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Asa mori
Catalogue : 2007The Tea Party | Animation | dv | couleur | 1:45 | Canada | 2007
Asa mori
The Tea Party
Animation | dv | couleur | 1:45 | Canada | 2007

Animation Super 8 d'une partie de carte avec un petit quelque chose de spécial dans le thé.


Asa Mori est née à Nagano au Japon et vit actuellement à Vancouver. Elle a obtenu un BFA du Nova Scotia College of Art and Design, en travaillant principalement sur l'installation média et l'animation. Elle eu son premier animal de compagnie à l'age de six ans, un lapin appelé "House". House est mort tragiquement une semaine plus tard.

Armand morin
Catalogue : 2007keep off displays 2 (missile range | Art vidéo | dv | couleur | 6:17 | France | USA | 2007
Armand morin
keep off displays 2 (missile range
Art vidéo | dv | couleur | 6:17 | France | USA | 2007

La vidéo "Keep off displays" a été tournée au Nouveau Méxique, à "Missile Range", une base militaire où ont été effectués dans les années 40 les premiers essais nucléaires. La vidéo s`attarde plus précisément sur une partie ouverte au public appelée "Missile park". Ce musée du missile propose soixante ans d`une histoire de l`armement balistique américain. Entre une réplique de la bombe H, un V2, de drônes, et le public touristique;un véhicule radiocommandé se ballade sans fin sur les allées de cette mise en scène spectaculaire. Celui-ci imite le déplacement des "Rovers",robots récemment envoyés sur mars par la NASA . Sur ce site l`histoire se déroule et se raconte avec naïveté et cynisme, dans le culte du progrès et de la performance, au mépris des implications humaines et géopolitiques les plus évidentes. Dans ce Disneyland, "Pluto" a le museau équipé d`une tête chercheuse...


Qu`il se développe sous forme de photographie de vidéos, de sculptures ou d`installations, mon travail s`interroge sur les divers moyens de représentation qui donnent naissance au paysage et dans un sens, les amorces de fictions que ces représentations matérielles ou mentales engagent. Cette pratique a pour origine diverses expériences, promenades et rencontres avec des lieux et des situations qui seront dans un premier temps documentées puis réinvesties dans des dispositifs combinant des souvenirs, des matériaux prélevés et une imagerie collective. Des séquences, du montage, de l`assemblage. Je m`intéressent particulièrement au formes produites par les lieux et les industries de consommation du temps libre, des loisirs, aux pratiques amateurs. Ces situations sont propices à la modélisation, au changement d`échelle, aux basculements sémantiques, à la naissance de récits populaires du monde. Je viens d`être diplômé (juin 2007) de l`École des beaux-arts de Nantes, ou je vis et travaille.

Catalogue : 2010Climatic Fictions | Doc. expérimental | dv | couleur | 5:32 | France | USA | 2009
Armand morin
Climatic Fictions
Doc. expérimental | dv | couleur | 5:32 | France | USA | 2009

Cette vidéo a été tournée en Arizona, dans différents parcs naturels (Painted desert, Petrified forest) ainsi qu?à Biosphere 2, centre d?étude scientifique où 4 écosystèmes et climats ont été artificiellement reconstitués sous une serre située en plein désert. Le montage et la voix du guide de Biosphère 2 construisent un documentaire de science fiction, absurde mais inquiétant. Cela laisse supposer que ces paysages immenses ont été générés par Biosphere2.


Armand Morin Né à Nevers en 1984 Vit et travaille à Lille Armand Morin a été diplômé des beaux-Arts de Nantes en 2007. Son travail s`approprie les diverses formes générées par le monde des loisirs, liées au paysage et à l`architecture. En 2008, ses vidéos et sculptures sont récompensées par le Prix des arts plastiques de la ville de Nantes. En 2009, l`école des Beaux-Arts de Nantes lui propose une bourse pour poursuivre ses recherches à Miami, dans le cadre du groupe de recherche "Pensées Archipéliques" qui s`intéresse au rapport entre l`art, la ville, le multiculturalisme et la mondialisation. Il y tourne les vidéos "Pardon our Dust" et "Le Monastère Espagnol" qui interrogent le rapport de Miami à son territoire et les emprunts culturels européens que l`on retrouve dans son architecture. Il commence à la rentrée 2010 le Cursus du Fresnoy, studio national des arts contemporains.

Didier morin
Catalogue : 2010Fontevrault 82 | Doc. expérimental | super8 | noir et blanc | 14:0 | France | 2010
Didier morin
Fontevrault 82
Doc. expérimental | super8 | noir et blanc | 14:0 | France | 2010

En 1982, j?écrivais à Jean Genet pour lui demander s?il accepterait de parler de son temps passé à Fontevrault. J?ignorais à l?époque qu?il n?y avait jamais été emprisonné. Je ne reçu aucune réponse de sa part, et l?autorisation de filmer me fut refusée. Le motif évoqué : l?abbaye était en restauration, donc dangereuse. On me demandait de refaire une demande dans quelques années. Je décidais donc de m?introduire dans l?abbaye sans autorisation. Avec une caméra super 8, un trépied et une lampe de camping, guidé par quelques-uns des derniers prisonniers qui pouvaient se déplacer librement dans l?enceinte, je filmais durant plusieurs jours les lieux, les traces, les inscriptions sur les murs de l?enceinte centrale. Au total 6 galettes de 3 minutes. (Surpris par un gardien, je dus renoncer.) En 2010, j?ordonnais cette matière brute, sans rien y soustraire, ni vraiment la monter, en laissant les reprises de plans, et les hésitations lors du tournage. (Didier Morin)


Né en 1956. Photographe et cinéaste, il enseigne le cinéma à l?école des Beaux arts de Marseille. Crée la revue Mettray en 2001. Il est l`auteur du film Le voyage d`Yves Klein (2007) et d?Un autre voyage mexicain (2010) et de Fontevrault (1979-2010). Il a publié Carnac (Monum Edt) et Les Semelles d?or (La Petite École Comp`Act). Tourne actuellement Dans l?atelier de Jean-Pierre Bertrand.

Maria morina
Catalogue : 2011Nizhny Tagil Youth | Documentaire | hdv | couleur | 5:5 | Russie | 2011
Maria morina
Nizhny Tagil Youth
Documentaire | hdv | couleur | 5:5 | Russie | 2011

Nizhny Tagil Youth project explores the life of young people in one of the industrial centres, Nizhny Tagil, Russia, located on the virtual border between Europe and Asia. Their aspirations are limited by the paths already determined for them. This industrial city sits amidst the Ural mountains, the natural frontier between Europe and Asia. Of the 362,000 inhabitants, about 70,000 work for UralVagonZavod and 25,000 work for Nizhny Tagil Iron and Steel Plant, part of the Evraz Group, the two main factories located in the town. At around 16 years old, teenagers must make a choice about their employment. The majority ends up working long hours in one of the two plants, some join the small businesses that support these plants and their workers, and the rest remain unemployed. For the young people of the city, growing up within this damaged social landscape, there is a palpable sense of disillusionment. Those who work in the factories are subjected to a monotonous routine. The two hours a day commute added to eight hours on the job leaves them with little time to themselves. And lack of money often prevents them from going out, some feel that they have nothing to do.

Maria Morina is an emerging Russian documentary photographer and filmmaker based in Kiev, Ukraine. Maria Morina was born in Novosibirsk, Russia, in 1982. She graduated from St. Petersburg State University, International Relations, and attended Galperin photojournalism faculty in St. Petersburg and several workshops by Yury Kozyrev/ NOOR, and Bjarke Myrthu/ StoryPlanet organized by Objective Reality Foundation. Ms. Morina has participated in several group exhibitions and installations in Russia, UK, and US. She also worked as a field producer for documentary film Birth Of Nation by Daya Cahen, 2010. Since 2009 Ms. Morina has been working on joint project by three female photographers Grozny: Nine Cities, exploring specific aspects of the aftermath of two Chechen wars, which has been nominated for several international reward. In 2010 Ms. Morina started to work on a personal long term project on Nizhny Tagil youngsters lifestyle. The result of the project will be a series of short documentary films.

morley, flanagan, tom
Catalogue : 2011Post-Fordlandia | Doc. expérimental | hdcam | couleur | 19:30 | Irlande | Brésil | 2011
morley , flanagan, tom
Post-Fordlandia
Doc. expérimental | hdcam | couleur | 19:30 | Irlande | Brésil | 2011

?Post- Fordlândia? explores the mythologies surrounding Henry Fords failed utopia ?Fordlândia?. Fordlândia, an an abandoned American town and rubber plantation constructed in 1928 by Henry Ford in the heart of the Amazonian rainforest exists as the most poignant existing monument to Ford?s attempt to export his puritanical model of capitalism and the American way of life into other parts of the world. Through a filmic exploration of this ghost town through the eyes of an other-worldly protagonist, the work contemplates the physical and ideological failure of the exportation of the American capitalist dream into one of the most complex ecological and cultural places on the planet. ?Fordism?, Fords? own term to describe his ideal model of capitalism, has irrevocably altered the development of western society, and whilst Ford?s vision was at once protecting even parental, it was utterly totalitarian. As industrialized processes became increasingly global, the flaws in Ford?s logic began to erode the fabric of his utopian dream. ?Post-Fordlândia? is a thought provoking, contemplative film exploring the failure of the technological utopianism that underpins so much of Capitalism and the assumptions that all societal problems will be solved by endless growth and new technologies.

Megs Morley and Tom Flanagan are artists and filmmakers based in Galway, Ireland, who collaborate on large scale visual art , film and public art projects. Their work is primarily concerned with exploring cultural and political contexts and sites through the expanded use of artist's cinema, cinematic space, documentary, fiction and experimental film. Their approach is multifaceted and experimental and plays with the tropes and forms of non-fiction film, by presenting moments of cinemea verite alongside constructed and fictional elements, whilst avoiding traditional narrative structures of mainstream documentary in order to explore a self-reflexive inquiry into the medium of film, and to complicate potential readings surrounding the documentation of politically complex sites and contexts, thereby creating a criticality on the relationship between images, history and memory. Their work has been shown both nationally and internationally and they are currently working on two feature length experimental documentaries, one of which focuses on Fordlândia.

Wendy morris
Catalogue : 2006Taste the World | Animation | 16mm | couleur et n&b | 4:20 | Afrique du sud | Belgique | 2005
Wendy morris
Taste the World
Animation | 16mm | couleur et n&b | 4:20 | Afrique du sud | Belgique | 2005

Taste the World dure quatre minutes et montre que les touristes perçoivent le Tiers Monde comme une cours de récréation pour l?Europe. Le titre vient d?une brochure pour les touristes qui exhorte les voyageurs à ?goûter le monde.? Le slogan de cette publicité sous-entend que le monde est là pour ?vous,? pour le ?vous? du connaisseur doué de discernement, le ?vous? que représentent les Européens et leur excès de temps libre. Sans frontières, le (?tiers?) monde est présenté comme le domaine du consommateur, un domaine qui offre des choix illimités : culinaires, sexuels, économiques et culturels. Le film commence et finit par un repas. Intercalée dans cette histoire, on trouve une référence au voyage de Sarah Bartman, la femme Khoi Sud Africaine qui a été exhibée en Europe dans les années 1700 comme étant le lien entre l?homme et le singe, et à son retour au pays. Elle mourut jeune à Paris et des parties de son corps furent mises en bouteille et montrées au musée de l?homme. En 2003, ses restes furent rapatriés en Afrique du Sud et elle fut enterrée.


Wendy Morris est une artiste du visuel née en 1960 à Walvis Bay en Namibie. De nationalité Sud Africaine, elle vit en Belgique. Elle a été Bachelor of Arts in Fine Arts en 1994 à l?université d?Afrique du Sud. En 1999 elle est Honours Bachelor of Arts en histoire de l?art également à l?université d?Afrique du Sud. Et en 2004, elle a obtenu une maîtrise en arts visuels, toujours à l?université d?Afrique du Sud.

Catalogue : 2007Bully Beef | Animation | 16mm | noir et blanc | 6:0 | Afrique du sud | Belgique | 2007
Wendy morris
Bully Beef
Animation | 16mm | noir et blanc | 6:0 | Afrique du sud | Belgique | 2007

"Bully Beef" tente de relier deux histoires que l'on persiste à traiter séparément. En 1914, l'Allemagne envahie la "petite" Belgique. Ses alliés viennent à son secours. Il faut quatre ans et plus de quarante nations ou groupe ethniques - dont nombreux sont colonisés par les nations alliées- pour tenir tête aux impérialistes allemands. Le souvenir de ce traumatisme est toujours vivace en Belgique. Le tourisme autour de sites de bataille de la Première guerre mondiale est plus que jamais actif. Chaque jour, des bus remplis d'écoliers s'arrêtent devant les musées et les cimetières du Commonwealth à Leper et dans le Westhoek. On publie en Belgique de plus en plus de livres sur la Première guerre mondiale. En revanche, il y a de moins en moins de publications sur une autre invasion concernant la Belgique, survenue à peine trente ans avant 1914. De nombreux officiers et généraux décorés pour leur rôle dans la défense de la Belgique pendant la Première guerre mondiale ont pratiqué leur commerce non pas en Europe mais dans l'acquisition, le contrôle et l'exploitation d'un morceau de terre huit fois plus grand que leur terre natale, le Congo. La Belgique a fait au Congo ce que l'Allemagne espérait faire à la Belgique et à d'autres pays de l'Europe de l'Ouest. Repoussant l'invasion allemande avec l'aide de ses alliés, la Belgique a continué son invasion du Congo pendant encore quarante ans.


Wendy Morris est née en Namibie en 1960. Elle grandit à Johannesburg, en Afrique du Sud. Elle étudie les beaux-arts à l'université de Witwaterstrand et à l'université d'Afrique du Sud. Vivant actuellement en Belgique, elle est en doctorat à l'université de Leuven. Pour ses films d'animation, elle utilise de grands dessins au fusain qu'elle transforme et redessine. "Bully Beef" est son troisième film. Morris montre ses films, parfois en même temps que ses dessins, dans des galeries, des musées et à des festivals. Ses films ont été sélectionnés pour concourir aux festivals de Fantoche, Oberhausen et Annecy.

Catalogue : 2009Off the Record | Animation | 35mm | noir et blanc | 5:0 | Afrique du sud | Belgique | 2008
Wendy morris
Off the Record
Animation | 35mm | noir et blanc | 5:0 | Afrique du sud | Belgique | 2008

Off the Record explores the different experiences and treatment of black and white South African soldiers in Europe during World War I. Two documents form the basis of the film, a war diary kept by the artist?s great-uncle Walter, and a 1917 account by Sol Plaatje of the frustrated attempts of many black South Africans to play their part in the war effort. Points of convergence between these disparate histories are created through the process of animation.

Wendy Morris was born in Namibia (1960), grew up in Johannesburg, South Africa. She studied Fine Art at the university of the Witwatersrand and at the University of South Africa. Now living in Belgium and working towards a practice-based doctorate in the arts at the University of Leuven. She is currently a member of the art-science collaboration Parallellepipeda. Her animated films are made by filming large charcoal drawings that she alters and redraws. Morris exhibits her films, sometimes together with the drawings, in galleries, museums and on festivals. Her films have been selected for competition at such festivals as Clermont-Ferrand, Annecy, Oberhausen, DOK-Leipzig and Fantoche.

Erik moskowitz, amanda trager
Catalogue : 2008Cloud Cuckoo Land | Installation vidéo | 0 | couleur | 16:27 | USA | 2008
Erik moskowitz , amanda trager
Cloud Cuckoo Land
Installation vidéo | 0 | couleur | 16:27 | USA | 2008

« Cloud Cuckoo Land » (2008) est une collaboration entre Erik Moskowitz et Amanda Trager. Le titre de la pièce, « Cloud Cuckoo Land », est tiré de la pièce d?Aristophane « Les oiseaux ». Au IVe siècle avant J.-C., la notion d'utopie était déjà d?actualité ? mais également remise en question. Le récit parle du transfert d?une famille dans une communauté contemporaine. Le personnage central, Bianca, après avoir fantasmé des années sur la meilleure manière d?élever ses enfants ainsi que sur la notion figée et romantique de « meilleure » façon de vivre, est confrontée à sa propre intolérance et à sa propre incapacité à s'intégrer à la communauté. Le récit de la vidéo, qui exploite des moyens cinématographiques classiques tels que chant-contrechant, est destiné à l?exposition aussi bien dans des galeries ou des musées que dans des espaces cinématographiques. « Cloud Cuckoo Land » critique les postulats trop assurés sur les moyens de différencier espace public et espace privé.


Erik Moskowitz et Amanda Trager vivent et travaillent à New York et au Canada. Erik Moskowitz utilise la relation entre le cinéma et l?espace de la galerie comme point de départ pour l?installation et les films. Amanda Trager fait fusionner peinture, sculpture et installations, dans des récits en prose à la première personne. L?intérêt des artistes pour les récits fragmentés ou anti-narratifs vient de loin dans leurs parcours respectifs. Pour Moskowitz, il remonte à l?enfance, lorsque Spalding Gray l?invita à jouer dans le Sakonnet Point de Wooster Group. Son travail avec Spalding a continué pendant les huit années suivantes. Sa relation avec Joan Jonas date de cette période. Plus récemment, Moskowitz s?est fait remarquer pour ses musiques/installations vidéos basées sur des sources littéraires. Après s?être concentrée sur des textes plaintifs et sur la création de personnages dans la peinture, la sculpture et l?installation pendant plus de dix ans, Trager s?est récemment penchée sur la représentation d?une « conversation » absurde entre des acteurs mal assortis.

Erik-amanda moskowitz-trager
Catalogue : 2011QUEER VOICE | Vidéo | | couleur | 5:12 | USA | 2010
Erik-amanda moskowitz-trager
QUEER VOICE
Vidéo | | couleur | 5:12 | USA | 2010

In response to an invitation to ?describe the queer voice,? artists Erik Moskowitz + Amanda Trager created this video, a whimsical portrait of an artist-couple.

Our collaborative work has been exhibited and screened internationally at venues that include Centre Pompidou, Jeu de Paume, Paris (2008-10); Reina Sofia, Madrid (2009); Haus der Kulturen der Welt, Berlin (2009); Participant, Inc. and 303 Gallery, NYC (2009). The single-channel component of our newest work premiered at the Rotterdam Film Festival and won Grand Prize for Short Film at IndieLisboa (2011). Art residencies include Montalvo Arts Center (2006) and Headlands Center for the Arts (2011), both in California. Grants include a NYFA Fellowship in Video (2008) and a NYSCA Distribution Grant (2009).

Joshua mosley
Catalogue : 2016Jeu de Paume | Animation | hdv | couleur | 2:52 | USA | 2014
Joshua mosley
Jeu de Paume
Animation | hdv | couleur | 2:52 | USA | 2014

Jeu de Paume depicts a court tennis match at the Château de Fontainebleau, France, set in 1907. The stop-motion animation, filmed with a robotic hand-held camera, reflects the asymmetrical design of the court and the irregular rhythm of the game.

Joshua Mosley is Professor of Fine Arts in the School of Design at the University of Pennsylvania. He received his M.F.A. and B.F.A. from The School of the Art Institute of Chicago. Joshua is a recipient of fellowships including the Joseph H. Hazen Rome Prize, the Pew Fellowship in the Arts, and the Louis Comfort Tiffany Foundation Award. His work has exhibited and screened at the 2014 Whitney Biennial, the 2007 Venice Biennale, the Wexner Center for the Arts, the Museum of Modern Art, NY, the Modern Art Museum of Fort Worth, the Museum für Gegenwartskunst in Basel, Switzerland, the Art Institute of Chicago, the Bruce Museum, the Reina Sofia in Madrid, the Philadelphia Museum of Art, Donald Young Gallery, the Indianapolis Museum of Art, the Fabric Workshop and Museum, the Institute of Contemporary Art Philadelphia, the SITE Santa Fe Eighth International Biennial, and the Museum of Contemporary Art San Diego.

Vladimir moss (moseykin)
Catalogue : 2005Raj | Doc. expérimental | betaSP | couleur | 45:0 | Russie | 2004
Vladimir moss (moseykin)
Raj
Doc. expérimental | betaSP | couleur | 45:0 | Russie | 2004

Tout le monde est heureux ici. Ils sont caché de l'autre monde par des murs d'un asile qui est le seul paradis sur Terre.


Vladimir MOSS est né à Smolensk (Russie) en 1964. Diplômé du l'Institut Russe du Cinéma (VGIK, Moscou) en 2003. En 2004, il est diplômé du Higher Courses des scénaristes et réalisateurs.

mostra, gabriela monroy, caspar stracke
Catalogue : 2005Kuleshov sukiyaki | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 2:58 | Mexique | USA | 2004
mostra , gabriela monroy, caspar stracke
Kuleshov sukiyaki
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 2:58 | Mexique | USA | 2004

"Kuleshov Sukiyaki is based on the music piece "Systole No 2" from INTERSTICES (2000) by Terre Thaemlitz. It uses this music collage as a grid for the montage of a particular set of found images. In the music piece ?Systole No 2?, Thaemlitz deconstructed a funky 70`s pop song with the idea to extract those music passages where no vocals are being sang. These are usually the pop song segments that hardly anyone pays attention to. Thaemlitz therefore distills the background radiation of the song, transforms it into an arrhythmic instrumental piece, not without leaving some traces of the singer`s voice - his inhalations and exhalations, "suggesting emotional, physical and/or sexual exasperation, and occasionally resulting in the whispering of new words?? (T.T.) Analog to this "systolic" sound collage Kuleshov Sukiyaki contains a patchwork of clips from 70`s erotica and soft porn movies which highlight similar emotional moments, including the befores and afters of orgasm scenes. It features a variety of highly aesthetic cinematography (in films of Radley Metzger, Paul Morrisey) as well as stylistic somersaults. In the eyes of their producers and occasionally even directors these elements are exclusively created for the support or exaggeration of pure lust and sexual charge, that their creators hope to have embedded in these scenes. This over-saturation becomes apparent even in single images, after being taken out of their context. (Mostly close-up`s of actors gazing at their partner.) In this assembly of images the energy fields are redirected, using their magnetic charge in order to fuse together associative image elements of entirely different films. In addition, it also applies the oldest experiment in associative editing, the famous Lev Kuleshov effect, while featuring a non- linearity that could be compared to the ?now legendary? chopped film-with-sukiyaki dish by experimentalist Tony Conrad."

m o s t r a is a duo of video artists Gabriela Monroy and Caspar Stracke. They gather and transform found images according to single themes of social, architectural and political nature. Harvesting the net as well as recycling found footage, they recontextualize raw content in which images sequences are treated as text re-edited. Occasionally this also happens vice versa: text is transformed into imagery--literally, though ASCII code. m o s t r a `s fast-paced hybrid language of juxtaposed imagery and animated shapes allow a constant exchangeability of visual and textual signifiers, creating new meaning out of re-used images. Both, Monroy and Stracke have produced several video installations and single channel works that have been shown in the US, Mexico, Brazil, Europe and Japan. Their work has been published on the Eyewash DVD compilation by forward-motion theater. Stracke?s single channel work is in distribution of video data bank, e-film workshop, Oberhausen Festival and Lightcone, Paris.

Santiago mostyn
Catalogue : 2018The Warming Plateau | Film expérimental | 16mm | couleur et n&b | 12:0 | Royaume-Uni | Trinité & Tobago | 2017
Santiago mostyn
The Warming Plateau
Film expérimental | 16mm | couleur et n&b | 12:0 | Royaume-Uni | Trinité & Tobago | 2017

The Warming Plateau is a film recorded on Tobago, an island unique among the former British West Indies in that much of its West African heritage survived the obliterating effects of slavery and exists in vibrant tradition long into the present day.  One segment of the film recalls the legend of Gang Gang Sarah, the ‘African slave witch’ who, wishing to return to her homeland, climbed the sacred Silk Cotton tree and tried to fly. But Gang Gang Sarah did not realise she had lost her powers of flight after eating salt, and fell to her death. The other segment of the film shows four men cutting their way through the jungle, making measurements, calling out to each other, working on something that comes into focus as a kind of land claim or marking of territory. The film as a whole is a portrait of the island as a sentient being, showing sites of past and present exploitation. 

Santiago Mostyn – born in San Francisco but with strong ties to Grenada, Zimbabwe and Trinidad & Tobago – currently lives in Sweden. Mostyn works and lives between these cultures, often creating a context for reflection on privilege, inclusion and utility. With his films, photographs and installations, he sets up a framework to test how wide or narrow the apparent divide is between different social spheres. He employs an intuitive creative process and points to a knowledge and history grounded in the body rather than the rational mind. Through his work, Mostyn creates a balance between intuition and reason, dreams and waking states, and offers the audience a fresh way of seeing and contextualizing their everyday experiences. Mostyn is a graduate of Yale University, Städelschule in Frankfurt, and the Royal Institute of Art in Stockholm. He is currently co-curator of “The Moderna Exhibition 2018: With the Future Behind Us”, Moderna Museet’s quadrennial survey of contemporary art in Sweden.

Carlos motta
Catalogue : 2014NEFANDUS | VIDEO | hdv | couleur | 13:4 | Colombie | 2013
Carlos motta
NEFANDUS
VIDEO | hdv | couleur | 13:4 | Colombie | 2013

In Nefandus two men travel by canoe down the Don Diego river in the Sierra Nevada de Santa Marta in the Colombian Caribbean, a landscape of “wild” beauty. The men, an indigenous man and a Spanish speaking man, tell stories about pecados nefandos [unspeakable sins, abominable crimes]; acts of sodomy that took place in the Americas during the conquest. It has been documented that Spanish conquistadores used sex as a weapon of domination, but what is known about homoerotic pre-Hispanic traditions? How did Christian morality, as taught by the Catholic missions and propagated through war during the Conquest, transform the natives’ relationship to sex? Nefandus attentively looks at the landscape, its movement and its sounds for clues of stories that remain untold and have been largely ignored and stigmatized in historical accounts.

Carlos Motta's interdisciplinary artistic practice includes the making of video essays, documentaries and online video archives. His early video Letter to My Father (Standing by the Fence) (2005) narrates the experience of living and working in New York City at the aftermath on 9/11 and focuses on the personal and political intersections of immigrants within that context. Motta is interested in questioning the structures of power that control and regulate civic life as well as hegemonic construction of historical narratives. One of his most recognized projects is We Who Feel Differently (2012), a comprehensive video archive of interviews with dozens of queer subjects that speak about the forty years of gay, lesbian, bisexual, trans, intersex and queer activism from a variety of social perspectives. The installation was first presented in a solo exhibition at New York's New Museum in 2012 to great acclaim. Motta's most recent video works Nefandus Trilogy will have its World Premiere at the 2014 International Film Festival Rotterdam's Tiger Awards Competition. Composed of three short films, Nefandus (winner of Catalonia Hotels Award for Best Video at LOOP, Barcelona, 2013), Naufragios and La visión de los vencidos, the trilogy exposes the imposition of the category `sexuality` onto indigenous cultures in the Americas during the Conquest and throughout the colonial period, based on moral and legal discourses of sin and crime. These works will also be presented at the First International Biennial of Contemporary Art of Cartagena de Indias in February.

Shana moulton
Catalogue : 2005Whispering Pines 3 | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 7:23 | France | USA | 2004
Shana moulton
Whispering Pines 3
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 7:23 | France | USA | 2004

Whispering Pines 3 continues Moulton`s evocatively oblique video series. Seated in an easy chair, wearing a multi-colored neck brace and surrounded by odd home decorations, Moulton`s protagonist Cynthia makes notes in her diary, allowing us a glimpse into an inner life that seems to oscillate between concerns with animals and mass-market objets d`art. Her rumination on a recently acquired wall hanging - "I really like its texture but I can`t understand what it is trying to say" - could serve to illustrate the uncanny psychic spaces that Moulton depicts in these works. Courtesy Electronic Arts Intermix

Shana Moulton creates evocatively oblique narratives in her video and performance works. Combining an unsettling, wry humor with a low-tech, Pop sensibility, Moulton plays a character whose interactions with the everyday world are both mundane and surreal, in a domestic sphere just slightly askew. As her protagonist navigates the enigmatic and possibly magical properties of her home decor, Moulton initiates relationships with objects and consumer products that are at once banal and uncanny. Courtesy Electronic Arts Intermix

Pierrick mouton
Catalogue : 2017Oro | Doc. expérimental | hdv | couleur | 16:53 | France | Royaume-Uni | 2017
Pierrick mouton
Oro
Doc. expérimental | hdv | couleur | 16:53 | France | Royaume-Uni | 2017

Oro est une divinité de la nature, une divinité du vent, une divinité invisible. Dans le pays Yoruba, Oro est la divinité la plus influente, la plus terrible, la plus puissante. Lors de la saison estivale, Oro se réveille. A la nuit tombée, drapé dans une longue robe, décoré de coquilles, un masque en bois peint, les lèvres teintées de sang; Oro défile dans la ville obscure. Les hommes initiés paradent dans les rues sombres; tourbillonnant, dansant, chantant, tuant chiens et poules errantes. Alors, un bruit étrange rugit et résonne de la forêt lointaine. C’est le signal pour toutes les femmes, de s’enfermer dans leurs maisons: elles n’en sortiront plus. Elles se couchent, couvrent leurs têtes et celles de leurs enfants. Elles ont interdiction formelle de regarder le personnages masqué du oro sous peine de mort ou d`amnésie soudaine. Une légende raconte que les profanes qui s`aventurent dehors aux jours interdits sont avalés par la divinité Oro. Leurs corps disparaissent et on retrouve leurs vêtements accrochés aux arbres le lendemain. Oro est un culte ancestral toujours actif dans le sud du Bénin. Il est utilisé à des fins politiques, pour préserver l`ordre établi, dans la communauté.


Pierrick Mouton est un artiste et vidéaste, vivant à Paris. Son travail explore la pensée magique, le cultuel et la transcendance, à travers des films, des installations et des photographies. Sa recherche se caractérise autour du film et de l’espace d’exposition, prétexte à rendre explicite les rôles du sujet et de l’auteur. Cette démarche est associée a une approche documentaire, et une immersion sur le long terme avec différents groupe de croyance et de pensée. Ces recherches aboutissent à un ensemble narratif hétéroclite, composé d’interviews, de dialogues, de dessins, de lettres, de sculptures... Tous ces documents sont présentés sous différentes formes: écrites, filmées, scénographiées, ou spatialisées. Pierrick Mouton a récemment exposé à Londres son projet sur le long terme, Correspondances, (2008-2015), qui e été présenté sous la forme d’une exposition personnelle à la Nunnery Gallery de Londres. Son travail est régulièrement montré dans différents festivals et expositions collectives (Carrousel - London, Espace croisé, Saison vidéo - Languedoc-Roussillon Cinéma, Creation on air - France culture, ....)

Lydia moyer
Catalogue : 2015The Forcing (no. 2) | Vidéo | hdv | couleur | 7:15 | USA | 2015
Lydia moyer
The Forcing (no. 2)
Vidéo | hdv | couleur | 7:15 | USA | 2015

Begun in the wake of recent (and ongoing) racial unrest in Ferguson, Missouri, USA, The Forcing (no. 2) is a meditation on power and the longing for deliverance in contemporary America. It combines original sound and video with appropriated content, observing no hierarchy of image quality or authorship.

Lydia Moyer is a visual artist and media maker who lives and works in the foothills of the Blue Ridge Mountains, USA. She directs the new media program in the art department at the University of Virginia where she is on the faculty. Her video and print work has been shown widely in the US and abroad.

Shirin mozaffari
Catalogue : 2012Someone Else's Project | Documentaire | hdv | couleur | 4:7 | Iran | USA | 2012
Shirin mozaffari
Someone Else's Project
Documentaire | hdv | couleur | 4:7 | Iran | USA | 2012

Someone Else?s Project gives an unmediated insider look to the everyday lives of residents of Tehran, focusing on a correspondence between a U.S. based artist, and a Tehran based videographer, who takes on the risk of shooting illegally on the streets. The videographer recounts her interactions with civilians and guards, where strangers offer her voluntary and enthusiastic support to accomplish an illegal task. While reflecting on the unexpectedly familiar nature of everyday life in Tehran, Someone Else?s Project sheds light on Tehrani civilian?s resistant attitude towards civil obedience and the isolation of a society that is desperate to participate.

Shirin Mozaffari is a media artist, born and raised in Tehran, Iran. She holds a Master of Fine Arts from The School of The Art Institute of Chicago. Mozaffari has screened her short films and exhibited her video installations widely in the United States and abroad including the Asian American Film Festival at The Gene Siskel Film Center in Chicago, and the Queelnsland Gallery of Modern Art in Queensland Australia. Mozaffari was awarded for best Art Direction at Chicago Short Film Festival for her film Namesake. Mozaffari currently lives and works in Boston, MA.

David mozny
Catalogue : 2006Pomalu | Animation | dv | couleur | 4:20 | Tchèque (Rép.) | 2005
David mozny
Pomalu
Animation | dv | couleur | 4:20 | Tchèque (Rép.) | 2005

Ce film d´animation est basé sur les illustrations du "duden", livre de vocabulaire allemand-russe. Cette version de 1953 donne une description du monde à travers de nombreuses illustrations, de la vie politique aux sports en passant par la nature et le corps humain. Le film est indépendant des textes de la chanson, il reflète approximativement sa tonalité psychédelique et surréelle /"la ville est l´hameçon, la proie au bout de sa fine corde ... je suis en train de fumer, après le travail, la porte claque ... lentement, tout au long de la journée, plus rien à faire, lentement, le long des vitrines et des bars ..."/


David Mozny, artiste visuel, utilise l´image numérique depuis 2000. Il expose ses oeuvres dans des galeries ainsi que des clubs média et de théâtre, et est également professeur à temps partiel à la Faculté de sciences sociales de Masaryk, à Brno, dans la section "nouveaux médias".

Theis mØlstrØm christensen
Catalogue : 2014Dissonans | Doc. expérimental | hdv | couleur | 28:50 | Danemark | 2013
Theis mØlstrØm christensen
Dissonans
Doc. expérimental | hdv | couleur | 28:50 | Danemark | 2013

Søren and Malene met and fell in love by playing and improvising music together. They had a child, but shortly after a tumor was discovered in Sørens brain. It was removed and treated with radiation. A week later it was confirmed that Malene had leukemia. The couples everyday life has been strongly influenced by endless treatments and they haven`t been playing music together for a long time. This experimental documentary creates three rooms in which the participants can play and once again find their common tone.

Theis Mølstrøm Christensen graduated from The National Film School of Denmark in 2013 as Director of experimental documentary. This director uses large and preferably dramatic settings with great emotions, and yet still strives to attain intimacy, tenderness and honesty. Life is precious and can be lost. Love is the characters’ driving force. He explores and portrays the depths of human intensity. Listening to the protagonists` truth and to their struggle, their love and their deep desire to be found. He makes the cinematic atmosphere play an active role in redeeming the participants on their journey. The audience are drawn insistently into the intense movements between close relationships. And are left thoughtful and touched, in an intrusive reminder that beauty is found within all if we only dare to look for it. Theis Mølstrøm Christensen is currently creating the feature documentary "Dream Warriors" about soldiers returning from Afghanistan suffering from PTSD, who relives their traumas in fictional settings.

Marianna / Rannvá mØrkØre / kÁradÓttir, káradóttir, rannvá
Catalogue : 2011Magma | Film expérimental | super8 | noir et blanc | 5:19 | Faeroe (Îles) | 2010
Marianna / Rannvá mØrkØre / kÁradÓttir , káradóttir, rannvá
Magma
Film expérimental | super8 | noir et blanc | 5:19 | Faeroe (Îles) | 2010

Magma is the first film in a greater series of experimental short films called The Cycle - 8 experimental short films that embrace and discover movement through camera. The films are shot in the extreme and wild landscapes of a remote group of islands far up in the North Atlantic Ocean, the Faroe Islands. Fragmented stories are unraveled in these open and empty spaces, enhanced by the uncontrollable and extreme weather conditions that have an important character in all the films. Deprived from dialogues and narratives, the repetitive patterns of movements, costumes, music, landscapes and other components create an intriguing atmosphere that takes the viewer to a surrealistic yet hauntingly beautiful universe.

Rannvá Káradóttir is a London-based artist and filmmaker. Since graduating from London Contemporary Dance School she has emerged as one of the most prominent performance directors on screen. Rannvá started to use the film media for her practice early on and has developed a distinctive movement vocabulary on screen, exploring dance in various contexts and cross disciplinary works. Marianna Mørkøre, filmmaker and illustrator, began her career during fashion studies in London, especially interested in editing. Her constant curiosity in challenging the traditional perception of moving image has generated unique visual narratives that are marked by an experimental approach and a personal voice - a methodology of intriguing imagery determined to linger in your mind.

Rabih mroue
Catalogue : 2011Face A/Face B | Vidéo | | couleur | 10:0 | 0 | Liban | 2002
Rabih mroue
Face A/Face B
Vidéo | | couleur | 10:0 | 0 | Liban | 2002