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Jenny marketou
Catalogue : 2014Flows | Vidéo | hdv | couleur | 13:17 | Grèce | 2014
Jenny marketou
Flows
Vidéo | hdv | couleur | 13:17 | Grèce | 2014

FLOWS : Working very closely with the indigenous communities with the intention to explore the female voice as a political weapon and the dialectic that are embedded in the moving image and which can generate political action embarking from grass root groups as those of the AfroColombian Diaspora who settled in the mountains of Santa Maria near Cartagena .Their lyrics embodied in their songs are social and communal messages engage with various issues connected with identity, their struggles for preservation, drug wars, death, and in general echoing their personal encounters with their past . The protagonists by choice are all women and the narrative is ruptured by the intervention of a male cello player whose face is never revealed as well as by incorporating pixilated clips appropriated from the archival excess of you tube and video. Both interventions have a symbolic meaning showing the cracks in the representation system.

Jenny Marketou is Greek born and New York based interdisciplinary artist who has participated in a number of leading exhibitions of contemporary art, such as Manifesta, as well as international art biennials such as Prague in Chez Republic; Cartagena des Indias in Colombia, Athens in Greece; Seville in Spain ,Sao Paolo in Brazil , Venice and Istanbul .Her solo exhibitions have been hosted by art institutions, such as, Centre of Contemporary Art (CCA) Glasgow in Scotland; Museum de Arte Reina Sofia, Madrid ; the ARTIUM Museum of Contemporary Art in Vitoria, Bilbao, Spain; Kumu Art Museum, Tallinn Estonia; National Museum of Contemporary Art in Athens; ZKM, Karlsruhe, Germany; the Van Abbemuseum in Eindhoven; Cornerhouse, Manchester, UK; The New Museum in New York City; Queens Art Museum, Queens, New York among others. She earned her MFA at Pratt Institute in Brooklyn New York and she has also taught at Cooper Union School of Art . As of 2015 she will be teaching at the School of Art at CAL ARTS (California Institute of the Arts) in California. Marketou is the author of numerous texts on issues concerning moving image including the photography book The Great Longing , Kedros Publishers, Athens, Greece.

Filip markiewicz
Catalogue : 2017Celebration Club | Fiction expérimentale | hdv | couleur | 23:10 | Luxembourg | Royaume-Uni | 2017
Filip markiewicz
Celebration Club
Fiction expérimentale | hdv | couleur | 23:10 | Luxembourg | Royaume-Uni | 2017

Celebration Club (2017) is a film made over the course of one week in Northampton following the Brexit referendum.The film captures musicians of different generations and origins talking about the changing society and making music, including punk scholar Roy Wallace, rapper Phundo Art, avant-garde black metal band Denigrata and the Northampton Male Voice Choir performing Robbie William’s Angels in a local church.

Luxembourger of Polish origin, Filip Markiewicz (born in 1980) is a multidisciplinary artist expressing himself through drawing, video, music, theatre and installations thereby creating a visual body of work using diversified media. His work is not intending to be a kind of political activism, but rather to develop an almost surreal language consolidating different expressions. In 2015 Filip Markiewicz represented the Grand Duchy of Luxembourg at the 56th Venice Biennale with his project "Paradiso Lussemburgo". In 2017 he produced his first theater play "Fake Fiction" at the Theater Basel. In 2018, he will present his monographic exhibition "Celebration Factory" at the Casino Luxembourg - Forum d`Art Contemporain.

Ivan markovic
Catalogue : 2018Centar | Doc. expérimental | 4k | couleur | 48:26 | Serbia | 2018
Ivan markovic
Centar
Doc. expérimental | 4k | couleur | 48:26 | Serbia | 2018

A vast complex of corridors, atriums and halls: a congress center made to host thousands now stands almost abandoned. The architecture reflects a former idea of the future, while surfaces and materials testify to its end. Through their relentless effort, the maintenance workers shoulder the duty of restoring the space to what it was imagined to be. Their movements are unison, ritual but also their own. Sava Centar is a congress space completed in 1978. in Belgrade, Yugoslavia. It hosted hundreds of international meetings, including World Bank summits and a conference of the Non Aligned Movement. After the breakup of Yugoslavia, its capacities gradually became obsolete. It is now awaiting a privatisation and commercial reconstruction.

Ivan Markovi is a cinematographer and director born in Belgrade, Yugoslavia. He graduated from the Faculty of Drama arts in Belgrade, cinematography studies, in 2012. For his film and photography work, won “Erste Bank foundation” Award for best visual artist in 2014. Recently worked as a cinematographer on several feature films including “All the cities of the north” (director: Dane Komljen, premiered on Locarno Film festival 2016), “You have the night” (director: Ivan Salati, premiered on Venice Critics week 2018) and “Ich war zuhause, aber..” by director Angela Schanelec, which premiered in Berlinale Competition 2019. The short film “White Bird”, which he worked on as a cinematographer and co-director with Linfeng Wu, had its premiere on Berlinale Shorts 2016. In 2018 his experimental documentary film “Centar” had its premiere on Doclisboa Film festival. Lives and works between Belgrade and Berlin.

Jelena markovic
Catalogue : 2016Durch | Fiction | hdv | couleur | 13:7 | Serbia | 0
Jelena markovic
Durch
Fiction | hdv | couleur | 13:7 | Serbia | 0

I was overwhelmed by a sense of the wrongness of what was happening, or if not by the wrongness, then by the sheer pace of events. I felt that you would have been disappointed at how quickly I had accepted the news of your death, and how readily we had set in motion the machinery of memorialization. One minute i was looking forward to meet you in our old flat, headed home from a long time away; the next minute I came in and I was burying you.

Jelena Markovic holds a Bachelor`s Degree from Academy of Arts, University of Belgrade, and a Master`s Degree from Hochschule for bildende Kunste Hamburg, mentored by Angela Schanelec. Born 1987. in Belgrade, Serbia. Lives and works in Berlin, Germany.

Randa maroufi
Catalogue : 2016La Grande Safae | Fiction expérimentale | 4k | couleur | 15:56 | Maroc | 2014
Randa maroufi
La Grande Safae
Fiction expérimentale | 4k | couleur | 15:56 | Maroc | 2014

Le film s’inspire librement d’un personnage connu sous le nom de La Grande Safae. Travesti, il a passé une période de sa vie en tant qu’employé de maison dans ma famille, qui ignorait son identité sexuelle "réelle".


Née en 1987 à Casablanca (Maroc). Diplômée de l’Institut National des Beaux-Arts de Tétouan (Maroc), de l’École Supérieure des Beaux- Arts d’Angers (France) ainsi que du Fresnoy (France). Randa Maroufi s’intéresse à la mise en scène des corps dans l’espace public ou intime. Une démarche souvent politique, qui revendique l’ambigüité pour questionner le statut des images. Son travail qui se traduit essentiellement à travers la photographie, la vidéo, l’installation, la performance et le son, a été présenté lors d’événements d’art contemporain et de cinéma majeurs tels que le Salon de Montrouge en 2015, la Biennale de Marrakech en 2014, les Rencontres photographiques de Bamako en 2015, Les Rencontres Internationales de Photographie de Fés en 2015, le Festival International du film de Rotterdam en 2016, le Museum of Modern Art à New York en 2016, le Dubai Photo Exhibition en 2016, le Brandts Museum à Odense en 2016... Elle vit et travaille entre le Maroc et la France.?

Randa maroufi
Catalogue : 2017Stand-by Office | Doc. expérimental | hdv | couleur | 13:0 | Maroc | Pays-Bas | 2017
Randa maroufi
Stand-by Office
Doc. expérimental | hdv | couleur | 13:0 | Maroc | Pays-Bas | 2017

Un groupe de personnes dans un environnement de bureau. Des gestes quotidiens de travail sont observés dans tout le bâtiment. Rien ne semble être déplacé. La caméra circule continuellement et change progressivement notre perception de cet espace. On se pose la question : qu’est ce que signifie ce bureau pour ce groupe de personnes ? "We Are Here" est un groupe de réfugiés à Amsterdam qui ne reçoit aucun logement fourni par le gouvernement, mais ne peut pas non plus travailler. Le groupe a décidé de rendre visible la situation inhumaine qu’ils doivent vivre, en ne se cachant plus, mais en montrant la situation des réfugiés qui sont "en dehors de la loi" aux Pays-Bas.


Diplômée de l’Institut National des Beaux-Arts de Tétouan, de l’École Supérieure des Beaux-Arts d’Angers (France) ainsi que du Fresnoy (France). Randa Maroufi est de cette génération advenue avec le règne des images. Elle les collectionne avec autant d’avidité que de méfiance, se pose sans cesse la question de leur véracité. Sa recherche se situe entre le reportage, le cinéma et l’étude sociologique qu’elle poursuit en réalisant des fictions ambiguës qu’elle met au service du réel, et le champ de ses expérimentations s’étend de l’occupation de l’espace public à la question du genre, dont elle relève les mécanismes de construction. Son travail qui se traduit essentiellement à travers la photographie, la vidéo, l’installation, la performance et le son, a été présenté lors d’événements d’art contemporain et de cinéma majeurs tels que La Biennale de Marrakech (2014), Les Rencontres photographiques de Bamako (2015), Le Museum of Modern Art à New York (2016), Le Dubai Photo Exhibition (2016), Le Festival International du court-métrage de Clermont-Ferrand (2016), le VIS Vienna Independent Shorts (2016), le FID Marseille (2016) etc. Son film Le Park a reçu plus d’une vingtaine de prix tels que le prix ADAGP Art numérique – Art vidéo (2015), Videonale Award of the fluentum Collection (2017), le prix du jury au Festival International du film de Rotterdam (2016), le prix du meilleur court métrage au festival IBAFF etc.

Lynne marsh
Catalogue : 2010Plänterwald | Art vidéo | dv | couleur | 18:15 | Canada | Allemagne | 2010
Lynne marsh
Plänterwald
Art vidéo | dv | couleur | 18:15 | Canada | Allemagne | 2010

Plänterwald is filmed on the site of a former GDR amusement park built in 1969 and abandoned after unification. Its rollercoaster and ferris wheel sit motionless at the edge of the city of Berlin. After being closed to the public for almost a decade the rides and fairground structures ? once providing a distraction from everyday realities ? are left to a gradual process of decay and overgrowth. Paradoxically this derelict site is patrolled and protected by security guards who on the one hand attempt to maintain its separation from the public sphere and contemporary life yet at the same time position it in the present social and economic conditions. The video stages a journey in, over and through this bordered off park evoking the exceptional conditions of its persistent existence. Positioning the security guards as the guardians of a ?dead? space, the work plays on the absurdity of the use of force and notion of property in relation to the decay and obsolescence of the site. Plänterwald pursues an exploration of a world held together by an internal logic, and quietly, yet relentlessly - like the defunct rollercoaster - echoes the rumbles of deep social and political fault lines and their explosive potential.

Lynne Marsh is a Canadian artist who divides her time between Montréal, Berlin and London where she teaches at the University of Hertfordshire. Working predominately with video, installation and sound her practice explores the cultural and social concerns that operate at the convergence of performance, choreography, speculative fiction and staged events. Her most recent works, shot respectively in a sports stadium, a TV studio and an abandoned amusement park investigate the inscription of individual bodies in architectural environments built for mass consumption. Her works present conceptual and visual experimentations that create a space for us to speculate on the present concept of the individual and its contemporary exertion of pressure as a political subject. Marsh?s video installations have been exhibited in solo exhibitions including Kunstlerhaus Bethanien, Berlin, Steve Turner Contemporary, Los Angeles, the Musée d`art contemporain de Montréal and Danielle Arnaud contemporary art, London and group exhibitions including Catastrophe, the Québec City Biennial and There is no audience, at Montehermoso, Vitoria-Gasteiz, Spain. A monograph on her works entitled Lynne Marsh, was produced by the Musée d`art contemporain de Montreal and the Musée régional de Rimouski.

Lynne marsh
Catalogue : 2017Tragedy | Vidéo | mov | couleur | 116:53 | Canada | Royaume-Uni | 2015
Lynne marsh
Tragedy
Vidéo | mov | couleur | 116:53 | Canada | Royaume-Uni | 2015

“ Tragedy ” brings forth an altered experience of the infamous opera La traviata. Producing a new mise-en-scene composed of the routine labour around the stage, the film is an enquiry into the nature of performance, re-framing the culture of the work place and the “ grand narratives ” of the opera. Mimicking the framing device of a play within a play, the film exposes a production of production while tracking the processes at work behind the scenes during live performances at The Grand Theatre and Opera House, in Leeds, UK. The film captures the movement, work and conversations of stage managers, backstage crew and offstage performers, bringing an operatic tradition into context with present-day realities and pronouncing the mechanics that create an experience. These individuals develop as characters in a new alternative performative event over the three acts of the live performance. Direct parallels are drawn between the urgency and tension of the live performance onstage and the choreography played out offstage, where discrete conversations between characters behind the scenes marry up with the dialogue taking place in the libretto. Keeping true to the “ real-time ” of the live performance and in reference to the live screen-based broadcasts of theatrical productions in cinemas, “ Tragedy ” provides a counterpoint, directing our attention to the theatre that exists aside the stage.

Lynne Marsh is a Canadian artist, currently living and working in Los Angeles. Her practice is concerned with questioning the status of the image through mediation, technology and production. Ideas central to Lynne Marsh’s practice include offstage space; production-in-production; affective and cultural labour; music as a framing device; and the Brechtian revealing of the mechanics of cultural and theatrical production. Her works capture the behind-the-scenes workings and turn the camera onto subjects whose labour and gestures support and mediate events. In doing so, her works address the political dimension of its scenography. Marsh’s formal and conceptual strategies emphasize the camera’s performance as a means to reconfigure social space, presenting the mechanics that create an experience as a type of theatre or performance in its own right. Solo exhibitions of her work have been presented at Berlinische Galerie (2017); Opera North, Leeds (2016); fig2@Institute for Contemporary Art, London (2015); Scrap Metal, Toronto International Film Festival (2014); and Musée d’art contemporain de Montréal (2008). Her work has been featured in biennials and at institutions including La Biennale de Montréal (2014); The National Gallery of Canada, Ottawa (2012); 53 Art Museum, Guangzhou (2011); The Québec City Biennial (2010) and the 10th International Istanbul Biennial (2007).

Nicolás martella
Catalogue : 2015The hangover | Film expérimental | hdv | noir et blanc | 3:7 | Argentine | 2014
Nicolás martella
The hangover
Film expérimental | hdv | noir et blanc | 3:7 | Argentine | 2014

Opening title sequence from "The hangover" and "The Hangover part II" movies with titles censored and no sound.

Nicolás Martella (1978, La Plata, Argentina). Lives and works in Buenos Aires. He study photography with Ataulfo Perez Aznar. He participated in workshops of photography and video with Juan Travnik, Gabriel Valansi, Martín Rejtman, Andrés Di Tella and Mariano Llinás. Solo exhibitions (selection): Slideshow (2013); Contemporáneas (Contemporary) (2007). Group exhibitions (selection): 2014: XIX Bienal de Santa Cruz de la Sierra, Bolivia (XIX Santa Cruz de la Sierra`s Biennial, Bolivia); 2013: Premio Fundación Andreani (Fundación Andreani Prize), 102º Salón Nacional de Artes Visuales (102º National Visual Arts Prize); 2010: II Premio AMEC de Fotografía Argentina, Museo Emilio Caraffa (2º Argentinian Contemporary Photography Award). Awards: 2014 XIX Bienal de Santa Cruz de la Sierra, Bolivia (XIX Santa Cruz de la Sierra`s Biennial, Bolivia); 2013 102º Salón Nacional de Artes Visuales (102º National Visual Arts Prize); 2006 Argentinean Visual Arts Award – O.S.D.E. Foundation. Residencies: 2014 Arteles Creative Center, Haukijärvi, Finland.

Richard martin
Catalogue : 2005Mixed Signals | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 7:45 | Canada | 2004
Richard martin
Mixed Signals
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 7:45 | Canada | 2004

Une mer pixelisée d'images télévisées mélange la rhétorique évangélique chrétienne avec le gospel de George W. Bush.


Richard Martin est un réalisateur de films et télévision professionnel qui vit à Vancouver, Canada. "Mixed Signals" marque son retour au cinéma expériemental... et il revient de plus belle.

Catalogue : 2015Abcam | Vidéo | hdv | couleur | 7:54 | Canada | 2015
Richard martin
Abcam
Vidéo | hdv | couleur | 7:54 | Canada | 2015

A B C A M (or A & B Cam) explores a scene from a TV movie where the angles have been superimposed to reveal filmic conventions. It reveals the narrative, angles as well as the adjustments in performance to observe the process in its rawness and mesmerizing predictability. In conventional cinema we are only allowed to see what is presented and manipulated through the process of editing. This is a process as old as the medium itself. It is the essence of cinema. In the case of A B C A M, that process has been subverted and exposed to allow the audience to experience the conventions simultaneously and in real time. The manufactured certainty of the experience is undermined as we are encouraged to review both sides of the narrative, follow the narrative or perhaps, find a new narrative.

Richard Martin (MFA 2013 University of British Columbia) is a media artist living in Vancouver Canada. His short film work has appeared as official selections in prestigious venues such as Berlin International Film Festival, Oberhausen, Rencontres (Paris), Toronto International, EXiS (Korea), Ann Arbor, Athens (Ohio), and many more. He has also worked as a mainstream film and TV director and in that his work straddles conventional and experimental cinema, blending and upending convention with abstract intention, playfulness and occasionally, personal trauma.

Darrin martin, torsten zenas burns
Catalogue : 2006The abominable freedom | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 41:0 | USA | 2006
Darrin martin , torsten zenas burns
The abominable freedom
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 41:0 | USA | 2006

Maintenus à l?écart d?une éducation de sorcellerie qui légitime la liberté sexuelle, les yétis solitaires déplorent leur abominable liberté. En leur absence, une ère rococo, plus abominable et funeste encore, menace jusqu?aux fondations du système païen. Cette liberté facile ira-t-elle détruire les beautés de la chair, et les occasions du développement spirituel qu?apporte sa célébration ? Ou bien est-ce un ?uf né du chaînon manquant qui fera le lien vers une ère nouvelle où les espèces coopéreront ensemble ?


La collaboration entre Burns et Martin commence dès les cours de vidéo et sculpture à la section Art et Design de l?Alfred University (New York). Burns est né en 1968, il obtient son B.F.A. à l?Alfred University en 1990 et un M.F.A. de vidéo et représentation au San Francisco Art Institute en 1993. Martin est né en 1969, il obtient son B.F.A. à l?Alfred University en 1992 et son M.F.A. à l?Université de Californie de San Diego en 2000. Ensemble, Burns et Martin ont réuni leurs travaux respectifs (vidéos et installations en cours) autour d?une recherche commune, qui passe par diverses fictions conceptuelles et réinventions de pratiques pédagogiques. Ils ont travaillé conjointement pour l?Atelier Eyebeam (New York). En 2003, Electronic Arts Intermix les a mandatés d?un projet artistique sur internet. Leurs vidéos sont distribuées par VTAPE/Canada . Ces vidéos ont été exposées plusieurs fois, notamment au Musée d?Art et Design de New York, au New York Video Festival, au Pacific Film Archive (Californie), au Musée d?Art Contemporain de Madrid (Espagne), au Palm Beach Institute of Contemporary Art (Floride), à Cinematexas, à Worm (Pays-Bas), au Festival du court-métrage et de la vidéo d?Oberhausen (Allemagne) ; et leur vidéo « Volcanica » sera projetée cette année au Platforma6 d?Athènes (Grèce).

Raya martin
Catalogue : 2007Maicling pelicula nañg ysañg indio nacional | Fiction | 35mm | couleur et n&b | 95:0 | Philippines | 2006
Raya martin
Maicling pelicula nañg ysañg indio nacional
Fiction | 35mm | couleur et n&b | 95:0 | Philippines | 2006

"Maicling pelicula nañg ysañg indio nacional" se passe dans les années 1890, alors qu'aux Philippines se prépare une révolution contre l'Espagne. C'est une collection de films d'actualité muets tournant autour d'un indio, l'homme ordinaire de l'époque coloniale.


Raya Martin est né en 1984 à Manille, aux Philippines. Diplômé de l'université de cinéma des Philippines en 2005, il a travaillé comme scénariste et chercheur pour la télévision locale, la presse, la radio et des magazines sur internet. Son court-métrage "The visit" a remporté le Ishmael Bernal Award pour le jeune Cinema au Cinemanila International Film Festival en 2004 , et son documentaire ?The Island at the End of the World" a été élu meilleur documentaire au International Digital Film Festival en 2005. Son premier film, ?Short Film about the Indio Nacional (Or The Prolonged Sorrow of the Filipinos)? a gagné le Lino Miccichè Award au Pesaro International Film Festival,en Italie, en 2006. C'est le premier réalisateur philippin à avoir été admis à la Cinéfondation Résidence du festival de Cannes. En 2007, le Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente a présenté une rétrospective de son oeuvre. Actuellement, il est en pré-production pour son film "Independenciaé, qui a reçu le Prince Claus Film Grant au Cinemart 2007 du festival international du film de Rotterdam.

Darrin martin
Catalogue : 2005Monograph in Stereo | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 17:20 | USA | 2005
Darrin martin
Monograph in Stereo
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 17:20 | USA | 2005

Monograph in Stereo utilise des techniques documentaires et expérimentales pour exprimer le combat contre la perte auditive congénitale et opérationnelle et les acouphènes, un son persistant dans l?oreille ; une perception auditoire fantôme.


Les vidéos et performances de Darrin Martin ont été exposées internationalement lors de festivals et dans des musées dont le Museum of Modern Art et le DIA Center pour les arts de New York, le Los Angeles Museum of Contemporary Arts, et l?European Media Art Festival en Allemagne. Ses installations ont été montrées lors expositions comme la Kitchen à New York, WRO Media Arts Biennale en Pologne, et la Pacific Switchboard de Portland, dans l?Oregon. Il collabore souvent avec Torsten Senas Burns. Leurs ?uvres communes furent montrées lors d?expositions dont celle du New York Video Festival, The Oberhausen Short Film Festival, Cinematexas, The Madrid Museum of Contemporary Art, The Paris/Berlin International et Eyebeam de New York. Ils ont aussi lancé une projet net art DSL dont le titre est : Lesson Stalls : learning nets à http://www.eai.org/lessons commissionné par Electronics Arts Intermix.

Cécile martin
Catalogue : 2005Débat | | | | 0:0 | France | Canada | 2005
Cécile martin
Débat
| | | 0:0 | France | Canada | 2005

L?organisme Champ Libre (fondé en 1992) qui ?uvre maintenant dans les domaines de l?image en mouvement, des arts électroniques, de l?architecture et de l?urbanisme a emprunté son nom à l?histoire récente du Québec. En effet au moment de la fondation de l?organisme en 1992, François Cormier l?un des co-fondateurs, cherchait un nom à donner à ce nouvel espace de réflexion et de diffusion artistique qui émergeait à partir de l?effervescence de rencontres avec d?autres co-fondateurs issus du milieu de l?architecture, des arts visuels, de la philosophie, de la littérature et de l?urbanisme. À cette époque ce collectif définissait son action entre autres par le besoin de regrouper les forces de ses co-fondateurs et proposer de nouvelles façons de voir, d?entendre et de comprendre. C?est au hasard d?une visite dans une librairie de livres usagés du plateau Mont-Royal à Montréal en 1991 que fut découverte une édition ancienne et originale de la revue de cinéma québécoise CHAMP LIBRE ayant existé dans les années soixante-dix le temps de quelques numéros. L?édition no 1 de cette revue clamait en 1971 que : ?il consiste à donner aux colonisés que sont les Québécois les images d?eux-mêmes qui leur manquent, à reconquérir un reflet volé et à proposer des schémas d?analyse et de lutte. Inutile de dire que CHAMP LIBRE participe à ce combat. C?est la force éditoriale de ces propos et le désir, la volonté de faire revivre le nom inspirant de cette revue de cinéma d?auteur qui a fait naître dans sa continuité le nom de l?organisme CHAMP LIBRE que l?on connaît aujourd?hui.


CHAMP LIBRE (fondé en 1992) est un diffuseur et un laboratoire artistique nomade qui présente des événements in situ, s`insérant dans la communauté et mettant en relation les pratiques contemporaines de l`art, de l?architecture, de l?urbanisme et des nouvelles technologies.

Angela martinez
Lucia martinez
Catalogue : 2017Mirador | Fiction | hdv | couleur | 14:0 | Suisse | 2016
Lucia martinez
Mirador
Fiction | hdv | couleur | 14:0 | Suisse | 2016

Depuis un mirador, Lucas observe, effleure un monde qui se bâtit autour de lui. Libéré du foyer dans lequel il réside, le temps d’une journée, Lucas va se confronter à son réel, aux autres, qui vont lui renvoyer de lui même une image aussi mystérieuse qu’elle s’avère fragile.


Née en 1994, Lucia Martinez est une jeune réalisatrice suisse dont les films explorent le passage de l’enfance au monde adulte. N’utilisant pas d’interprètes professionnels, les fictions engendrées le sont à partir de son réel immédiat. Un frère, une voisine, des amis, peuvent devenir des interprètes le temps d’une fiction. Pour Lucia la fiction se glisse souvent dans les replis du réel, faisant émerger des fictions aussi minimales qu’elles sont essentielles.

Ruben martinez
Catalogue : 2006Hamaca | 0 | 0 | | 0:0 | Espagne | 2007
Ruben martinez
Hamaca
0 | 0 | | 0:0 | Espagne | 2007

HAMACA is a distributor of video art and electronic art. It was established by the initiative of AAVC and is directed by YP. The name HAMACA refers to the operative system under which we aim to work: as a horizontal net joined together at various points. Our main objective is to make works in video format available to the greatest number of individuals and institutions, and in this way promote their circulation and screenings. The distributor is a non-for-profit organisation at the service of both authors and users, whose aim is to promote the circulation of the works and to generate an economic flow for the artists' productions. We hereby continue in the line of the kind of activities led by AAVC throughout the past few years. HAMACA works as an intermediary that promotes and guarantees the presence of contemporary and historical video productions in audiovisual screenings and programs at a national and an international level. In addition, it opens up the market for new communication and information media. The works contained in the catalogue have been previously selected by a selection committee comprising professionals and experts in the field, such as Susana Blas, Eugeni Bonet, Juan Guardiola, Esther Regueira, Fito Rodríguez, Jorge Luis Marzo, Lola Dopico, and Virginia Vilaplana. The catalogue contains a varied selection of works and encompasses all genres, from historical productions and pieces in documentary format, to works of fiction, animation pieces, etc... always including the most current and risk taking pieces being created in video. Their starting point is a selection of artists that have produced most of their work within the Spanish state. It is the group's aim to expand the catalogue on a regular basis in response to different demands and criteria. Once the HAMACA catalogue has been designed and compiled, it is digitalized in order to make it accessible on line, and thus encourage research of its contents, as well as its promotion and circulation. All the works in distribution can be checked at Hamaca's web platform. The distributor is physically located in Barcelona; those interested can visit the premises by appointment and consult the catalogue in person.

Mónica martins nunes
Catalogue : 2017Na cinza fica calor (The Ashes Remain Warm) | Doc. expérimental | hdv | couleur | 20:52 | Portugal | Cap Vert (Îles du) | 2016
Mónica martins nunes
Na cinza fica calor (The Ashes Remain Warm)
Doc. expérimental | hdv | couleur | 20:52 | Portugal | Cap Vert (Îles du) | 2016

“ Every morning when I go out of the door, he is the first one I see. He is the first to tell me good morning. ” “ He is a father. Although he is destroying us, he does not kill us. ” The villages of “ Chã das Caldeiras ” lie inside the caldera of the “ Pico do Fogo ” volcano in Cabo Verde. After losing everything they own on the last eruption, its inhabitants are forced to reconstruct their lives. A subjective visual tale on real loss, a symbiotic relationship and the possibility of the eternal return.

Monica Martins Nunes (1990, Lisbon) is a portuguese visual artist living and working in Berlin. After studying Sculpture in Faculdade de Belas-Artes - Lisbon University, she graduated in Fine Arts from the Universitat der Künste Berlin. In 2016 she became a Meisterschüler in the same institution and was subsequently awarded the Elsa-Neumann-Stipendium from the city of Berlin. "The Ashes Remain Warm" is her first moving image work and won the Golden Dove - International Competition Short Documentary at DOK Leipzig 2017.

Nora martirosyan
Catalogue : 2006Road movie | Film expérimental | super8 | couleur | 17:0 | France | 2005
Nora martirosyan
Road movie
Film expérimental | super8 | couleur | 17:0 | France | 2005

« Road movie » est une vidéo qui nous emmène dans un voyage en bus à Erevan. Le principe du road movie n?est pas anodin dans la proposition de Nora Martirosyan. L?idée de déplacement rend compte d?une traversée du temps qui se déroule en boucle. Est-ce un exode, un pèlerinage ou simplement un voyage touristique ? Nous ne savons pas exactement où nous sommes. La musique, l?ambiance, les visages nous donnent quelques indications qui cependant restent très vagues. Nous sommes sollicités par l?expérience du voyage.


Nora Martirosyan a commencé sa carrière artistique comme peintre en Arménie, son pays d?origine. Elle a fait ses études à l?Académie des Beaux-Arts d?Erevan. Après avoir participé à plusieurs expositions de groupe, et une exposition personnelle à ?la Maison Gouvernementale du Parti ? (Erevan, 1993), elle a quitté l?Arménie afin de poursuivre ses études artistiques à la ? Gerriet Rietveld Academie ?, Ecole des Beaux-arts d?Amsterdam de 1997 à 2001. Au cours de ces années passées aux Pays-Bas, elle s?est détournée de la peinture pour se concentrer sur le film et la vidéo. Elle a réalisé de nombreux films et vidéos qui ont été montré à de nombreuses occasions. Ses films sont régulièrement diffusés sur la chaîne de télévision hollandaise Salto-2 dans les programmes ? Park TV ? et ? One minute ?. En 2002, elle a mené simultanément deux programmes de résidences post-diplômantes, Le Fresnoy dans le Nord de la France, et la Rijksakademie van Beeldende Kunsten à Amsterdam. Les deux années passées entre Roubaix et Amsterdam ont été très productives. Elles a finalisé de nombreux projets qui ont été présentés à Squeaky Wheel/Buffalo Media Resources à New York, au Festival International de Film et Vidéo à Lyon ? Les Inattendus ?, au Festival du Film Méditerranéen de Montpellier, à ? Cinema ? au Texas, entre autres. . . En 2003, son court métrage ? Courant d?air ? a gagné le prix du Jury ?Entre vues ? au Festival International de Belfort. Elle a reçu le prix ? Uriot ? de la Rijksakademie d?Amsterdam successivement en 2002 et 2003 et en 2004 elle a reçu Barbara Aronofsky Latham Memorial Award donné à un artiste vidéo émergent exceptionnel au Cinematexas, Etats-Unis. Nora Martirosyan vit et travaille actuellement à Montpellier, France.

Alberto martÍn menacho, laura morales
Catalogue : 2016Ziggurat | Film expérimental | mov | couleur | 3:26 | Espagne | Suisse | 2015
Alberto martÍn menacho , laura morales
Ziggurat
Film expérimental | mov | couleur | 3:26 | Espagne | Suisse | 2015

Différents temps sont réunis sous les yeux d’un enfant. Aucune innocence n’habite son regard. Le Ziggurat est un édifice religieux mésopotamien.


Alberto Martín Menacho est un réalisateur et monteur espagnol. En 2014, il commence des études en cinéma à la HEAD – Genève. Laura Morales est photographe diplômée de l’école de photographie de Vevey. En 2014, elle commence des études en cinéma à la HEAD – Genève.

Lukas marxt, marcel odenbach
Catalogue : 2017Fishing Is Not Done on Tuesdays | Vidéo | hdv | couleur | 15:0 | Autriche | Ghana | 2017
Lukas marxt , marcel odenbach
Fishing Is Not Done on Tuesdays
Vidéo | hdv | couleur | 15:0 | Autriche | Ghana | 2017

Landscape is a question of distance. Patterns and formations become recognizable from a distance revealing the landscape as a fabrication, a result of natural and historical movements. Fishing is not done on Tuesdays takes variously distanced, moving and focused looks at a location on the coast of Ghana. The first building block of a grid that threads its way through the entire film is indicated by a rotating bird´s eye view of a densely woven canopy of trees intersected by an uneven wall. The vertigo of this circular motion shifts into a gradual glide along untreated cement pylons. Their verticality intersects with the horizon line visible in the distance, to be ruptured only by the turbulence of approaching waves. Constructed lines produce visual axes and visual slits, dividing and lending rhythm to an apparently wild growth of abundant vegetation. These lines and grids do not divide the interior and exterior but rather create openings and passageways. Over and over again views are seen that refute these clear geometries, vibrating and unstable, brought near by binoculars but at the same time strangely far removed. Fisherman on their boats, at prayer before the workday begins; two boys with toy guns in search of an invisible adversary. Smoke condenses; silhouettes become blurred. Are these everyday scenes or the distant echoes of disturbing memories? There is no fishing on Tuesdays. Loudspeaker systems are the domain of Christian agitators on Sundays. The everyday rhythms of this place are overlaid with the drumming of rotors, the swelling and waning of music and the ocean. Their intersection is marked by this house on stilts, this perch from which an interior grid merges with the exterior as landscape. (Katrin Mundt)

Born in the Steiermark region of Austria in 1983, he studied geography and environmental system sciences in Graz until 2004. He then switched to audiovisual design at the University of Art and Design Linz. From 2007 to 2008 he studied art and multimedia at the Faculdade de Belas-Artes in Lisbon, Portugal. In 2009 he took up a postgraduate degree at the Academy of Media Arts Cologne and a masters at the Academy of Fine Arts (HGB) in Leipzig. Following the short film Fishing is not done on Tuesdays, co-directed with Marcel Odenbach, this marks the second outing for their collaborative work in competition in the Berlinale Shorts. He lives and works in Cologne and Vienna.