgique | Pays-Bas | 2007
Dirk paes
Composite club
Installation multimédia | | couleur | 99:99 | Belgique | Pays-Bas | 2007

Dans cette ?uvre JoDi détourne et réinterprète les jeux vidéos grand publics utilisant la reconnaissance optique et les système de captation du mouvement, eux mêmes issus de travaux de recherche militaire des années 80. Le code des jeux vidéo est réécrit puis confronté à d`autres situations visuelles que celles prévues dans le scénario du jeu. En même temps qu`une réflexion sur les stratégies de contrôle et l`archaïsme du dispositif ludique proposé par l`industrie du jeu vidéo, JoDi met en réflexion le dispositif narratif du jeu vidéo et ses stratégies d`interaction. Le jeu altéré est confronté à des extraits de film de cinéma, ou de reportage TV, produisant une nouvelle trame narrative et renversant le rapport d`interaction. Le joueur devient observateur du dispositif, le jeu vidéo se trouve alors confronté à un scénario complexe soulignant les limites du schéma d`interaction du jeu initial.


JODI est un collectif formé par deux artistes, Joan Heemskerk (Pays-Bas) et Dirk Paesmans (Belgique). Ils ont débuté avec de la photographie et la vidéo, et au milieu des années ?90, ils ont été les premiers à créer des oeuvres en ligne. Ils explorent et subvertissent les conventions de l?Internet, des logiciels informatiques et des jeux vidéos. Dans leurs travaux récents, ils ont modifié des jeux comme Wolfenstein 3D, Quake, Jet Set Willy, et Max Payne 2. Ils désorganisent radicalement le langage même de ces systèmes, en incluant des interfaces, des commandes d?erreurs et des codes. JODI effectue des interventions numériques extrêmes qui déstabilisent la relation entre la technologie informatique et ses utilisateurs. JODI mène une réflexion critique sur nos perceptions et usages de l?informatique. Ils transforment et transportent à la surface les processus qui apparaissent habituellement dans le background, comme on peut le voir sur leur site, jodi.org : des crashes, les fichiers log-in, les certificats de sécurité de logiciels, le refus des services de garanties. Le travail de JODI a été présenté dans de nombreuses expositions internationales, et des festivals, comme la Documenta X. Ils ont reçu le Webby Award dans la catégorie art (UCSOB). JODI a été formé en 1994 par les deux artistes Joan Heemskerk et Dirk Paesmans. Joan Heemskerk est née en 1968 à Kaatsheue, aux Pays-Bas. Dirk Paesmans est né en 1965 à Bruxelles, en Belgique. Ils vivent et travaillent aux Pays-Bas. Heemskerk et Paesman ont tous les deux fréquenté le laboratoire d`art numériques CADRE, rattaché à l`université de San José de Californie, dans la Silicon Valley. Paesmans a également étudié sous la direction de Nam June Paik à la Kunstakademie de Dusseldorf. Le travail de JODI est réalisé spécifiquement pour être vu en ligne. Leur exposition inividuelle récente inclut INSTALL.EXE at Eyebeam, à New York, qui a été itinérante [plug-in], à Bâle, au BuroFriedrich, à Berlin; et Computing 101B au FACT Centre, Liverpool, Royaume-Uni. Leur travail a également été exposé, entre autre, au Centre for Contemporary Art, Glasgow; au Kunstverein à Bonn; au Stedelijk Museum d`Amsterdam; au Zentrum fur Kunst und Medientechnologie de Karlsruhe, en Allemagne, et à la Documenta X, de Kassel, en Allemagne.

Catalogue : 201944 Shorts | VR vidéo 360 | hdv | | 10:0 | Belgique | Pays-Bas | 2019
Dirk paes
44 Shorts
VR vidéo 360 | hdv | | 10:0 | Belgique | Pays-Bas | 2019

Made of 360 fragments of found footage 360° videos, “- f(OO)f -” explores and recycles sequences recorded from cars, planes, video games, reports and home videos. Images are intertwined, intricated and edited, questionning both spaces of perception and representation, building a radical criticism of our contemporary visual culture.

Dirk Paes was born in Brussels, he lives and works in the Netherlands. He is one of the members of the JODI duo, who pioneered web-based art in the mid-90s. For a few years now, in parallel to their collective work, each of them is developing specific artistic researches on their own. Jodi’s work is featured in most art historical volumes about digital art, media art, and net art, and has been exhibited widely at venues such as documenta X, Kassel; Stedelijk Museum, Amsterdam; ZKM, Center for Art and Media, Karlsruhe; Bonner Kunstverein and Artothek, Bonn; InterCommunication Center, Tokyo; Centre Pompidou, Paris; Center for Contemporary Arts, Glasgow; Guggenheim Museum, New York; MoMA, New York; Eyebeam, New York; and Museum of the Moving Image, New York, among many others. Jodi is regularly seen as part of an international group of artists, including Vuk Cosic, Alexei Shulgin, and Olia Lialina, who pioneered art on the web, usually referred to as net.art. In contrast to working in the institutionalized art world, they chose to work on the net because it gave freedom. The internet was a free space to experiment and communicate. This network of artists influenced each other and communicated using mailing lists such as Rhizome and Nettime (which was founded by Dutch media theorist Geert Lovink). After they met at the Jan van Eyck Academy in Maastricht, where they studied photography and video, they moved to Silicon Valley (San Jose, California) to learn about digital media. It was in Silicon Valley that they became familiar with the internet. Since 1995 they have been working together as Jodi, creating art on the World Wide Web. Although they are most famous for their web-based work, they also work in a wide variety of media and techniques like software, performances, installations, and exhibitions. JODI were among the first artists to investigate and subvert conventions of the Internet, computer programs, and video and computer games. Radically disrupting the very language of these systems, including interfaces, commands, errors and code, JODI stages extreme digital interventions that destabilize the relationship between computer technology and its users. They received a 1999 Webby Award in the category Net Art. In 2014, Jodi was awarded the inaugural Prix Net Art Award by Rhizome, a leading art organization dedicated to born-digital art and culture affiliated with the New Museum in New York. The influence of the work can not only be seen in the art world, but in internet culture too: the work is spoken about on forums of hacker sites and on YouTube many videos can be found reviewing, explaining, and researching wwwwwwwww.jodi.org with titles such as “weirdest website of all time” and “wwwwwwwww.jodi.org: secrets?”.

Catalogue : 2010GeoGoo 2010 | Installation multimédia | | | 0:0 | Belgique | Pays-Bas | 2010
Dirk paes
GeoGoo 2010
Installation multimédia | | | 0:0 | Belgique | Pays-Bas | 2010

Dirk paes, joan heemskerk, dirk paesmans
Catalogue : 2006Max Payne Cheats Only | Installation vidéo | dv | couleur | 0:0 | Belgique | France | 2006
Dirk paes , joan heemskerk, dirk paesmans
Max Payne Cheats Only
Installation vidéo | dv | couleur | 0:0 | Belgique | France | 2006

Pour cette pièce, JODI a opéré des modifications sur le jeu vidéo "Max Payne", jeu ultra violent dans lequel le personnage doit tuer un grand nombre de malfrats sur sa route. JODI a compilé à partir du jeu toute une série de cheats (truquages, tromperies). Ces trucages sont des altérations du comportement d`un jeu vidéo. Ils sont souvent construits dès l`origine par les programmateurs eux-mêmes, pour aider les joueurs qui se trouvent dans une impasse. JODI est intervenu dans la structure du programme de manière telle que des perspectives absurdes et certains effets altèrent le graphisme réaliste du jeu : nous voyons le héros massif répéter des mouvements idiots. Il plonge par exemple sa tête angulaire dans une matrice virtuelle, son corps apparaît semi-transparent... Ce retraitement peut être lu comme une interprétation libre de l`effet temporel d`ultra rapidité qui distingue Max Payne des autres jeux, les mouvements lents permettant une nouvelle perception de l`espace et du temps.


JODI est composé de deux artistes net art renommés. JODI est pionnier dans le net art, depuis le milieu des années 90. Basé aux Pays-Bas, JODI fait partie des premiers artistes qui ont exploré et subverti les conventions de l`Internet, des programmes d`ordinateurs, et des jeux vidéos et informatiques. Ils désorganisent radicalement le langage même de ces systèmes, en incluant des interfaces, des commandes d`erreurs et des codes. JODI effectue des interventions numériques extrêmes qui déstabilisent la relation entre la technologie informatique et ses utilisateurs. JODI mène une réflexion critique sur nos perceptions et usages de l`informatique. Ils transforment et transportent à la surface les processus qui apparaissent habituellement dans le background, comme on peut le voir sur leur site, jodi.org : des crashes, les fichiers log-in, les certificats de sécurité de logiciels, le refus des services de garanties. JODI a exposé et a réalisé des conférences partout dans le monde.

Catalogue : 2008Composite club | Installation multimédia | | couleur | 99:99 | Belgique | Pays-Bas | 2007
Dirk paes , joan heemskerk, dirk paesmans
Composite club
Installation multimédia | | couleur | 99:99 | Belgique | Pays-Bas | 2007

Dans cette ?uvre JoDi détourne et réinterprète les jeux vidéos grand publics utilisant la reconnaissance optique et les système de captation du mouvement, eux mêmes issus de travaux de recherche militaire des années 80. Le code des jeux vidéo est réécrit puis confronté à d`autres situations visuelles que celles prévues dans le scénario du jeu. En même temps qu`une réflexion sur les stratégies de contrôle et l`archaïsme du dispositif ludique proposé par l`industrie du jeu vidéo, JoDi met en réflexion le dispositif narratif du jeu vidéo et ses stratégies d`interaction. Le jeu altéré est confronté à des extraits de film de cinéma, ou de reportage TV, produisant une nouvelle trame narrative et renversant le rapport d`interaction. Le joueur devient observateur du dispositif, le jeu vidéo se trouve alors confronté à un scénario complexe soulignant les limites du schéma d`interaction du jeu initial.


JODI est un collectif formé par deux artistes, Joan Heemskerk (Pays-Bas) et Dirk Paesmans (Belgique). Ils ont débuté avec de la photographie et la vidéo, et au milieu des années ?90, ils ont été les premiers à créer des oeuvres en ligne. Ils explorent et subvertissent les conventions de l?Internet, des logiciels informatiques et des jeux vidéos. Dans leurs travaux récents, ils ont modifié des jeux comme Wolfenstein 3D, Quake, Jet Set Willy, et Max Payne 2. Ils désorganisent radicalement le langage même de ces systèmes, en incluant des interfaces, des commandes d?erreurs et des codes. JODI effectue des interventions numériques extrêmes qui déstabilisent la relation entre la technologie informatique et ses utilisateurs. JODI mène une réflexion critique sur nos perceptions et usages de l?informatique. Ils transforment et transportent à la surface les processus qui apparaissent habituellement dans le background, comme on peut le voir sur leur site, jodi.org : des crashes, les fichiers log-in, les certificats de sécurité de logiciels, le refus des services de garanties. Le travail de JODI a été présenté dans de nombreuses expositions internationales, et des festivals, comme la Documenta X. Ils ont reçu le Webby Award dans la catégorie art (UCSOB). JODI a été formé en 1994 par les deux artistes Joan Heemskerk et Dirk Paesmans. Joan Heemskerk est née en 1968 à Kaatsheue, aux Pays-Bas. Dirk Paesmans est né en 1965 à Bruxelles, en Belgique. Ils vivent et travaillent aux Pays-Bas. Heemskerk et Paesman ont tous les deux fréquenté le laboratoire d`art numériques CADRE, rattaché à l`université de San José de Californie, dans la Silicon Valley. Paesmans a également étudié sous la direction de Nam June Paik à la Kunstakademie de Dusseldorf. Le travail de JODI est réalisé spécifiquement pour être vu en ligne. Leur exposition inividuelle récente inclut INSTALL.EXE at Eyebeam, à New York, qui a été itinérante [plug-in], à Bâle, au BuroFriedrich, à Berlin; et Computing 101B au FACT Centre, Liverpool, Royaume-Uni. Leur travail a également été exposé, entre autre, au Centre for Contemporary Art, Glasgow; au Kunstverein à Bonn; au Stedelijk Museum d`Amsterdam; au Zentrum fur Kunst und Medientechnologie de Karlsruhe, en Allemagne, et à la Documenta X, de Kassel, en Allemagne.

Catalogue : 201944 Shorts | VR vidéo 360 | hdv | | 10:0 | Belgique | Pays-Bas | 2019
Dirk paes , joan heemskerk, dirk paesmans
44 Shorts
VR vidéo 360 | hdv | | 10:0 | Belgique | Pays-Bas | 2019

Made of 360 fragments of found footage 360° videos, “- f(OO)f -” explores and recycles sequences recorded from cars, planes, video games, reports and home videos. Images are intertwined, intricated and edited, questionning both spaces of perception and representation, building a radical criticism of our contemporary visual culture.

Dirk Paes was born in Brussels, he lives and works in the Netherlands. He is one of the members of the JODI duo, who pioneered web-based art in the mid-90s. For a few years now, in parallel to their collective work, each of them is developing specific artistic researches on their own. Jodi’s work is featured in most art historical volumes about digital art, media art, and net art, and has been exhibited widely at venues such as documenta X, Kassel; Stedelijk Museum, Amsterdam; ZKM, Center for Art and Media, Karlsruhe; Bonner Kunstverein and Artothek, Bonn; InterCommunication Center, Tokyo; Centre Pompidou, Paris; Center for Contemporary Arts, Glasgow; Guggenheim Museum, New York; MoMA, New York; Eyebeam, New York; and Museum of the Moving Image, New York, among many others. Jodi is regularly seen as part of an international group of artists, including Vuk Cosic, Alexei Shulgin, and Olia Lialina, who pioneered art on the web, usually referred to as net.art. In contrast to working in the institutionalized art world, they chose to work on the net because it gave freedom. The internet was a free space to experiment and communicate. This network of artists influenced each other and communicated using mailing lists such as Rhizome and Nettime (which was founded by Dutch media theorist Geert Lovink). After they met at the Jan van Eyck Academy in Maastricht, where they studied photography and video, they moved to Silicon Valley (San Jose, California) to learn about digital media. It was in Silicon Valley that they became familiar with the internet. Since 1995 they have been working together as Jodi, creating art on the World Wide Web. Although they are most famous for their web-based work, they also work in a wide variety of media and techniques like software, performances, installations, and exhibitions. JODI were among the first artists to investigate and subvert conventions of the Internet, computer programs, and video and computer games. Radically disrupting the very language of these systems, including interfaces, commands, errors and code, JODI stages extreme digital interventions that destabilize the relationship between computer technology and its users. They received a 1999 Webby Award in the category Net Art. In 2014, Jodi was awarded the inaugural Prix Net Art Award by Rhizome, a leading art organization dedicated to born-digital art and culture affiliated with the New Museum in New York. The influence of the work can not only be seen in the art world, but in internet culture too: the work is spoken about on forums of hacker sites and on YouTube many videos can be found reviewing, explaining, and researching wwwwwwwww.jodi.org with titles such as “weirdest website of all time” and “wwwwwwwww.jodi.org: secrets?”.

Catalogue : 2010GeoGoo 2010 | Installation multimédia | | | 0:0 | Belgique | Pays-Bas | 2010
Dirk paes , joan heemskerk, dirk paesmans
GeoGoo 2010
Installation multimédia | | | 0:0 | Belgique | Pays-Bas | 2010

Jongkwan paik
Catalogue : 2017La Noche Cíclica (Cyclical Night) | Doc. expérimental | hdv | couleur et n&b | 17:0 | Coree du Sud | 2016
Jongkwan paik
La Noche Cíclica (Cyclical Night)
Doc. expérimental | hdv | couleur et n&b | 17:0 | Coree du Sud | 2016

The time is out of joint. The ghost appears again in the dark of the night. “ The chain of memorial light is not absolutely broken, it is rather knotted in a different way ”

Born in 1982, South Korea. Studied Psychology and Electronics in college and received MFA in Film from the Graduate School of Communication and Arts at Yonsei University. Jongkwan continues to produce experimental films based on research with in-depth study of images.

Baden pailthorpe
Catalogue : 2019Plantz | Vidéo | 4k | couleur | 0:0 | Australie | 2019
Baden pailthorpe
Plantz
Vidéo | 4k | couleur | 0:0 | Australie | 2019

"Plantz" is a procedural animation from Baden Pailthorpe's 2019 exhibition "Asset Pack", 2019. In this series, Pailthoroe intensifies his examination of the cultures of late capitalism by reinterpreting the material culture of digital marketplaces. In doing so, he recontextualises these objects and redefines their potential as artefacts of our contemporary moment. Like an archaeologist unearthing speculative objects from the networks that increasingly define our lives, these artworks speak to the complex and unstable nature of society today.

Baden Pailthorpe is a contemporary artist who works with emerging and experimental technologies. He is Lecturer in Hybrid Art Practice at the Australian National University?s School of Art & Design, Canberra. His artistic practice interrogates the relationship between aesthetics and power, interrogating the politics of technological and economic structures across Sport, Finance and the Military-Industrial Complex. Since 2011, Baden’s practice has integrated performance and installation alongside screen-based interventions. Examples include: a commissioned performance at the Centre Pompidou, Paris (2014); video work depicting a hacked military simulator at the Palais de Tokyo, Paris (2012); documentation of a video game performance exhibited at the Triennale di Milano, Milan (2016); a ‘start-up as artwork’ at Sullivan+Strumpf (2017); and an experimental data visualisation of AFL player GPS data at UTS Art, Sydney (2017). Significant exhibitions include Clanger, UTS Art Gallery, Sydney (2018); Pitch Deck, Sullivan+Strumpf, Sydney & Singapore (2017); GAME ART/VIDEO, 21st Triennale di Milano, Milan (2016); Spatial Operations, Newcastle Art Gallery, Newcastle (2015); Guarding the Home Front, Casula Powerhouse, Sydney (2015); On Return and What Remains, Artspace, Sydney (2014) & CACSA, Adelaide (2015); Students of War, Hors Pistes, Centre Pompidou, Paris (2014); Cadence, Westspace (2014); Moving_Image 10, La Gai?te? Lyrique, Paris (2013); and Rencontres Internationales, Palais de Tokyo, Paris (2012). Baden’s work is held in significant private and public collections, including Artbank, Australia; Australian Parliament House Art Collection, Canberra; Newcastle Art Gallery, Newcastle; The Art Gallery of South Australia, Adelaide; The Australian War Memorial, Canberra; The Netherlands Media Art Institute (NIMk), Amsterdam; The National Library of Australia, Canberra; UTS Art, Sydney; and UQ Art Museum, Brisbane.

Catalogue : 2016MQ-9 Reaper II (That Others May Die) | Animation | hdv | couleur | 6:0 | Australie | 2014
Baden pailthorpe
MQ-9 Reaper II (That Others May Die)
Animation | hdv | couleur | 6:0 | Australie | 2014

Baden Pailthorpe’s MQ-9 Reaper II (That Others May Die) 2014 is a surreal exploration of the MQ-9 Reaper drone and its networked human and non-human agents. Originally commissioned by Artspace, Sydney for Mark Feary’s exhibition On Return and What Remains (2014), including Omer Fast, Richard Mosse and Harun Farocki, MQ-9 Reaper II sits in between the reflections and refractions of the contemporary state of remote warfare. It combines cultures and politics of the military-industrial complex, corporate warrior culture, war trophies and interior design. A renovated drone control centre is redeployed from the ground to the air over a mountainous Afghan-American landscape, offering a new kind of luxury for the drone operator/corporate warrior, complete with marble floors, leather couch and cutting-edge contemporary war art. The hydraulic wall can be lowered for entertaining, personal training or surveillance. The slowly rotating unit allows for panoramic views and constant situational awareness. This speculative, controller architecture is cut with images of that which it controls. Two incarnations of the MQ-9 Reaper drone, the classic General Atomics USAF model, and its own idealised reflection contemplate each other and their increasing sense of semi-autonomous agency.

Baden Pailthorpe (b. 1984) is part of a generation of artists whose practice is shaped by Internet culture. He holds a Ph.D from the University of New South Wales, an MFA from l’Université Paris VIII, an MA from COFA and a BA from the University of Sydney. Much of Baden Pailthorpe’s work consists of hyper-real animations, video and sculpture that engage with the spatiality of power, politics and the cultures of late-capitalism. Significant exhibitions include GAME ART/VIDEO, 21st Triennale di Milano, Milan (2016); Spatial Operations, Newcastle Art Gallery, Newcastle (2015); Guarding the Home Front, Casula Powerhouse, Sydney (2015); On Return and What Remains, Artspace, Sydney (2014) & CACSA, Adelaide (2015); Students of War, Hors Pistes, Centre Pompidou, Paris (2014); Cadence, Westspace (2014); Moving_Image 10, La Gaîté Lyrique, Paris (2013); and Rencontres Internationales, Palais de Tokyo, Paris (2012). Baden’s work is held in significant private and public collections, including Artbank, Australia; Australian Parliament House Art Collection, Canberra; Newcastle Art Gallery, Newcastle; The Art Gallery of South Australia, Adelaide; The Australian War Memorial, Canberra; The Netherlands Media Art Institute (NIMk), Amsterdam; The National Library of Australia, Canberra; and UQ Art Museum, Brisbane.

Catalogue : 2012Formation V | Création numérique | hdv | couleur | 20:39 | Australie | 2012
Baden pailthorpe
Formation V
Création numérique | hdv | couleur | 20:39 | Australie | 2012

Made using an Afghanistan-based war simulator, Baden Pailthorpe?s Formation V explores the aesthetics and dynamics of military movement. In the work, two opposing forces of US soldiers and Taliban combatants follow invisible way-points side-by-side. Oblivious to each other?s presence thanks to a hacked game setting, the usual violence of this relationship is transformed into a poetic rhythm that repeats and amplifies the avatars? movement.

Baden Pailthorpe (b. 1984) is an Australian media artist, writer and curator. His work engages with the political and conceptual potential of technologies and cultural content. His recent international exhibitions have been focused on the politics and aesthetics of military technologies, including simulators, cinema and video games. Baden Pailthorpe is currently undertaking a Ph.D in New Media Aesthetics at UNSW, Sydney. He holds a MFA from l`Université Paris VIII and a MA from the College of Fine Arts, UNSW. His work is held in private and public collections. Some recent solo and group exhibitions include Gap Year: New Sydney Art, ARTSPACE, Sydney; Formations, Martin Browne Contemporary, Sydney; Yes, We`re Open, The Netherlands Media Art Institute (NIMk), Amsterdam; FILE 2012, Sao Paulo, Brazil; Game Change, Telfair Museum of Art, Savannah, USA; Lingua Franca, Firstdraft Gallery, Sydney & Monobandes II, Les Territoires, Montréal, Canada. Baden Pailthorpe is currently curating an ambitious exhibition in partnership with Screen Space, Melbourne, around the theme of military vision to be held in April 2013.

Jesus M. palacios
Catalogue : 2019Labo | Doc. expérimental | 4k | couleur et n&b | 13:51 | Espagne | 2019
Jesus M. palacios
Labo
Doc. expérimental | 4k | couleur et n&b | 13:51 | Espagne | 2019

« Labo » est un passage à travers la mémoire de l’ancienne Université ouvrière Francisco Franco de Tarragone, non seulement à travers ses bâtiments, mais également le souvenir de ceux qui y ont résidé. Un voyage dans notre passé qui nous fera mieux comprendre notre temps présent et futur.


JESÚS Mª PALACIOS. Donostia/Saint-Sébastien, 1980. Diplômé en Tourisme par l’université de Deusto et titulaire d’une licence en Sciences humaines et Communication audiovisuelle par celle de Salamanque. Master en Documentaire créatif à l’Université Autonome de Barcelone.

María palacios cruz
Catalogue : 2006Argos | 0 | 0 | | 0:0 | Belgique | 2007
María palacios cruz
Argos
0 | 0 | | 0:0 | Belgique | 2007

Argos est un centre pour l?art et les media basé à Bruxelles fondé en 1989. Au fil des ans, l?organisation s?est développée, au départ elle distribuait des vidéos et des films d?artistes puis elle s?est transformée en centre artistique avec des fonctions plus variées comme l?organisation d?expositions, de projections et d?événements, la production, le conservation et la préservation, la publication et le développement d?une médiathèque publique. En tant que centre interdisciplinaire pour l?art et les media audiovisuels, le but d?Argos est de créer une plateforme de production, de présentation, de distribution et de préservation de l?art audiovisuel et de l?art visuel contemporain belge et international, et de façon plus générale, toutes les formes d?expression artistiques qui ont un lien avec les media audiovisuels. Dans un paysage socioculturel qui évolue rapidement, Argos veut suivre les développements caractéristiques de l?art visuel et de l?art audiovisuel ? et de la culture visuelle et médiatique en tant que phénomène social dans son ensemble ? de manière critique, fournissant ainsi au public un cadre de référence et d?interprétation.


Argos est un centre pour l?art et les media basé à Bruxelles fondé en 1989. Au fil des ans, l?organisation s?est développée, au départ elle distribuait des vidéos et des films d?artistes puis elle s?est transformée en centre artistique avec des fonctions plus variées comme l?organisation d?expositions, de projections et d?événements, la production, le conservation et la préservation, la publication et le développement d?une médiathèque publique. En tant que centre interdisciplinaire pour l?art et les media audiovisuels, le but d?Argos est de créer une plateforme de production, de présentation, de distribution et de préservation de l?art audiovisuel et de l?art visuel contemporain belge et international, et de façon plus générale, toutes les formes d?expression artistiques qui ont un lien avec les media audiovisuels. Dans un paysage socioculturel qui évolue rapidement, Argos veut suivre les développements caractéristiques de l?art visuel et de l?art audiovisuel ? et de la culture visuelle et médiatique en tant que phénomène social dans son ensemble ? de manière critique, fournissant ainsi au public un cadre de référence et d?interprétation.

Jean Jacques palix
Catalogue : 2009CE DISQUE EST LE MEME QUE L'AUTRE | Vidéo | dv | couleur | 9:0 | France | 2009
Jean Jacques palix
CE DISQUE EST LE MEME QUE L'AUTRE
Vidéo | dv | couleur | 9:0 | France | 2009

Film multi-écrans de 9 minutes utilisant des rushes de longs métrages représentant des tourne-disques ou des personnes manipulant des disques. La bande sonore est constituée du mixage naturel des sons originaux de ces rushes.


Compositeur et arrangeur de musiques de films et de chorégraphies, scénographe sonore pour des installations, collecteur et archiviste de musiques rares, chasseur de sons, Jean Jacques Palix est toujours attentif aux expérimentations. À la suite de ses années de productions et de réalisations de programmes radiophoniques à Radio France puis à Radio Nova dont il fut un des fondateurs en 81, il crée Tapage Atypique, puis, en 1991, le label de disques Song Active, pour répondre à son désir d`un studio ouvert aux rencontres artistiques, musicales et sonores. Il compose les musiques pour de nombreuses chorégraphies ainsi que des films d`artistes et documentaires parmi lesquels, récemment, "A l?infirmerie" de Fleur Albert, "Ode pavillonaire" de Frédéric Ramade.... En 2002, il réalise le film "Conférence sur rien" autour d`une lecture d`Eve Couturier, d`après "Lecture on nothing" de John Cage. En 2007, il crée 16`33", 33 hommages de 30" à 33 compositeurs et expose cette pièce à la galerie IN SITU / Fabienne Leclerc à Paris. En 2009, il réalise le film "Ce disque est le même que l`autre" pour une exposition personnelle ?Staccato? à la galerie Michel Journiac à Paris. Il est commissaire de l`exposition "Cornelius Cardew et la liberté de l`écoute" au CAC de Brétigny sur Orge.

Ursula palla
Catalogue : 2006Flowers IV | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 7:0 | Suisse | Pays-Bas | 2004
Ursula palla
Flowers IV
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 7:0 | Suisse | Pays-Bas | 2004

Flowers IV, un travail vidéo appartenant à la série flowers (I ? XVII), est né en Hollande sur la place de la criée aux fleurs d?Aalsmeer. On y montre des ouvriers en train de colorer les fleurs et les plantes. Les fleurs blanches, de préférence les oeillets, les asters, les roses, les tulipes et les gypsophiles, sont plongés manuellement dans des bains de couleur, puis séchés et emballés. A partir de quatre heures du matin, des ouvriers et des ouvrières, clandestins pour la plupart, s'occupent de combler les souhaits en matière de couleur d'une clientèle difficile. Les fleurs dont la couleur est à la mode sont de cette façon livrées plus exactement et plus rapidement, et peuvent être adaptées plus efficacement aux changements de saisons alors que les cultiver demande du temps. La vidéo accompagne les coloristes et offre un bref aperçu de leur quotidien dans lequel le parfum des fleurs se mélange à l'odeur des couleurs synthétiques alors qu'en arrière-plan on entend une station FM vanter les mérites de l'authenticité. (son original de l'atelier de colorisation) Les murs couverts des traces d'un dur travail mettent en évidence les rapports entre les envie de décoration et les abus économico-éthiques. Les fleurs, le symbole de la beauté naturelle, deviennent une métaphore de l'artificiel. Ce qui est précieux se transforme en marchandise et en déchets. Une vidéo qui évoque et mélange les niveaux les plus différents. Ce travail fait à la main, dans notre monde électrodigital, où tout semble possible, et où on peut d'un seul clic modifier une couleur, nous donne une impression particulière et rappeller des temps que l'on croyait depuis longtemps révolus. De plus, la vidéo présente à un autre niveau une histoire esthétique de la peinture, de la joie sensuelle née du plaisir des couleurs en continuité avec la performance de Jackson Pollock ?Action Painting?, au pays des fleurs. Les situations fragiles, la multiplication des différentes façons de voir et les réalités sont ainsi rendues visibles.


Ursula Palla de Suisse et Haut- Adige/Italie, née en 1961 à Chur/ Suisse vit et travaille à Zurich/Suisse Etudes et projets: 1989 ? 1992 F+F Zürich, Ecole d'art et de Design des Médias Depuis 1992 travaille en indépendance dans l'Art des Médias, 1992 ? 1999 Professeur de Vidéo à F+F Zurich, 1994 - 2002 Membre du groupe de performance média cpx Zurich, depuis 1998 travaille avec différents artistes; Doris Schmid; Walter Pfeiffer, Franz Gratwohl, Victorine Müller, Fabrice Gygi, montage sonore? Projet Pro Helvetia, Ventura Dance Comp., etc web-works - www.on-out.info, net-work 2004 - MES, www.mars-patent.org, Hambourg 2004 ? Oktober 2005 Festivals vidéos sélection: - Viper, Luzerne / CH (Suisse) 1996 - San Francisco / USA 1997 - Centre Culturel Suisse, Paris 1998 - experiMental Zurich / CH 2000 -Festival vidéo, Guadaljaro, Mexico 2000 - Festival vidéo Reithalle Berne / CH 2003 - Viper Kunsthalle Bâle / CH 2006 - Balkan TV Zurich / CH 2006 Bourses et prix: -Bourse 1997 et 1999 canton AR/ CH -Bourse 2000 canton GR/ CH -Bourse canton de Zurich / CH 2004 -Bourse Art in Residence die Höge / ALL (Juin - Août 2001) -Bourse Stiftung Binz 2002 ? 2004 Zürich / CH récompenses: -CynetART Award 2004 Dresde/ ALL pour flowers I Travail permanent en lieu public: Reconversion d'appartement ABZ Jasminweg Zurich / CH 2003 Collections publiques: - Kunsthaus Zurich/CH - Stadt Zurich / CH - Zentrum für neue Medien Karlsruhe / ALL- Seedammkulturzentrum Pfäffikon / CH - ArtEastFoundation Tirgu Mures / ROU

Manuel palma
Catalogue : 2016Noche día | Vidéo | hdv | couleur | 11:25 | Espagne | 2015
Manuel palma
Noche día
Vidéo | hdv | couleur | 11:25 | Espagne | 2015

A path and someone walking. We observe several atmospheric phenomena such as: the thick haze of mist gradually reveals the way, various intensities of rain falling waved by wind gusts. We move between a haunting and strange serenity which is interrupted by sounds of creatures who live in this place. A way of looking that is used to link space and thought. We move at same time as the landscape with a movement of camera that slides between the natural rhythms of the forest.

Manuel Palma was born in Cadiz in 1986. His audiovisual work has been seen in centers and festivals such as V Festival de MARGENES "Film Letters" in Madrid, ZINEBI57 "Zinergentziak15" in Bilbao, FIVA International Video Art Festival in Buenos Aires, "Music and Visual Arts Sens meeting" in Rambleta, Valencia, CINEMISITICA "Art Cinematheque Cinemistica 7" in Granada, "XXIV Muestra Abierta de videoartistas 18D" in Neomudejar, Madrid. He studied Fine Arts in Sevilla and Valencia were he was strongly influenced by classical painting and drawing. He combined his knowledge in drawing and painting with video and sound art education. Manuel Palma complete his audiovisual education with the exchange program at Lietuvas Dailes Akademija in Lithuania, ECAM: Film School in Madrid and VideoLab Master in Madrid. He has developed courses and workshops with artists and filmmakers like James Benning, Lois Patio, Victor Erice, Mercedes Alvarez. Currently he resides in Madrid.

Catalogue : 2017El Sueño de la Razón (The Dream of Reason) | Fiction expérimentale | 4k | couleur et n&b | 15:0 | Espagne | 2017
Manuel palma
El Sueño de la Razón (The Dream of Reason)
Fiction expérimentale | 4k | couleur et n&b | 15:0 | Espagne | 2017

The shadows of a moon eclipse cover two of the first villages built in Spain after the war. Its inhabitants are trapped under these transition moment turned to a new landscape between two worlds, between two dreams.

Manuel Palma (Cádiz, 1986) He studied Fine Arts in Sevilla and Valencia . It combines his education of drawing and painting with video art and sound art. He complete his education with the exchange program at Lietuvas Dailes Akademija in Lithuania. His audiovisual work has been seen in centers and festivals such as RENCONTRES INTERNATIONALES PARIS / BERLIN in Paris and Berlin, V Festival de MÁRGENES "Film Letters" in Madrid, ZINEBI57 "Zinergentziak15" in Bilbao, FIVA International Video Art Festival in Buenos Aires, "Music and Visual Arts Sens meeting" in Rambleta, Valencia, CINEMISITICA "Art Cinematheque Cinemistica 7" in Granada, "XXIV Muestra Abierta de videoartistas 18D" in Neomudejar, Madrid. He has developed courses and workshops with artists and filmmakers like James Benning, Lois Patiño, Victor Erice, Mercedes Alvarez. Currently he follow his education in Master Videolab of Contemporary Audiovisual Creation at LENS Visual School of Arts in Madrid.

Peter palven
Catalogue : 2005Social Sounds | Création sonore | 0 | | 60:0 | Suède | 2005
Peter palven
Social Sounds
Création sonore | 0 | | 60:0 | Suède | 2005

Social Sounds - Une Installation d'Art Sonore Algorithmique avec des Images Générées par Ordinateur Basées sur la Théorie de l'Attitude Sociale et des Modèles d'Oscillateurs Couplés Non-linéaire. Dans cette installation, l'image et le son créent une métaphore de l'interaction sociale entre les individus, et aussi, elle explore le concept du divertissement comme base pour créer une musique et une imagerie basée sur le rythme. La théorie de l'attitude sociale et des modèles couplés pour oscillateurs non-linéaires est appliquée dans des logiciels personnalisés pour contrôler le son et l'image. L'inspiration principale pour cette ?uvre fut le processus de synchronisation qui s'installe dans un groupe de grenouilles coassant : elles ont tendance à synchroniser leurs coassements avec celles des autres grenouilles alentours. De manière similaire, les lucioles synchronisent leur lumière avec les autres lucioles alentours ; les criquets synchronisent leurs frottements les uns avec les autres, etc.. Aussi, l'attitude sociale de l'Homme apparaît avoir plusieurs points similaires avec la manière selon laquelle les grenouilles synchronisent leurs coassements. La tendance des gens à adopter l'attitude de ceux qui les entourent apparaît dans de nombreuses situations, et peut conduire à des phénomènes comme la circulation de modes, des bonds et des cracks du marché des échanges, etc.. Dans Social Sound, 256 sons différents sont dispatchés dans un lieu unique de la pièce. Chaque son est contrôlé pour être influencé par les autres sons alentour, adaptant son attitude à celle des autres. L'image est une illustration de l'attitude des sons dans laquelle le carré représente un son correspondant. Ainsi, le son et l'image dans l'installation sont une métaphore de la manière qu'a tout à chacun de se conformer aux motifs alentours. Le son et l'image ont une expression évoluant sans cesse tels sont influencés les sons/carrés par leur environnement présent. L'interaction sociale est réalisée par un modèle mathématique d'oscillateurs couplés non-linéaires, une sous-classe mathématique récente, décrivant le processus selon lequel le rythme interne d'un individu s'ajuste à un rythme extérieur et ainsi dans une certaine limite, synchronise son attitude avec ce qui l'entoure. Le son crée est distribué dans un espace à deux dimensions en utilisant une sortie à plusieurs canaux et l'image en évolution apparaît comme une projection vidéo.


Peter Palvén, né en 1973 à un curriculum en ingénierie informatique. Il est entré dans un master en sciences, ingénierie électrique en 1997, et depuis travaille comme technicien consultant dans de nombreux pays et domaines. Son grand intérêt dans la musique et dans l'art l'a fait commencer un troisième cycle et en 2004, il est diplôme d'un master en Sciences, Art et TEchnologie à l'Université de Chalmers / Innivate Design. Il vit et travaille en ce moment en Suède.