Catalogue > Liste par artiste
Browse the entire list of Rencontre Internationales artists since 2004. Use the alphabetical filter to refine your search.  update in progress  
Nicolas wackerbarth
Catalogue : 2007Halbe Stunden | Fiction | 35mm | couleur | 20:0 | Allemagne | 2007
Nicolas wackerbarth
Halbe Stunden
Fiction | 35mm | couleur | 20:0 | Allemagne | 2007

Mélanie vit au jour le jour, un samedi elle se (re)trouve toute seule dans sa maison: sans obligations dans le nouveau vide de sa vie.


Emmanuelle waeckerle, jimmy robert
Catalogue : 2005Newsflash | Art vidéo | dv | couleur | 8:4 | France | Royaume-Uni | 2004
Emmanuelle waeckerle , jimmy robert
Newsflash
Art vidéo | dv | couleur | 8:4 | France | Royaume-Uni | 2004

Dans une série de tableaux comiques, nous répondons avec pathos et humour à la manipulation des médias concernant la guerre et le terrorisme ? tout en essayant de faire un signe personnel de protestation. Derrière notre satire apparemment désespérée et une attitude auto-dérisoire se cache une critique de la violence et de la démagogie. La présentation était faite au départ pour les Rencontes Internationales de Berlin en 2003, @ La gaîté Lyrique à Paris en 2003, comme une réponse personnelle à la guerre "contre l?Irak?" qui avait tout juste commencé. L??uvre tombe à point nommé aujourd?hui comme ce fut le cas en 2003.


Les pratiques du travail interdisciplinaire d?Emmanuelle Wæclerle évoluent entre le langage sonore et le corps, explorant leurs intersections fonctionnelles. L?idée de fluidité et de flux dans l?identité et l?espace fut centrale à la modernité et a toujours trouvé son chemin dans les pratiques interdisciplinaires de l?art ; peut-être à cause de sa propre expérience d?une trame culturelle mélangée (du Maroc, de France et d?Angleterre). Mais aussi comme dans les travaux de Henri Michaux, les mots "l'un des meilleurs remèdes contre sa propre vulnérabilité, dissatisfaction et sens fondamental de l?iniquité dans le monde". Elle explore en ce moment les nouvelles technologies de l?interactivité en relation avec l?utilisation, la vision et l?entente de la voix avec les possibilités vocales et la communication non-verbale. Sa recherche est supportée par la London Art and Survey Institute of Art and Design où elle est une chargée de cours vétéran en Communication visuelle. Jimmy Robert est en ce moment en train de finir un programme local de deux années de doctorat à la Rijks Academie d?Amsterdam. Son travail gravite dans l?espace entre la matérialité et la représentation, évoluant de la photographie vers le film et la performance autant que vers l?écriture. Il tente de mettre en marche la porosité des différents supports identificatoires comme la littérature et le cinéma, pour atteindre le derrière de la page ou de l?écran en ne faisant plus qu'un avec l?image ou incarnant le texte.

Beny wagner
Catalogue : 2020Coal Mine in the Canary | Doc. expérimental | mp4 | couleur | 18:34 | Allemagne | Royaume-Uni | 2020
Beny wagner
Coal Mine in the Canary
Doc. expérimental | mp4 | couleur | 18:34 | Allemagne | Royaume-Uni | 2020

An essay film told through the body, 'Coal Mine in the Canary' explores the work of John Scott Haldane, the late 19th century physiologist whose experiments with respiration in atmospheric extremes led him to put canaries in coal mines as early indicators of air toxicity. The film explores this historical technique as a form of environmental control, one that would ultimately shape the possibilities of exchange between organisms and their surroundings, determined as a series of regulated variables. In the canary, Haldane developed a new paradigm: to modify an organism is a form of environmental control because there is no border at which the organism begins and the environment ends.

Beny Wagner is an artist, filmmaker, researcher and writer. Working in moving image, text, installation and lectures, he constructs non-linear narratives situated within the ever shifting threshold of the human body. ? He has presented his work in festivals, exhibitions and conferences internationally including: Berlinale, International Film Festival Rotterdam, Eye Film Museum, Haus der Kulturen der Welt, Media Art Biennale WRO, 5th and 6th Moscow Biennale for Young Art, Moscow International Experimental Film Festival, Plato Ostrava, Künstlerhaus Bremen, Kunsthalle Amsterdam, Sonic Acts, Impakt Festival, Berlin Atonal, Venice Biennale, White Columns among many others. His work has been featured in Artforum, Spike Magazine Quarterly, Frieze Magazine, Kaleidoscope Press, Flash Art and Die Zeit. His writing has been published in Valiz and Sonic Acts Press among others.

Catalogue : 2018Outside | Film expérimental | mp4 | couleur | 14:0 | Allemagne | 2017
Beny wagner
Outside
Film expérimental | mp4 | couleur | 14:0 | Allemagne | 2017

`Outside` traverses two cyclical metabolic paths in the attempt to forge a reciprocal relationship between the two. Moving from the metabolism of the human body to the metabolism of waste infrastructures, the film creates an inverted exchange wherein the concealment of waste inside the human body turns to the concealment of the human body inside waste. The boundary that divides waste from production would seem to contain an underlying set of moral implications. The film considers these as situated somewhere between law enforcement and class structure as defined through labor positions.

Wagner has exhibited his work and screened films world wide: International Film Festival Rotterdam, Media Art Biennale WRO, Movimenta Biennale (Nice), Rongwrong (Amsterdam), Haus der Kulturen der Welt (Berlin), Art Athina (Athens), Impakt Festival (Utrecht), 5th Moscow Biennale for Young Art, Eye Film Museum (Amsterdam), Venice Biennale, Plato (Ostrava), Import Projects (Berlin), Future Gallery (Berlin), Center (Berlin) among others. His work has been featured in Artforum, Spike Magazine Quarterly, Frieze Magazine, Kaleidoscope Press, and Die Zeit. He has published texts with Valiz, BLOCK Magazin and 60 pages. Wagner graduated with honors from Bard College, New York in 2008. He was a researcher at Jan van Eyck Academy, The Netherlands in 2015-6. He is currently a lecturer at Gerrit Rietveld Academy, Amsterdam, and has been a guest teacher at several other academies.

Nicolas wagnieres, benoit peverelli
Catalogue : 2007hotel jugoslavija 1.0 | Documentaire | 16mm | couleur | 12:50 | Suisse | Serbia | 2006
Nicolas wagnieres , benoit peverelli
hotel jugoslavija 1.0
Documentaire | 16mm | couleur | 12:50 | Suisse | Serbia | 2006

Ce film retrace l`histoire de l`hôtel JUGOSLAVIJA, à Belgrade, témoin d`une époque passée et des multiples changements historiques qu`a connu le pays depuis lors. A travers les témoignages en voix off d`un ancien directeur et d`anciens employés, l`histoire du bâtiment nous est racontée et renaît en partie tandis que la caméra balaie par de longs travellings et panoramiques l`architecture, rigoureuse des lieux, jusqu`à nous ramener dans un présent en chantier.


Né à l?automne 1971 à Lausanne, Nicolas Wagnières se lance dans un apprentissage de dessinateur en bâtiments suite à un échec scolaire, Il a alors 16 ans. Son certificat en poche, il s?essaie au métier de manière épisodique, il frôle le concours d?admission à l?école d?art de Lausanne, puis au gré de ses amitiés rejoint les fondateurs de TRACKS records, magasin de disques spécialisés, nous sommes alors au printemps 1992. Une carrière de disc jockey et de production musicale se développe ainsi en parallèle, et lorsque le marché se met à rendre le travail des indépendants plis délicat, les magasins sont cédés à d?autres, nous sommes en 1999. Il se présente ensuite au concours de l?Ecole supérieure d?audiovisuel de Genève, pour y étudier quatre ans le cursus de cinéma. Il obtient son diplôme en 2005 avec un court-métrage tourné à Belgrade : Tranzit. Il suit ensuite le cours postgrade de l?école supérieure des beaux-arts de Genève, et obtient un poste d?assistant dans le département de cinéma. Il réalise actuellement un film sur la transformation d?un hôtel à belgrade en Serbie, et vient de terminer deux films de danse avec le chorégraphe genevois Foofwa d?Imobilité.

Hamid waheed
Catalogue : 2019Etterkrigstid | Fiction | 4k | couleur | 30:0 | Norvège | 2018
Hamid waheed
Etterkrigstid
Fiction | 4k | couleur | 30:0 | Norvège | 2018

A city dweller moves through various routines and encounters throughout a single day. The gradually revealed circumstances point toward a crisis starting to unfold.

Hamid Waheed is a filmmaker and artist currently based in Oslo, Norway. He works with the film and video, as well as utilizing writing and performance. The work often emphasizes characterization and queerness as methods of investigating social/physical structures, with a particular interest in history and archived data. Film projects are initiated through ’Verbal Film’, often in collaboration with other parties. Aside from this, a practice in curating video works is ongoing through the collective ?HÆRK’. He has a BFA in Moving Images from Nordland College of Art and Film.

Kay walkowiak
Catalogue : 2014Minimal Vandalism | Video | hdv | couleur | 3:49 | Autriche | 2013
Kay walkowiak
Minimal Vandalism
Video | hdv | couleur | 3:49 | Autriche | 2013

Touching art objects in an exhibition space is usually not allowed. Not so in Kay Walkowiak´s Minimal Vandalism, where this prohibition is practically stomped on. The setting, the Generali Foundation in Vienna is the epitome of a modernist exhibition building, which—as neutral White Cube-like shell—is meant to intervene as little as possible in the act of viewing art.. Well, other than the tube-like enfilade with the massive concrete wall running down the middle along which a parcours of minimalist sculptures is set up in Minimal Vandalism. And it truly is a parcours, as after a brief exposition, in which the jerky camera movements already lead us to suspect that something’s up, an entirely unexpected performance unfolds. In one of the few calm takes, a surveillance camera soon becomes visible and the show begins: a skateboarder (Kilian Martin) coming from the depths of the room makes his approach on three boards piled on top of one another, to subject the sculptures to a test of endurance, or skill. The “performer” relentlessly includes the objects in his acrobatics, regardless of the fact that they are art, gliding up onto them, sliding across their surfaces, and daringly jumping over them.

*1980 in Salzburg, lives and works in Vienna. Several Grants and awards; e.g. Artist in Residence Grant Banff(2014), Beijing(2013), Varansi (2013), Theodor Körner Preis (2010), Otto Prutscher award (2008), Fred Adlmüller scholarship (2006). He studied philosophy and psychology at the University of Vienna, photography and video art at the Academy of fine Arts, Vienna and art & communication and sculture & multimedia art at the University of Applied Arts, Vienna.

Patrick wallochny
Catalogue : 2020attractions | Doc. expérimental | mov | couleur | 4:27 | Allemagne | 2020
Patrick wallochny
attractions
Doc. expérimental | mov | couleur | 4:27 | Allemagne | 2020

The gaze in “attractions” is focused on the animals. Any human activity seems strange. It forces its way into the otherwise equable way of life at Gori Park, ultimately calling into question the way humans constantly take it for granted that they are above nature.

Patrick Wallochny, born in Düsseldorf in 1990, is a filmmaker and video artist. He works as a director, editor and producer and lives in Berlin. His short films and site-specific audio and video installations move between documentary and fiction and try to playfully explore the limits of the medium. They are in dialogue with the cinema as well as with other art forms and pop culture. His eyes are on places as well as on people. On humour as on melancholy.

Emmett walsh
Catalogue : 2011The Pathfinder: Prospect | Vidéo | hdv | couleur | 13:11 | Irlande | USA | 2011
Emmett walsh
The Pathfinder: Prospect
Vidéo | hdv | couleur | 13:11 | Irlande | USA | 2011

`The Pathfinder: Prospect`, begins with the painted portrait of a 19th century politician and pioneer, John C. Frémont, housed in the Brooklyn museum, New York. From this figure the camera begins to build curious panning views of staged historical dwellings and stuffy expansionist-era oil paintings, before moving on to stationary shots of the nearby Prospect Park, with its carefully allotted tracts of woodland and pasture. The pace of the footage is dictated by a recording of a local drum circle; a loose collective of neighbourhood residents who come together each week, with no clear leader, and improvise African and Caribbean drum rhythms. A crescendo is reached through fragmented visions of paths and roads, dissected by painted lines and cracked patterns. A series of subtitles appear throughout the video, in which a loose conversation is recounted. A narrator struggles to clarify it`s own position in remembering a past journey to distant islands, when utopian ideals were discussed and only half formulated. Throughout `The Pathfinder: Prospect`, the uneasy collision between 19th and 20th century urban planning, the displacement of migrant communities, and idealised visions of pastoral equilibrium are melded together through the intuitive, pulsing efforts of the drum circle.

Emmett Walsh is an artist and writer from the UK, currently based in Los Angeles. His work spans sculpture, writing, video, photography, and print. He graduated from the MFA program at the Glasgow School of Art in 2008.

Calum walter
Catalogue : 2016Unknown Hours | Vidéo | hdv | couleur | 12:30 | USA | 2016
Calum walter
Unknown Hours
Vidéo | hdv | couleur | 12:30 | USA | 2016

Unknown Hours studies a precarious nightscape. An observer journeys down a main street in Chicago towards a neighborhood known for its nightlife. The moving image is slowed to reveal the intermittence of street lights and sports bar televisions. A camera peers into the moments between events.

Calum Walter is a filmmaker, artist and sound designer. He has a BFA from the University of Colorado where he studied filmmaking with an emphasis on sound, and later received a MFA from the School of the Art Institute of Chicago. He continues to do sound design and recording for his own films, and has collaborated with artists as cinematographer, sound recordist and designer. His work has screened widely at places including New York Film Festival, Toronto International Film Festival, Rotterdam International Film Festival, Slamdance, Ann Arbor Film Festival and the Big Ears Music Festival. He Teaches in the department of Radio/Television/Film at Northwestern University.

Michael walter, susanne berggren
Catalogue : 2005Der Hörnermann | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 17:30 | Allemagne | Suède | 2004
Michael walter , susanne berggren
Der Hörnermann
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 17:30 | Allemagne | Suède | 2004

"Der Hörnermann" -Un phénomène animal et conceptuel sur une médidation à travers un paysage d'horizons. The Hörnermann est une créature qui oscille entre nature et culture. Sur les images, vous voyez un humain portant des cornes à sa tête, marchant doucement à travers la forêt. Par moment, il semble être étranger au paysage, réalisant une mascarade pour rentrer dedans ou se cacher, à d'autres moments il semble être le souverain, ou encore en faire partie, n'étant plus un humain. Filmé dans la forêt de Tiveden en Suède, l'image est magnifique et évite de devenir ironique mais reste sensible, les deux en compassion et fidélité au regard des changements de visages de l'être Hörnermann. "C'est assez étrange dans sa simplicité, et dans son refus de montrer autre chose que ce qu'il montre au début, à l'exception de petites variations (ce qui vous incite à faire attention). J'aime le son et la quiétude que provoque la musique. J'aime le fait que ce ne soit pas ennuyeux, et à l'opposé, dans un certain sens, c'est plutôt drôle. Le mouvement de Hörnermann est si "suspendu" (...)entre beaucoup de choses que vous ne pouvez pas remarquer, qui vous laisse deviner, même si c'est très simple. J'aime aussi l'idée que cela vous permet de regarder et d'apprécier le paysage pendant le déroulement de cette action peut-être sentimentale et kitsch." Commentaire par J-P A


MICHAEL WALTER (1966) travaille comme artiste visuel. Différentes expositions en Europe. SUSANNE BERGGREN (Stockholm/Berlin) a travaillé en tant que chorégraphe à partir du milieu des années 1990 dans un contexte de danse, d'arts visuels et de club. Elle travaille habituellement en étroite collaboration avec des artistes de disciplines variées, et réalise des oeuvres dans différents médias. Son travail a été présenté en Suède et de manière internationale. Ces dernières années, elle a aussi beaucoup travaillé comme danseuse avec des chorégraphes tels que Xavier LeRoy, Eszter Salamon, et Antonia Baehr, en tournées en Europe. Parmi les salles de théâtres et de danse: Musée d'Art modern de Fylkingen et divers clubs et restaurants à Stockholm, à Hau (Berlin),la Thomas Nordanstad Galerie de New-York, Art Genda 2000 à Helsinki, Appartement International de Vienne, Wien et Äbo.

Alexia walther, maxime matray
Catalogue : 2008L'élan | Fiction | 16mm | couleur | 15:24 | Suisse | France | 2008
Alexia walther , maxime matray
L'élan
Fiction | 16mm | couleur | 15:24 | Suisse | France | 2008

Aujourd`hui encore, il arrive parfois ceci : on est debout dès l`aube, on n`est pas seul, on traverse la campagne, on s`encourage, on redoute, on pérore, on joue, on fredonne. On est attendu. On n`a pas grand-chose à perdre, fors l`honneur.


Alexia Walther est née en 1974 à Genève, elle travaille actuellement à Paris. Elle est diplômée depuis 1999 de l?ESAV (École Supérieure d?Art Visuel), Genève, en section media-mixte. Maxime Matray est né en 1973 à Paris. Plasticien et auteur, il est diplômé depuis 1995 de l?EPIAR (École Pilote Internationale d?Art et de Recherche), Villa Arson, Nice. Leur collaboration a débuté avec le court-métrage Twist, qui a gagné plusieurs prix dans de nombreux festivals. Ils ont écrit et réalisé ensemble le court-métrage l?élan.

Jan wandrag
Catalogue : 2006David+Jonathan | Fiction expérimentale | dv | couleur | 15:0 | Afrique du sud | USA | 2006
Jan wandrag
David+Jonathan
Fiction expérimentale | dv | couleur | 15:0 | Afrique du sud | USA | 2006

David+Jonathan est un projet qui utilise des photographies de rues qui ne sont pas droites. C'est une adaptation de l'histoire de la Bible qui se déroule dans le New York moderne. Après que David ait vaincu Goliath, le roi s'intéresse à lui. David développe ensuite une relation avec le fils du roi, Jonathan. lorsque le roi le découvre, il interdit à Jonathan de revoir David. Le film repose sur une série d'instantanés rephotographiés. Les images commencent comme une vidéo tournée en public de deux jeunes hommes filmés à leur insu. Jan Wandrag a composé des scènes fictives à partir de ces images en les manipulant numériquement et en plaçant les acteurs trouvés dans son histoire.


Jan Wandrag est né en Afrique du Sud en 1976. Son travail vidéo a été montré dans des festivals à New York, Cicago, Dallas et Washington DC. Jan a récemment fait pour la première fois une exposition personnelle, "Images of David+Jonathan", au Peter Halpert Fine Art à New York. Il a également participé à de nombreuses expositions collectives aux Etats Unis, en Afrique du Sud et en Europe. Jan a reçu la bourse Aaron Siskind en 2004. En 2005 il a achevé une maîtrise des beaux-arts (MFA) en "photography, video and related media" à l'école des arts visuels de New York. Il vit actuellement à New York avec son partenaire David.

Joel wanek
Catalogue : 2013Sun Song | Doc. expérimental | hdv | couleur | 14:35 | USA | 2013
Joel wanek
Sun Song
Doc. expérimental | hdv | couleur | 14:35 | USA | 2013

A poetic journey from the darkness of early dawn into the brightness of the midday sun in the American South. Filmed on one bus route over the course of six months in Durham, North Carolina, Sun Song is a celebration of light and a meditation on leaving.

Joel Wanek (1974, Nebraska, USA) is a filmmaker and photographer living in Oakland. Over the years he has developed a creative documentary practice that often blurs the line between subject and maker, mixes techniques of narrative and vérité modes, and uses public spaces for collaborative engagement. He holds a MFA in Experimental and Documentary Arts from Duke University.

Lingjie wang, jingfang hao
Catalogue : 2011Flotter dans le noir | Vidéo expérimentale | | couleur | 6:23 | Chine | Mali | 2011
Lingjie wang , jingfang hao
Flotter dans le noir
Vidéo expérimentale | | couleur | 6:23 | Chine | Mali | 2011

Déambulation dans la nuit, flotter dans le noir. Vidéo tournée en février 2011, à Bamako, Mali, dans le quartier Djicoroni Para, avec l`appel du muezzin radiodiffusé. Par manque d`éclairage public, le paysage de la rue ne nous est plus familier. Tout l`environnement a changé. Les maisons, les surfaces, les déchets, les plantes, jusqu`aux vêtements des passants, tout se fond dans le noir. Nous ne regardons que les lumières et les ombres, les images extraites. Le mouvement des lumières et des personnages d`ombre construit le mémoire du territoire qui passe avec le temps.


Après l`obtention d`un diplôme d`ingénieur en conception industrielle en 2007, en Chine, WANG Lingjie a décidé de poursuivre dans la création. Mais il va emprunter un chemin différent, peut-être plus difficile mais plus fondamental : l`art. Il entreprend un cursus de 5 ans d`études en France. Très curieux, ce jeune artiste a plusieurs centres d`intérêt et dans les premières années, il a exploré les technologies de l`information, l`écologie et l`architecture, qu`il a intégrées à sa démarche artistique. Il est très sensible au contexte politique et aux courants de pensées idéalistes. Aujourd`hui, il adopte une démarche qui mêle fiction et documentaire et Wang Lingjie concentre sa pratique sur l?installation, la photographie et la vidéo. Ses projets portent la marque de ses réflexions sur notre existence, nos relations avec la nature et l`univers. WANG Lingjie vit et travaille à Lorraine, France et à Shanghai, Chine.

Catalogue : 2012ouvrières ? | Doc. expérimental | hdv | couleur | 10:46 | Chine | 2012
Lingjie wang , jingfang hao
ouvrières ?
Doc. expérimental | hdv | couleur | 10:46 | Chine | 2012

Comment les ouvrières se voient à leur travail ? Pourquoi font elles ce métier ? Qui sont elles ? Pas seulement ici, mais aussi ailleurs. Le regard se concentre sur les femmes de l`industrie textile mais porte au delà d`un pays. Il va là où des artistes partagent cette même envie de regarder les femmes se regardant au travail. Ce qui importe d`abord c`est la manière dont chacune se voit, se pense. Les femmes parlent de leur désir, désir d`indépendance, pour le reste elles décrivent leur vie au travail, les difficultés, la dureté, le besoin de travailler, les peurs, les envies, les regrets... Souvent, elles se ressemblent, par leurs gestes attachés aux machines, mais aussi par leur histoire, le besoin d`argent, d`indépendance, certaines ont peur, d`autres se rebiffent, refusent. Ce qui importe aussi c`est la manière dont chaque artiste voit ces femmes au travail. Les croisements de regards, se font au gré des images et des paroles, sans autre guide que le jeu du loin et du proche, dans l`espace recomposé des usines, du rapport des corps aux machines, au travail.


«Images en transit », C`est un processus artistique collectif, qui a commencé en 2010 avec un travail expérimental sur le regard des femmes au travail, dans le textile. Nous sommes 6 artistes, de 3 continents, Europe, Afrique, Asie, qui avons imaginé peu à peu un dispositif pour travailler en collectif. Chacun a filmé dans son pays des ouvrières au travail, puis nous avons mis en commun les images. L?idée a été de réaliser une vidéo, avec une écriture commune, mais chacun a pu et pourra continuer à sa manière le travail engagé. Les images appartiennent au collectif et à chacun. Le temps de l`écriture collective a été celui du projet, puis celui du montage, chacun ?uvrant à partir des ses propres images et de celles des autres. Une centaines d?heures au total. Toutes les interviews ont été intégralement traduites. Le processus est expérimental et très ouvert donc. Nous ?uvrons sur l`écart des regards, l`écart dans le travail, des artistes et des femmes, les idées comme les images circulent. Co auteurs : Catherine Egloffe (France), WANG Lingjie (Chine), Andrea Palade Flondor (Roumanie), HAO Jingfang (Chine), Serge Desire Ouedraogo (Burkina Faso), Bouna Cherif Fofana (Mali)

Lingjie wang, catherine egloffe, andrea palade flondor, hao jingfang, serge desire ouedraogo, bouna cherif fofana
Catalogue : 2011Flotter dans le noir | Vidéo expérimentale | | couleur | 6:23 | Chine | Mali | 2011
Lingjie wang , catherine egloffe, andrea palade flondor, hao jingfang, serge desire ouedraogo, bouna cherif fofana
Flotter dans le noir
Vidéo expérimentale | | couleur | 6:23 | Chine | Mali | 2011

Déambulation dans la nuit, flotter dans le noir. Vidéo tournée en février 2011, à Bamako, Mali, dans le quartier Djicoroni Para, avec l`appel du muezzin radiodiffusé. Par manque d`éclairage public, le paysage de la rue ne nous est plus familier. Tout l`environnement a changé. Les maisons, les surfaces, les déchets, les plantes, jusqu`aux vêtements des passants, tout se fond dans le noir. Nous ne regardons que les lumières et les ombres, les images extraites. Le mouvement des lumières et des personnages d`ombre construit le mémoire du territoire qui passe avec le temps.


Après l`obtention d`un diplôme d`ingénieur en conception industrielle en 2007, en Chine, WANG Lingjie a décidé de poursuivre dans la création. Mais il va emprunter un chemin différent, peut-être plus difficile mais plus fondamental : l`art. Il entreprend un cursus de 5 ans d`études en France. Très curieux, ce jeune artiste a plusieurs centres d`intérêt et dans les premières années, il a exploré les technologies de l`information, l`écologie et l`architecture, qu`il a intégrées à sa démarche artistique. Il est très sensible au contexte politique et aux courants de pensées idéalistes. Aujourd`hui, il adopte une démarche qui mêle fiction et documentaire et Wang Lingjie concentre sa pratique sur l?installation, la photographie et la vidéo. Ses projets portent la marque de ses réflexions sur notre existence, nos relations avec la nature et l`univers. WANG Lingjie vit et travaille à Lorraine, France et à Shanghai, Chine.

Catalogue : 2012ouvrières ? | Doc. expérimental | hdv | couleur | 10:46 | Chine | 2012
Lingjie wang , catherine egloffe, andrea palade flondor, hao jingfang, serge desire ouedraogo, bouna cherif fofana
ouvrières ?
Doc. expérimental | hdv | couleur | 10:46 | Chine | 2012

Comment les ouvrières se voient à leur travail ? Pourquoi font elles ce métier ? Qui sont elles ? Pas seulement ici, mais aussi ailleurs. Le regard se concentre sur les femmes de l`industrie textile mais porte au delà d`un pays. Il va là où des artistes partagent cette même envie de regarder les femmes se regardant au travail. Ce qui importe d`abord c`est la manière dont chacune se voit, se pense. Les femmes parlent de leur désir, désir d`indépendance, pour le reste elles décrivent leur vie au travail, les difficultés, la dureté, le besoin de travailler, les peurs, les envies, les regrets... Souvent, elles se ressemblent, par leurs gestes attachés aux machines, mais aussi par leur histoire, le besoin d`argent, d`indépendance, certaines ont peur, d`autres se rebiffent, refusent. Ce qui importe aussi c`est la manière dont chaque artiste voit ces femmes au travail. Les croisements de regards, se font au gré des images et des paroles, sans autre guide que le jeu du loin et du proche, dans l`espace recomposé des usines, du rapport des corps aux machines, au travail.


«Images en transit », C`est un processus artistique collectif, qui a commencé en 2010 avec un travail expérimental sur le regard des femmes au travail, dans le textile. Nous sommes 6 artistes, de 3 continents, Europe, Afrique, Asie, qui avons imaginé peu à peu un dispositif pour travailler en collectif. Chacun a filmé dans son pays des ouvrières au travail, puis nous avons mis en commun les images. L?idée a été de réaliser une vidéo, avec une écriture commune, mais chacun a pu et pourra continuer à sa manière le travail engagé. Les images appartiennent au collectif et à chacun. Le temps de l`écriture collective a été celui du projet, puis celui du montage, chacun ?uvrant à partir des ses propres images et de celles des autres. Une centaines d?heures au total. Toutes les interviews ont été intégralement traduites. Le processus est expérimental et très ouvert donc. Nous ?uvrons sur l`écart des regards, l`écart dans le travail, des artistes et des femmes, les idées comme les images circulent. Co auteurs : Catherine Egloffe (France), WANG Lingjie (Chine), Andrea Palade Flondor (Roumanie), HAO Jingfang (Chine), Serge Desire Ouedraogo (Burkina Faso), Bouna Cherif Fofana (Mali)

Dan ward
Catalogue : 2016Performance | Doc. expérimental | hdv | couleur | 18:0 | Royaume-Uni | 2015
Dan ward
Performance
Doc. expérimental | hdv | couleur | 18:0 | Royaume-Uni | 2015

A single day spent in a motion-capture studio documenting actors, a director and technical crew provide the subject matter for this film. Using a cliché B-movie script, the studio Audiomotion test workflow patterns to standardise and improve the production process (e.g. adjusting cameras and monitors, rehearsing with equipment, transferring data etc.) The actor’s movements are recorded during the scene, followed by minute facial gestures (aided with face paint), and finally edited as 3D models. We see how technique and dialogue must change to avoid disrupting the motion-capture technology, how the actors choose their expressions (stylised, but with an emphasis on naturalism), what other jobs the actors may have, and how standards or ideal gestures are created via these technical methods.

Dan Ward is a filmmaker based in London.

Phillip warnell
Catalogue : 2009Outlandish: étranges corps étrangers | Doc. expérimental | 35mm | couleur | 20:0 | Royaume-Uni | 2009
Phillip warnell
Outlandish: étranges corps étrangers
Doc. expérimental | 35mm | couleur | 20:0 | Royaume-Uni | 2009

Philosopher and heart transplant recipient Jean-Luc Nancy meditates on the history and integrity of bodies in Phillip Warnell?s new short 35mm film, Outlandish: Strange Foreign Bodies. A number of visual and literary passages explore the correlate between a textual narrative specially commissioned for the film, étranges corps étrangers, by Jean-Luc Nancy, his on screen presence, the surgical view of an organ in search of a body and an unaccounted for, displaced Cephalopod at sea. Presented in eight short episodes, together these form an odyssey on bodily migration. Outlandish is a journey threaded between shores and shared environments, the touching of and proximity between bodies, the vanishing and appearance of crew, the dimensions of the corpus and above all ? our relations with strange foreign bodies.

Phillip Warnell is an artist and filmmaker based in London. His work corresponds on a range of ideas concerning the desire for insight into the complex relations that constitute our bodies, the tension between the desire to get at and see the soul and the inherent elusiveness of this endeavour. The work traverses the boundaries of bodies, positioning them both as anatomical, physiological objects of research, and as intimate, distanced and transitional states. Whilst known especially for his keen attention towards notions of bodily transparency, embracing the combined use of historical artifacts with semiotics of the a-visual, his most recent output has assimilated more cinematic and textual imperatives, drawn from various collaborations and performative encounters. Recent exhibitions and screenings have included curated screenings at The BFI, London (08); festival screenings at FID Marseille (08 & 09), Copenhagen Documentary Festival (09); Bilbao Short Film Festival (08); DocBsAs, Buenos Aires (08). Exhibitions have included solo presentations at 300m3, Gothenburg; Leamington Spa Art Gallery, UK (both 2008); and a three-person exhibition at Matt?s Gallery, London (2005). Solo event/performances have included at MACRO, Rome (2006) and ICA, London (2006). He is currently Programme Director of Filmmaking at Kingston University, London.

Catalogue : 2012I first saw the light | Film expérimental | 16mm | couleur | 12:0 | Royaume-Uni | 0 | 2012
Phillip warnell
I first saw the light
Film expérimental | 16mm | couleur | 12:0 | Royaume-Uni | 0 | 2012

I first saw the light channels the vestige of Joseph Carey Merrick?s surviving output. Better known as The Elephant Man, he produced a two-page autobiography, sold to those attending a freak show in which he was displayed in victorian London. The inter-titled text is coupled with stark sequences of a model church he constructed, now sealed within a glass and ebony container, together forming the basis for this poignant, silent film. A reminder of Merrick?s profound humanity in the face of such extreme adversity, the film also serves as a footnote to David Lynch?s feature film, in which the model is employed as a central motif and metaphor for Merrick?s psychological and emotional fluctuations.

Phillip Warnell produces films channelling the circumstances, thoughts and character of extraordinary subjects. The work is concerned with the exploration of, and curiosity with, ideas around bodies and environments. Thinking through film, his work explores an extra-sensory, pre-scientific world, infused with invisible, supra-organic phenomena. The premise for his work locates the body as an axis or point of orientation, around which can be hosted a series of investigations and transformations, into both the human and animal corpus, its biology, psychology and chemistry. A filmmaker, academic and artist, Phillip Warnell presents his work in a range of contexts and guises: including live performance pieces, time-based work, image and text. His recent cinematic work has included ?The Girl with X-ray Eyes? and ?Outlandish: Strange Foreign Bodies?, made in collaboration with Jean-Luc Nancy. Recent presentations of his work include a solo exhibition at The South London Gallery, London (Sept, 2012); Locarno Film Festival (2012); FNC Montreal (2012), Loop Barcelona (2011); CPH-Dox (2010); FID Marseille (2009/8), with exhibitions at Matts Gallery, London (2005) and 300m3, Gothenburg (2008).

Catalogue : 2014Ming of Harlem: Twenty One Storeys in the Air | Documentaire | | couleur | 70:0 | Royaume-Uni | 2014
Phillip warnell
Ming of Harlem: Twenty One Storeys in the Air
Documentaire | | couleur | 70:0 | Royaume-Uni | 2014

Ming of Harlem: Twenty One Storeys in the Air is an only-in-New-York account of Ming, Al, and Antoine Yates, who cohabited in a high-rise social housing apartment at Drew-Hamilton complex in Harlem for several years until 2003, when news of their dwelling caused a public outcry and collective outpouring of disbelief. On the discovery that Ming was a 500-pound pound Tiger and Al a seven-foot alligator, their story took on an astonishing dimension. The film frames Yates’s recollections with a poetic study of Ming and Al, the predators’ presence combined with a text by philosopher Jean-Luc Nancy, reimagining the circumstances of the wild inside, animal names, strange territories, and human-animal relations.


Phillip Warnell is a filmmaker and academic based in London. He produces cinematic works exploring a range of philosophical ideas on human-animal relations and the poetics of bodily and life-world circumstances, where an interplay between film, politic and sensorium is played out. Augmented by interdisciplinary activities and partnership engagement, Warnell's recent output has involved an ongoing collaboration with philosopher and author Jean-Luc Nancy. His film work has screened internationally in festivals including: New York (NYFF, 2014); Vienna (Viennale, 2014); Marseille (FID, 2008, 09, 14); Amsterdam (IDFA, 2008, 14); Locarno (2012); Copenhagen (CPH-Dox, 2009, 14); Montreal (FNC, 2012, 14) and at curated screening programmes and exhibitions including Paris (Rencontres, 2008, 09, 12, 14); Sharjah Biennial (2013); Antwerp (Extra-City, 2014); Vienna (Fotogalerie, 2014); Tallinn (CCA, 2014). He has presented numerous performance-event works over an extended period, including at MACRO (Rome, 2004); ICA (London, 2006); Copenhagen (2009).

Catalogue : 2020Intimate Distances | Doc. expérimental | 4k | couleur | 61:0 | Royaume-Uni | USA | 2020
Phillip warnell
Intimate Distances
Doc. expérimental | 4k | couleur | 61:0 | Royaume-Uni | USA | 2020

On a street corner in Queens, New York, an elderly, white-haired woman hovers, apparently waiting or looking for something – then starts approaching passersby. Miked up close, but viewed – surveillance-style – from distant rooftops, she asks them philosophical questions about turning points in their lives, sometimes eliciting candidly revealing answers from people who seemingly need to talk. She’s also seen up close at street level, viewed by a shaky nearby camera. And intermittently we hear the affectless voiceover of an English male reading an account of a prison spell. What exactly are we seeing? A documentary of sorts? A fiction stripped of its expected signposts? The woman is real-life casting director Martha Wollner, but the film never makes it clear what her mission is, what she hopes to learn, and what her relation is to the distant speaker (who may also be the distant observer). Echoing Coppola’s THE CONVERSATION, as well as works by Phillip Warnell’s fellow British experimental directors John Smith and Chris Petit, this is an enigmatic, elusive piece. Yet, as the title suggests, those moments when Wollner connects with the interiority of perfect strangers makes this an alluringly, unexpectedly compassionate guerrilla foray into urban experience. (Jonathan Romney)

Phillip Warnell is an artist-filmmaker, a writer, and the director of the Visible Institute, for research in film and photography, at Kingston University, London. He produces film works and texts exploring a range of philosophical and poetic thematics, also exploring ideas on human-animal relations. His most recent film, The Flying Proletarian (2017), premiered at CPH:DOX, Copenhagen International Documentary Film Festival, in March 2017. During his fellowship, Warnell is addressing a series of interconnected questions on “animality-cinemality-criminality,” involving engagement with film professionals and researchers relative to screen-based roles and exploring the relationship among appearance, measurement, and typecasting. He is also developing script-based ideas for a planned feature-length film, currently in development, that investigates ideas on misobservation and apparitions of other life-worlds, accessing archival material to inform and incorporate into the project. Warnell’s film work has been exhibited extensively, including recent screenings at the ICA in London, KW Institute for Contemporary Art, in Berlin, and Tate Modern, in London, as well as in such prestigious film festivals as the Locarno Festival, the New York Film Festival, and the Viennale. Previous exhibitions have included at the Moderna galerija, in Ljubljana, Slovenia; Sharjah Biennial, in United Arab Emirates; and Wellcome Collection, in London. His film Ming of Harlem: Twenty One Storeys in the Air (2014) won the 2014 Georges de Beauregard International Prize at FID International Film Festival Marseille and the 2015 Universities SIC Award at IndieLisboa.

Maya watanabe
Catalogue : 2017Earthquakes | Vidéo expérimentale | hdv | couleur | 12:0 | Pérou | Japon | 2017
Maya watanabe
Earthquakes
Vidéo expérimentale | hdv | couleur | 12:0 | Pérou | Japon | 2017

An unnatural landscape appears in an empty theater. Without any human action, a series of events begin to unleash. The motionless scene is abruptly interrupted by artificial disasters. When the scenography breaks down and the staged landscape collapses, the inhabitants confront their extintion. As the long-shot continues, the remnants left behind appear again, inexplicably recomposed. The fundamental motivation is to explore the limits, one’s own limits, ethical limits, political limits, of control over others deaths.

Maya Watanabe is a Peruvian visual artist who works with video installations. Her work has been exhibited at: Palais de Tokyo, Matadero Madrid, Kadist Art Foundation, Das Fridericianum, Museo de Arte Contemporáneo de Lima, and Kyoto Art Center among others. She has been featured in festivals like Videobrasil, LOOP, FILE, Transitio MX, Madrid Abierto, Havana Film Festival, and Beijing Biennale. She has also collaborated as a set designer and audiovisual art director for theatre plays performed in Peru, Spain, Austria and Italy. Watanabe is based between Amsterdam and Madrid.

Atsuhiko watanabe
Catalogue : 2005Resonance of tears | Film expérimental | betaSP | couleur | 11:0 | Japon | France | 2004
Atsuhiko watanabe
Resonance of tears
Film expérimental | betaSP | couleur | 11:0 | Japon | France | 2004

Au-delà de la subtile sensation cutanée liée aux larmes coulant sur les joues, s?étend le vide cruel. Un vide glacé, surgissant quand les larmes s?évaporent. Un grand vide rempli d`affects. Un homme vit son errance dans cet espace vide. Il se plonge dans la mémoire de sa famille perdue à travers leurs souvenirs partagés sur la Cerisaie de Tchekhov. Ainsi la résonance des larmes serait orchestrée par un monologue-dialogue se déroulant comme le deuil d?une déchirure éternelle.


Atsuhiko Watanabe est un cinéaste/vidéaste japonais qui vit et travaille à Paris. Il est diplômé du Fresnoy, Studio National des Arts Contemporains, où il a réalisé deux courts-métrages tels que Aliénation (Festival de Locarno 2003) et Resonance of tears (Festival de Rotterdam 2005).

Marius watz, @c
Catalogue : 2005INT.15/35 | Vidéo expérimentale | dv | couleur | 2:0 | Norvège | 2005
Marius watz , @c
INT.15/35
Vidéo expérimentale | dv | couleur | 2:0 | Norvège | 2005

La vidéo pour l'?uvre de @c, "int.15/35", est une visualisation directe de la musique. Le son est électronique, rempli de tons aigus et d'attaques soudaines de parasites qui s'arrêtent aussi brusquement qu'elles ne surviennent. La vidéo réagit à cette expérience en utilisant des couleurs claires et vives et des formes pointues. Utilisant l'analyse FFT pour obtenir les caractéristiques spectrales du son, toutes les formes de la vidéo réagissent instantanément aux changements de son, de telle sorte qu'on les perçoit comme un tout, comme un ensemble.


Marius Watz est un artiste qui travaille avec des stratégies génératrices pour créer des formes visuelles, utilisant souvent un style indicatif de formes organiques et de couleurs saturées. Autodidacte, il réalise ses ?uvres comme des logiciels, créant des ?uvres pour un large éventail d'applications, de projections dans des lieux publics à des visuels live de musique.

Nico Joana weber
Catalogue : 2020Tropic Telecom | Vidéo expérimentale | 4k | couleur | 24:58 | Allemagne | France | 2020
Nico Joana weber
Tropic Telecom
Vidéo expérimentale | 4k | couleur | 24:58 | Allemagne | France | 2020

Tropic Telecom reflects contemporary Paris in its hybrid post-colonial reality. The film develops from the Palais de la Porte Dorée, which opened in 1931 on the occasion of the Paris Colonial Exhibition. It is the only building of the exhibition that was preserved after the end of the event, located in the southeast of the city bordering on the Périphérique. Its architectural style presents itself as a synthesis of the formerly modern Art Déco, as well as freely interpreted elements of native art and architectural styles. A crocodile basin is to be found in the still accessible aquarium of the palace that was used to showcase fish from the tropical colonies. As the film proceeds, an albino alligator that the basin houses today, embarks on a surreal journey. It leads the viewer through places of French colonial and migration history, as well as large brutalist and post-modern housing estates on the outskirts of Paris that were built from 1970 onwards and which stand for the residential utopia of a postcolonial Paris. A structure of images emerges that situates the ongoing aesthetic, political and social negotiation processes in a polyphonic communicative field.

Nico Joana Weber (*1983 in Bonn) lives and works in Ludwigshafen am Rhein, Germany. She studied Fine Art and Art History at Goldsmiths College London and completed her postgraduate studies at the Academy of Media Arts Cologne in 2013. By means of different artistic media such as video, installation, photography and drawing, she explores the aesthetic and political characteristics of architecture and landscape in transcultural contexts. Weber's work is fuelled by an unsteady search for historical traces and cultural processes of transformation and appropriation that doesn't arrive at simplistic solutions but rather focuses on zones of ambivalence. Nico Joana Weber has received numerous grants and awards, most notably the Villa Romana Prize (2016) and the Bonn Art Award (2019). Selected exhibitions and festivals include: Kunstmuseum, Bonn (2020), Kunstverein Kärnten, Klagenfurt (2019), Goethe Institute Bulgaria, Sofia (2019), Artothek, Cologne (2018), Temporary Gallery, Cologne (2017), Museum unter Tage, Bochum (2017), Skulpturenmuseum Glaskasten Marl (2017), Villa Romana, Florence (2016), Goethe Institute, Paris (2016), Aesthetica Short Film Festival, York (2015), International Short Film Festival Oberhausen (2015).